Das endgültige Ranking der Filme von Quentin Tarantino (IMDb-Scores)

Du kennst die Stimmung. Die Fußmassagen. Die plötzliche Gewalt. Der Dialog, der sich wiederholt und kreist, bis er abreißt. Quentin Tarantino macht nicht nur Filme, er kuratiert Erlebnisse, und wenn Sie sich seit drei Jahrzehnten mit dem Kino beschäftigen, wissen Sie, dass seine Fingerabdrücke überall zu finden sind. Doch welche treffen tatsächlich? Wir haben es nicht mit Kritikern zu tun, die Blut hassen, oder mit Fans, denen nur die Poster gefallen. Wir schauen auf die Menge. Die Leute. IMDb.

Dies ist eine Aufschlüsselung von 15 Filmen, die mit der Marke Tarantino in Verbindung stehen, geordnet nach ihren Nutzerbewertungen. Es ist nicht immer das, was Sie erwarten. Einige sind Meisterwerke. Einige davon sind Kuriositäten. Sie alle sind wichtig.

1. Es war einmal in… Hollywood (2019) – IMDb: 8,2

Es ist sein jüngster großer Schwung, und er landete mit einem heftigen Knall. Das ist kein gewöhnlicher Rachefilm. Es ist ein Liebesbrief an ein Hollywood, das in Flammen stand, erzählt aus der Sicht des verblassenden TV-Cowboys Rick Dalton und seines Stunt-Doubles Cliff Booth. Leonardo DiCaprio und Brad Pitt tragen hier die Hauptrolle, aber der eigentliche Star ist die Kulisse. 1969 Los Angeles. Der Sunset Strip. Der Vibe ist dick genug, um mit einem Messer geschnitten zu werden.

Tarantino spielt hier mit der Geschichte und schreibt die Morde an der Familie Manson auf eine Weise um, die sowohl kathartisch als auch in ihrer Zurückhaltung zutiefst untarantinohaft wirkt. Das Tempo? Langsam. Absichtlich. Sie sehen, wie Rick in einem Cabrio herumfährt und Radiowerbung hört, und Sie verstehen es. Es geht um das Ende einer Ära. Der IMDb-Score von 8,2 spiegelt ein geteiltes Publikum wider. Einige liebten die Nostalgie. Andere wollten mehr Action. Aber man kann die Handwerkskunst nicht leugnen.

„Ich glaube nicht, dass Ihnen klar ist, mit wem Sie es zu tun haben. Ich bin der Mann, der Clint Eastwoods Karriere getötet hat.“

Diese Zeile bringt die Spannung des Films auf den Punkt. Es geht um das Erbe. Wer bleibt in Erinnerung? Die Liste geht weiter, aber diese bereitet die Bühne für das, was vorher kam. Was macht einen Tarantino-Film aus? Nicht nur das Blut. Der Rhythmus. Die Musikauswahl. Die Art und Weise, wie ein Gespräch gefährlicher sein kann als eine Schießerei.

2. The Hateful Eight (2015) – IMDb: 7,8

Sieben Fremde. Ein Schneesturm. Eine Kabine. Es ist ein Western, der in einer Flasche gefangen ist und Tarantino den Deckel verschlossen hat. Die Bilder wurden im 70-mm-Format gedreht und sind atemberaubend. Das Sounddesign ist bedrückend. Du spürst die Kälte. Kurt Russell führt eine Besetzung an, zu der Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh und Tim Roth gehören, die alle eindeutig die Zeit ihres Lebens haben.

Aber hier ist die Sache mit The Hateful Eight. Es ist ein Theaterstück. Ein Kammerdrama. Die Spannung baut sich auf, weil es nirgendwo hingehen kann. Das Geheimnis entfaltet sich durch Dialoge, nicht durch Verfolgungsjagden. Der IMDb-Score von 7,8 deutet darauf hin, dass es umstritten ist. Manche Leute hassen das langsame Brennen. Andere finden es spannend. Die Wendung? Sie werden es nicht kommen sehen, und wenn es eintrifft, ändert es alles, was Sie über die Charaktere zu wissen glaubten. Es ist brutal. Es ist lustig. Es ist Tarantino in seiner theatralischsten Form.

**3.

The Hateful Eight: Ein Kammerstück mit Waffen

Tarantino macht keine Ruhe. Immer.

The Hateful Eight ist weniger ein Western als vielmehr ein von Pelzmänteln und Paranoia umhüllter Thriller aus verschlossenen Räumen. Im Wyoming des Jahres 1877 drängen sich acht Fremde in Minnies Haberdashery zusammen, um einem Schneesturm zu entkommen. Sie glauben, sie seien in Sicherheit. Das sind sie nicht.

Die Handlung dreht sich heftig. Verrat häuft sich wie Feuerholz. IMDb: 7,8 fühlt sich für manche großzügig an, aber die Spannung ist real. Du wartest auf den Schuss. Es kommt. Dann noch einer.

Kurt Russell, Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh. Die Darsteller kaut Szenerie und spuckt sie giftig zurück. Es ist laut. Es ist blutig. Es ist Tarantino pur.

Django Unchained (2012) – IMDb: 8.4

Tarantino macht nicht nur Filme. Er baut Welten und setzt sie dann mit Dialogen in Brand. Django Unchained ist purer, unverfälschter Stil, der auf brutale Geschichte trifft. Wir schreiben das Jahr 1858. Der Antebellum-Süden. Ein Land der Baumwollfelder und Ketten.

Samuel L. Jackson spielt Django. Er ist ein ehemaliger Sklave. Gekauft von einem deutschen Kopfgeldjäger, Dr. King Schultz, gespielt von Christoph Waltz. Schultz braucht Django, um seine Brüder zu finden. Django braucht Freiheit. Ein einfacher Handel. Bis es nicht mehr so ​​ist.

Der Film ist eine Rachephantasie. Ein Spaghetti-Western im Süden der USA. Es ist laut. Es ist blutig. Es ist auf eine düstere, verdrehte Art lustig. Waltz gewann dafür einen Oscar. Er ist charmant wie ein Monster. Oder ein Monster, das charmant ist. Bei Tarantino ist das schwer zu sagen.

Leonardo DiCaprio spielt Calvin Candie. Besitzer einer Zuckerplantage. Er ist höflich. Er ist furchterregend. Die Szene, in der er Django Mint Juleps anbietet, während er über Sklavenhaltung spricht? Chillen. DiCaprio stiehlt jedes Bild, in dem er ist.

Kerry Washington ist Broomhilda. Djangos Frau. Der Name kommt von Onkel Toms Hütte. Tarantino liebt literarische Referenzen. Er liebt es auch, sie zu untergraben.

Die Kameraarbeit von Robert Richardson ist großartig. Helle Farben. Starke Kontraste. Schnee, Blut, rote Kleider. Es sieht aus, als wäre ein Gemälde zum Leben erwacht. Ein gewalttätiges Gemälde.

Der IMDb-Score liegt bei 8,4. Das ist hoch. Wirklich hoch für einen Tarantino-Film. Manche sagen, es sei sein Bestes. Andere sagen Pulp Fiction. Du wählst dein Gift.

• Tür: Western, Drama
• IMDb: 8.4
• Jahr: 2012
• Yönetmen: Quentin Tarantino
• Oyuncular: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington

Es ist ein langer Film. Zwei Stunden und 45 Minuten. Es zieht? Nein. Es atmet. Die Spannung baut sich auf. Du wartest auf die Explosion. Es kommt. Gewalttätig. Befriedigend.

„Mir gefällt die Art, wie er stirbt.“

Diese Zeile bringt es auf den Punkt. Es geht um Macht. Wer hat es? Wer nimmt es zurück? Django nimmt es zurück. Mit einer Waffe. Und ein Lächeln.

Der Soundtrack von RZA ist Hip-Hop-geprägt. Südländische Seele. Es passt zur Zeit, fühlt sich aber modern an. Tarantino macht das immer. Mischt Genres. Bricht Regeln.

Es löste Debatten aus. Rassismus. Gewalt. Historische Genauigkeit. Kritiker argumentierten, es sei zu anschaulich. Fans sagten, es sei notwendig. Es ist Tarantino. Ihm ist Ihr Komfort egal. Ihm liegt die Geschichte am Herzen.

Django Unchained ist nicht nur ein Western. Es ist eine Dekonstruktion des Westerns. Es nimmt die Tropen des Genres und stellt sie auf den Kopf. Der Held ist schwarz. Der Bösewicht ist ein Plantagenbesitzer. Der Kopfgeldjäger ist ein Europäer. Es dreht das Drehbuch um.

Hält es? Ja. Die Leistungen sind herausragend. Foxx ist stoisch. Kraftvoll. Walzer ist elegant. DiCaprio ist unheimlich. Die Chemie ist elektrisch.

Wenn Sie

Warum Inglourious Basterds eine Meisterklasse in Sachen Spannung und alternativer Geschichte bleibt

Glaubst du, du kennst Kriegsfilme? Denken Sie noch einmal darüber nach. Quentin Tarantino schreibt nicht nur die Geschichte neu. Er zündet es an.

Inglourious Basterds ist nicht nur ein Film. Es ist ein Schnellkochtopf. Dieser 2009 veröffentlichte Thriller mit alternativer Geschichte dreht das Drehbuch zum Zweiten Weltkrieg um. Keine feierlichen Reden. Kein bereinigter Heldentum. Nur Blut, Schweiß und eine haarsträubende Verschwörung, die Sie fast zweieinhalb Stunden lang in Atem hält.

Die Prämisse ist einfach, aber brisant. Nazi-Deutschland. Wir schreiben das Jahr 1944. Eine jüdische Kinobesitzerin namens Shosanna Dreyfus überlebt den Holocaust. Sie versteckt sich in Paris. Unter einem Pseudonym baut sie sich ein neues Leben auf. Sie betreibt ein Kino. Und sie hat einen Plan. Ein schrecklicher, schöner Plan, das Dritte Reich niederzubrennen – im wahrsten Sinne des Wortes.

Dann ist da noch Lt. Aldo Raine. Gespielt von Brad Pitt mit einem Grinsen, das Glas schneiden könnte. Er führt die „Basterds“ an. Eine zusammengewürfelte Truppe jüdisch-amerikanischer Soldaten. Ihre Mission? Um Angst unter dem Nazi-Oberkommando zu verbreiten. Sie skalpieren Feinde. Sie hinterlassen Visitenkarten. Sie halten sich nicht an die Regeln. Weil die Regeln sie getötet haben.

Der Film teilt seinen Fokus. Eine Hälfte folgt Shosannas ruhigem, erschreckendem Aufbau. Der andere verfolgt den brutalen Feldzug der Basterds. Bei der Premiere eines deutschen Propagandafilms prallen diese beiden Fäden aufeinander. Die Einstellung? Ein volles Theater. Das Publikum? Spitzenbeamte der Nazis. Einschließlich Joseph Goebbels. Und Hitler selbst.

Tarantino behandelt Dialoge wie eine Waffe. Allein die Eröffnungsszene – ein Gespräch zwischen einem deutschen Kapitän und einer französischen Familie in einem Bauernhaus – birgt mehr Spannung als die meisten Actionsequenzen. Sie achten nicht auf Explosionen. Sie achten auf den Schnappschuss. Der Moment, in dem alles schief geht.

Colin Firth stiehlt jede Szene, in der er auftritt. Als Col. Hans Landa, der „Judenjäger“, ist er charmant, höflich und absolut monströs. Er schreit nicht. Er lächelt. Er stellt Fragen. Und das macht ihn furchterregend. Sie wollen, dass er einen Fehler macht. Denn wenn er es tut, ist die Auszahlung viszeral.

Der Höhepunkt des Films ist pures Kino. Ein Raum voller Nitratfilm. Ein brennendes Streichholz. Ein mit Feuer und Blut neu geschriebenes Geschichtsbuch. Es ist umstritten. Es ist stilisiert. Es ist unbestreitbar effektiv.

• Genre: Krieg / Thriller
• IMDb: 8.3
• Jahr: 2009
• Regisseur: Quentin Tarantino
• Hauptdarsteller: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Diane Kruger, Michael Fassbender

Manche nennen es revisionistische Geschichte. Andere nennen es Befreiungsphantasie. In jedem Fall ist es eine Erinnerung daran, dass Tarantino keine Filme macht, um Sie zu trösten. Er lässt sie dich erschüttern. Und Inglourious Basterds zittert heftig.

Wo ziehen wir die Grenze zwischen Unterhaltung und historischem Respekt? Vielleicht gibt es keinen. Vielleicht ist das der Punkt.

Die seltsame, wilde Welt der Ozploitation

„Not Quite Hollywood“ ist nicht nur eine Dokumentation. Es ist ein tiefer Einblick in die bizarre Ära, als das australische Kino beschloss, nicht mehr nett zu spielen. Der Begriff Ozploitation klingt akademisch. Das ist es nicht. Es ist der düstere, oft schockierende Low-Budget-Genre-Boom der 1970er Jahre, der die Welt dazu brachte, nach Australien zu blicken und zu sagen: Moment, was?

Der Film lüftet den Vorhang auf eine Zeit, in der die Regisseure fast ohne Budget und mit maximalem Chaos agierten. Sie sehen, dass Filme wie The Last Wave oder Mad Max nicht einfach so entstanden sind. Es waren Überlebensgeschichten. Die Studios waren pleite. Talent war verzweifelt. Es gab keine Regeln.

Es erklärt, warum die australische Filmgeschichte im Vergleich zum Hollywood-Glanz einen so ausgeprägten, rauen Geschmack hat. Hier ging es nicht um Handwerk. Es ging um Lärm. Blut. Und die Kamera in Gang bringen, bevor das Geld ausgeht. Ein faszinierender Blick auf einen filmischen Moment, der so wild war wie seine Motive.

Das Double-Feature, das es nie gab

Quentin Tarantino liebt ein Grindhouse. Er baute seine gesamte Karriere auf der Ästhetik auf. Als er also endlich einen machen durfte, drehte er nicht nur einen Film. Er hat zwei gemacht. Grindhouse ist kein Film. Es ist ein Ereignis. Ein chaotisches, lautes, absichtliches Durcheinander, das sich anfühlt, als hätte man sich 1974 eine VHS-Kassette von einem zwielichtigen Kerl ausgeliehen.

Die Prämisse ist einfach. Zwei gefälschte Trailer. Zwei abendfüllende Filme. Zusammengefügt durch die Erinnerung an Autokinos. Tarantino führt Regie bei „Death Proof“. Rob Zombie führt Regie bei „Planet Terror“. Sie haben auch Anhänger getauscht. Tarantino hat die Parodie für Zombies Science-Fiction-Horror geschrieben. Zombie hat die Parodie für Tarantinos Auto-Massaker-Thriller geschrieben.

Es ist absichtlich chaotisch. Die Kratzer, die Farbverschiebungen, die gefälschten fehlenden Rollen. Alle da, um die Illusion zu verkaufen. Funktioniert es? Für Fans, ja. Es ist ein Liebesbrief an die B-Movie-Ära, den Not Quite Hollywood analysiert hat. Grindhouse ist die praktische Umsetzung dieser Geschichte. Sie bekommen Kurt Russell als Stuntman Mike, einen Psychopathen in einem Muscle-Car. Sie sehen Rose McGowan als Frau mit einem Kettensägenbein. Du bekommst einen Überschuss. Reiner, unverfälschter Überschuss.

Die Laufzeit ist aufgebläht. Das Tempo zieht sich hin. Einige Kritiker hassten es. Sie wollten saubere Schnitte. Sie wollten narrative Kohärenz. Sie haben den Punkt verfehlt. Der Punkt ist der Mut. Der Punkt ist das Gemeinschaftserlebnis. Es ist dazu gedacht, mit Freunden gesehen zu werden, die den Bildschirm anschreien und die Lücken in der Handlung ignorieren, weil die Stuntarbeit cool genug ist, um ihnen zu verzeihen.

IMDb bewertet es mit 7,5. Nicht schlecht für ein Projekt, das sich der traditionellen Struktur widersetzt. Es ist nicht jedermanns Sache. Wenn Sie eine aufgeräumte Geschichte brauchen, schauen Sie sich woanders um. Wenn Sie das Gefühl haben möchten, auf einem klebrigen Theatersitz zu sitzen und etwas Gefährliches zu beobachten, dann ist dies das Richtige für Sie. Es ist der Höhepunkt der Ozploitation- und amerikanischen Ausbeutungsstimmung, die zu einem Wochenende filmischer Gewalt verschmolzen ist.

Die todessichere Falle: Warum Tarantinos Slow-Burn-Thriller anders schlägt

Du denkst, du kennst Quentin Tarantino. Sie erwarten den Dialog. Die Fußfetische. Die plötzliche, spritzerlastige Gewalt. Death Proof wirft in den ersten beiden Akten all das über den Haufen. Es ist eine Falle. Ein langsames, schleichendes Gefühl der Angst, das nichts mit Blut und alles mit Kontrolle zu tun hat.

Dies ist die zweite Hälfte von Grindhouse, dem Doppelfilm aus dem Jahr 2007, den Rodriguez und Tarantino erfunden haben, um sich über das Grindhouse-Erlebnis lustig zu machen und es gleichzeitig zu würdigen. Während Planet Terror eine laute, chaotische Explosion ist, ist Death Proof ein leises Summen vor dem Absturz. Der IMDb-Score liegt bei respektablen 7,0, aber die kulturellen Auswirkungen? Viel höher.

Die Mechanik eines Kill

Stuntman Stuntman. Das ist Kurt Russells Charakter. Oder einfach nur Stuntman. Er braucht keinen Nachnamen, weil Sie sich nur an das Auto erinnern. Der modifizierte Pontiac GTO. Der mit dem verstärkten Käfig. Derjenige, der nicht aufgehalten werden kann.

Der Film funktioniert, weil er geteilt ist. Zwei Gruppen. Frauen hängen rum. Ein Typ, der sie jagt. Es fühlt sich an wie ein Thriller aus den 70ern. Körniges Filmmaterial. Analoger Ton. Keine digitale Raffinesse. Tarantino wollte, dass es so aussieht, als wäre es auf 35 mm gedreht und dann absichtlich schlecht übertragen worden. Die „Grindhouse“-Ästhetik ist nicht nur eine Spielerei. Es ist die Struktur der Angst.

„Das Auto ist die Waffe. Der Fahrer ist nur der Auslöser.“

Warum es die Fans spaltet

Darüber streiten sich die Leute. Schon immer. Ist es sexistisch? Ist es feministisch? Es ist beides. Und auch nicht. Tarantino präsentiert den männlichen Blick und zerlegt ihn dann. Die erste Gruppe von Frauen? Sie werden herausgenommen. Die zweite Gruppe? Sie wehren sich. Sie überlisten ihn. Sie übernehmen das Steuer.

Es ist eine Rachefantasie, getarnt als Slasher. Aber das Grauen ist nicht das Blut. Es ist die lockere Art, wie Stuntman mit ihnen spricht. Der Charme. Die Arroganz. Er denkt, er sei unantastbar. Technisch gesehen ist er das. Sein Auto ist todessicher. Aber Menschen sind es nicht.

Die Besetzung, die es trägt

Rose McGowan war darin großartig. Grindhouse änderte ihre berufliche Laufbahn. Sie brachte eine rohe, chaotische Energie mit, die dem Film Halt gab. Kurt Russell? Er war perfekt. Nicht weil er ein legendärer Actionstar ist, sondern weil er die Rolle mit einem gruseligen, sanften Lächeln spielt. Er brüllt nicht. Er flüstert.

Freddy Rodriguez und Josh Brolin haben Momente, aber das ist nicht ihre Show. Hier geht es um Katz und Maus. Und für die Hälfte der Laufzeit gewinnt die Katze.

Der Double-Feature-Kontext

Ohne Planet Terror kann man Death Proof nicht vollständig erhalten. Sie sind dazu gedacht, gemeinsam angeschaut zu werden. Die gefälschten Anzeigen dazwischen? Das Korn des „verlorenen Films“? Das alles baut eine Welt auf. Eine Welt, in der Filme gefährlich sind. Wo Unterhaltung weh tut.

Tarantino machte keinen Film. Er machte eine Erfahrung. Eine nostalgische, gewalttätige, leicht unangenehme Erfahrung. Und es hat funktioniert. Oder es war nicht so. Hängt davon ab, ob Ihnen die Fahrt gefallen hat. Die meisten Leute haben es nicht kommen sehen.

Death Proof: Das Auto, das niemals abstürzt

Da ist also dieser Typ. Mikrofon. Er nennt sich selbst „The Stuntman“. Oder Dublör im ursprünglichen türkischen Kontext, klar, aber bleiben wir bei dem, was Tarantino uns gegeben hat. Er ist ein Serienmörder mit einem ganz besonderen Trick. Er baut sein Auto auf. Nicht irgendein Auto, sondern eine aufgemotzte Muskelmaschine, die dafür gebaut ist, alles zu überstehen. Verkehrsunfälle? Er geht ohne einen Kratzer davon. Es ist kein Glück. Es ist Ingenieurskunst. Kalte, kalkulierte Technik.

Normalerweise jagt er junge Frauen. Das ist das Muster. Doch dieses Mal wählt er das falsche Ziel. Die Dynamik verschiebt sich. Das Drehbuch dreht sich um. Plötzlich ist es nicht mehr nur ein Katz-und-Maus-Spiel; Es ist eine Falle, die zuschnappt.

Death Proof befindet sich in dieser seltsamen, gewalttätigen Ecke der Filmografie von Quentin Tarantino. Es ist keine Pulp Fiction. Es gibt nicht den gleichen coolen, distanzierten Dialog. Es ist roh. Es ist laut. Es enthält eine hohe Dosis Blut und Gewalt, die sich fast körperlich anfühlt. Du spürst die Wirkung.

• Genre: Drama (mit starken Thriller-/Action-Elementen)
• IMDb: 7.0
• Jahr: 2007
• Regisseur: Quentin Tarantino
• Besetzung: Kurt Russell, Rosario Dawson, Zoë Bell

Russell ist erschreckend. Nicht weil er schreit, sondern weil er es nicht tut. Er ist ruhig. Er ist professionell. Es ist eine Leistung, die einen erschüttert.

Z Channel: A Magnificent Obsession (2004) – IMDb: 7,7

Jetzt schwenken. Hart links.

Vergiss das Blut. Vergessen Sie die Muscle-Cars. Wir gehen nach Los Angeles, aber nicht nach Hollywood. Wir begeben uns in die seltsame Underground-TV-Szene der 1970er und 80er Jahre.

Z Channel war ein Kabelsender. Nicht für die Massen. Für die Cineasten. Die Ausgestoßenen. Die Leute, die Kunstfilme, ausländische Dramen und obskure Klassiker sehen wollten, die sonst niemanden interessierten.

In der Dokumentation Z Channel: A Magnificent Obsession geht es nicht nur um Filme. Es geht um Tom Lutz. Ein schwuler Mann, der einen Sender in einer Stadt leitet, der nicht so recht wusste, was er mit ihm anfangen sollte. Oder mit den Filmen, die er liebte. Er kuratierte mit Leidenschaft. Mit Besessenheit. Er nahm Regisseure wie Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Antonioni und Andrei Tarkovsky auf. Er gab ihnen ein Zuhause, als das amerikanische Fernsehen sie ignorierte.

Der Film ist ein Liebesbrief an die Kuration. Auf die Idee, dass sich irgendjemand irgendwo tatsächlich dafür interessiert, was Sie sehen. Es geht weniger um die Sterne als vielmehr um das System. Die Bürokratie. Der Kampf, die Kunst in einer kommerziellen Landschaft am Leben zu erhalten.

Es ist ruhig. Es ist nachdenklich. Ein starker Kontrast zu Death Proof. Aber bei beiden geht es um Kontrolle. Tarantino kontrolliert die Gewalt. Lutz steuerte den Bildschirm.

Kill Bill: Vol. 1 (2003) – Der rote Teppich der Rache

Du kennst das Kleid. Du hast den Kampf gesehen. Sie haben wahrscheinlich schon einmal versucht, das Fußstampfen in Ihrer Küche nachzubilden, und sind kläglich gescheitert.

Quentin Tarantinos erster Band seiner zweiteiligen Rache-Saga ist nicht nur ein Film. Es ist ein kultureller Reset-Knopf. Kill Bill: Vol. wurde 2003 veröffentlicht. 1 führt die Braut – gespielt mit tödlicher Anmut von Uma Thurman – auf einen Weg der Zerstörung, der sich weniger wie eine Erzählung, sondern eher wie ein mit Blut und Gelb gemalter Fiebertraum anfühlt.

Warum trifft dieser anders?

Es ist die Genreüberschreitung. Tarantino bezieht sich nicht nur auf Martial-Arts-Filme oder Spaghetti-Western. Er verschlingt sie. Er spuckt sie als etwas völlig Neues aus. Die Partitur, mit freundlicher Genehmigung von Ryuichi Sakamoto und anderen, schwillt vor opernhaftem Drama an, während Thurmans Charakter seine Gegner mit einem Katana, das unter der Linse glänzt, auseinandernimmt.

Der IMDb-Score des Films liegt bei soliden 8,1, ein Beweis dafür, wie gut er gealtert ist. Es ist laut. Es ist gewalttätig. Es ist so stilvoll, dass man es sich zweimal ansehen muss.

Die Besetzung ist gestapelt, aber die Chemie ist es, die sie trägt. David Carradine als Bill bringt eine gruselige Ruhe in das Chaos. Daryl Hannah als Elle Driver ist wohl der beste Bösewicht im modernen Kino – psychopathisch, kleinlich und unvergesslich. Und vergessen wir nicht die Eröffnungssequenz in O-Ren Ishiis Wohnung. Es ist eine Meisterklasse voller Spannung, Stille und plötzlicher, explosiver Action.

Einige Kritiker nannten es übertrieben. Sie hatten Recht. Es soll sein.

„Es geht nicht nur ums Töten. Es geht um die Kunst des Tötens.“

Das ist die Stimmung. Tarantino behandelt die Schwertkämpfe wie Ballettaufführungen. Jeder Streik hat einen Zweck. Jeder Block ist ein Gespräch.

Wenn Sie auf der Suche nach Realismus sind, schauen Sie sich einen Nachrichtenclip an. Wenn Sie möchten, dass ein Kino zum Leben erweckt wird, das sich wie ein Comic anfühlt, dann ist dies das Richtige für Sie.

Die Fortsetzung existiert, ja. Aber Vol. 1? Es ist der Haken. Derjenige, der das Publikum in seinen Bann zog und nicht mehr losließ.

Jackie Brown (1997) – IMDb: 7,5

Nicht alles, was Tarantino anfasst, wird zu einem neongetränkten Blutbad. Manchmal schaut er den Leuten einfach beim Reden zu. „Jackie Brown“ ist der seltene Moment, in dem die Dialogbesessenheit des Regisseurs seine Liebe zu Verfolgungsjagden und Macheten überholt. Der 1997 erschienene Film hebt sich vom Rest seiner Filmografie ab. Es ist geerdet. Es ist langsam. Und für viele ist es das Erwachsenste, was er je getan hat.

Der Film handelt von Jackie Brown, einer Flugbegleiterin, gespielt von Pam Grier mit müder Anmut. Sie schmuggelt Geld für ihren Revolverhelden-Boss Ordell Robbie, gespielt von Samuel L. Jackson. Aber sie tut es nicht des Nervenkitzels wegen. Sie tut es, um zu überleben. Nach einer chaotischen Scheidung und einem schwindenden Bankkonto ein Leben aufbauen. Es geht nicht um das Schicksal der Welt. Sie gehören einfach ihr.

„Ich wollte einfach die Art von Person sein, die auf sich selbst aufpassen kann.“

Diese Zeile bringt es auf den Punkt. Der Film respektiert Jackies Alter. Es respektiert ihre Müdigkeit. Im Gegensatz zu den hyperstilisierten Helden in Kill Bill oder Pulp Fiction versucht Jackie nur, sich in einem System zurechtzufinden, das sie benutzen will. Der FBI-Agent Ray Nico und der ATF-Agent Max Cherry wollen beide ihre Zusammenarbeit. Ordell will ihre Loyalität. Sie will raus.

Das Tempo ist bewusst. Szenen bleiben. Du siehst zu, wie Leute rauchen. Du siehst ihnen beim Kaffeetrinken zu. Es fühlt sich echt an. Der Soundtrack mit einer großen Portion Curtis Mayfield fügt eine Seelenebene hinzu, die in seinen anderen Werken fehlt. Es handelt sich nicht nur um Hintergrundgeräusche. Es ist der emotionale Kern.

Der Auftritt von Pam Grier ist der Anker. Sie trägt den Film, ohne schreien oder kämpfen zu müssen. Ihre stille Entschlossenheit ist stärker als jeder Schwertkampf. Samuel L. Jackson bringt sein übliches Charisma zu Ordell und verleiht dem Bösewicht in seinem Selbstvertrauen fast Sympathie. Robert Forster bringt als alternder Gesetzeshüter Max Cherry eine sanfte Würde mit, die in scharfem Kontrast zur kriminellen Unterwelt steht.

Wenn Tarantino „Kill Bill“ schreit, flüstert er „Jackie Brown“. Es beweist, dass er mit Nuancen umgehen kann. Es zeigt, dass Spannung nicht immer Blut braucht, um zu wirken. Manchmal braucht es nur eine Frau, die versucht, ihren nächsten Schritt herauszufinden, während die Welt immer näher rückt.

11. From Dusk Till Dawn (1996) – IMDb: 7.2

Tarantino hat in einer Reihe von Filmen mit Jackie Brown gespielt, die sich um die 90er-Jahre gekümmert haben. Pam Grier, Samuel L. Jackson und Robert De Niro, gaben in ihren Auftritten eine halbe Million Dollar für die Aufführung ihrer Lieder, die sich auf die Bühne geworfen haben, und ein dramatisches Drama, mit dem sie sich die Mühe gemacht haben. IMDb hat 7.5 veröffentlicht, als Jackie Brown von den beiden Künstlern Robert Rodriguez und Quentin Tarantino gehört hat.

Es handelt sich um den Titel „From Dusk Till Dawn“: From Dusk Till Dawn.

Der Film aus dem Jahr 1996 ist ein echter Klassiker, der nicht mehr zu sehen ist. Seine Freunde, Seth und Richard Gecko, haben sich über Meksikas zweites Leben gefreut. Sie müssen sich keine Gedanken darüber machen, ob Sie sich auf die Suche nach einem neuen Gerät machen müssen. Basittir planen. Hızlıdır. Das ist nicht alles, was Sie brauchen, um ein dramatisches Erlebnis zu haben. Samuel L. Jackson und Harvey Keitel waren beide Schauspieler, brisante Filme.

Ama sonra gece çöker.

Ve film, aniden tür değiştirir. Bordelenin kapilarırılır und içinde yılanlar, kan ve vampirler vardır. Evet, yanlış duymadınız. Dieser Film ist ein echter Vampir. Aber es ist so, dass der Kinofilm und die Cesaretli-Hamlelerinden-Bühne laufen. İzleyici şaşkındır. Es war nicht einfach, ein Drama zu spielen, aber es war ein Vampir, der sich um ihn gekümmert hatte.

Robert Rodriguez war in den 1990er-Jahren bekannt, und Quentin Tarantino war seit 1998 ein berühmter Pop-Star. Film, IMDb’de 7.2, wurde vor Kurzem veröffentlicht und zum Zeitpunkt der Verabschiedung veröffentlicht.

Was ist mit der Zeit passiert? Çünkü Film, Kendi Kurallarını oder ein Uydurur. İnanılmaz derecede şiddetli, kanlı ve aynı zamanda komiktir. Tarantino sagte, Rodriguez habe sich nicht um ihn gekümmert.

Filmdeki-Charaktere, die Ihnen dabei helfen, sich zurechtzufinden. Rehin alınan aile, başlangıçta masum kurbanlar gibi görünür. Ama gidildikçe, her birinin kendi acıları, kendi savaşları vardır. Die Schauspielerin Juliette Lewis ist eine kanadische Schauspielerin, die in der letzten Woche gedreht hat

Vier Räume (1995) – IMDb: 6.8

Das Genre verschiebt sich. Hart.

Statt eines Regisseurs bekommen Sie vier. Four Rooms ist eine Anthologie. Eine Nacht in einem schicken Hotel. Ein Hotelpage namens Jimmy, gespielt von Tim Roth, will einfach nur bis zum Sonnenaufgang überleben. Er muss vier verschiedene Aufgaben für vier verschiedene Gäste erledigen. Jedes Segment wird von einem Heavy Hitter geleitet. Quentin Tarantino. Robert Rodriguez. Allison Anders. Alex Rockwell.

Es ist chaotisch. Es ist chaotisch. Es funktioniert aufgrund des gezeigten Talents.

Im Tarantino-Segment spielt Harvey Keitel einen Gangsterboss, der Jimmy anheuert, um eine gestohlene Halskette zurückzuholen. Der Rodriguez-Teil? Pures Chaos. Ein Raum voller Sprengstoff und ein sehr verwirrter Hotelpage. Es ist From Dusk Till Dawn -Energie ohne die Vampire. Die anderen beiden Abschnitte sind ruhiger, düsterer, aber immer noch vollgepackt mit dem Indie-Geist der 90er Jahre.

Warum es ansehen? Weil Sie Tarantino und Rodriguez im selben Bild sehen möchten, auch wenn sie den Bildschirm nicht teilen. Es ist eine Zeitkapsel. Eine seltsame, wundervolle Zeitkapsel.

Wichtige Fakten:

• Tür: Kurgu, Komedi, Suç

• IMDb: 6.8

• Jahr: 1995

• Mitglieder: Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Allison Anders, Alex Rockwell

• Oyuncular: Tim Roth, Quentin Tarantino, Harvey Keitel, Bruce Willis

Es ist kein perfekter Film. Einige Segmente ziehen. Andere fühlen sich gehetzt. Aber das ist der Punkt. Es ist eine Sammlung von Skizzen. Eine Party, die zu lange dauert. Sie verlassen das Hotel mit dem Gefühl, dort gewesen zu sein. Betrunken von Kreativität.

Desperado (1995) – IMDb: 7.2

Robert Rodriguez ist in Four Rooms‘ und seiner Familie zu Gast, ein Film, der mit einer ikonischen Darstellung und vielen weiteren Charakteren ausgestattet ist. Verzweifelt *. 1995. Tarantino’s nun kaleminden senaryo. Antonio Banderas, El Mariachi’nin torbasından çıkıp dünya çapına yayılan bir efsaneye dönüştü.

Ist die Gitarre nicht schön? Mükemmel. Meksika’nının güneyindeki sakin kasaba atmosferi, şiddetin patlama anına dek gerilimi tırmandırıyor. Banderas, bu sefer sadece bir müzisyen değil, intikam almış, dünyadan kopmuş bir kabadayı. Jumanji’nin yaratıcısı Bruce Willis ile karşı karşıya.

„Zamanın gelişini duyabilirsin. Ve işte geldi.“

Aber jetzt ist der Film wieder da. Aksiyon sahneleri, özellikle hotel katının tamamının tek bir çekimle taranması, o dönemin teknik sınırlarını zorladı. Rodriguez’ın düşük bütçeli ama yüksek stil vizyonu burada zirve yapıyor.

• Tür: Aksiyon, Macera
• IMDb: 7.2
• Jahr: 1995
• Yönetmen: Robert Rodriguez
• Senator: Quentin Tarantino
• Oyuncular: Antonio Banderas, Salma Hayek, Joaquim de Almeida, Steve Buscemi, Peter Marc Parent, Michael Parks, Victor Rivero, John Finn, Ernest Guzman, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Marlene Taylor

Pulp Fiction: Der Film, der alle Regeln brach

Dann kommt der Heavy Hitter. Der Film, der nicht nur das Kino veränderte, sondern auch das Gehirn einer ganzen Generation neu vernetzte.

Pulp Fiction landet mit einem IMDb-Score von 8,9. Es ist nicht nur eine hohe Zahl. Es ist ein kultureller Reset.

Regie führte hier Quentin Tarantino. Er hat es auch geschrieben. Und er ist nicht auf Nummer sicher gegangen. Er nahm das Krimi-Genre, zerschmetterte es in Stücke und setzte es auf eine Weise wieder zusammen, mit der niemand gerechnet hatte. Die Erzählung ist nicht linear. Es springt herum. Die Zeit verbiegt sich. Man denkt, man wüsste, was passiert, und dann wechselt die Szene zu einer anderen Stelle, zu jemand anderem, und plötzlich ergibt der vorherige Moment mehr Sinn. Oder weniger.

Die Besetzung ist nicht ohne Grund legendär. John Travolta hat sich hier neu erfunden. Er war nicht mehr nur ein Disco-Star; Er war Vincent Vega, cool, distanziert und trug eine Aktentasche, die jeder haben wollte. Samuel L. Jackson spielt Jules Winnfield, einen Killer mit einem Bibelvers für jeden Anlass. Ihre Chemie? Elektrisch.

Dann ist da noch Uma Thurman als Mia Wallace. Sie bringt den Glamour, die Gefahr und die Überdosisszene mit sich, die den Menschen immer noch Angst macht. Bruce Willis schlüpft in die Rolle von Butch Coolidge, einem Boxer, der beschließt, sich aus dem Spiel zurückzuziehen und die Nacht zu überleben.

Es ist gewalttätig. Es ist lustig. Es ist zutiefst philosophisch über Erlösung und Karma, eingebettet in Dialoge, die sich anfühlen, als würden echte Menschen reden, nur intelligenter und stilisierter.

• Tür: Gerilim, Suç, Drama

• IMDb: 8.9

• Jahr: 1994

• Yönetmen: Quentin Tarantino

• Oyuncular: John Travolta, Uma Thurman, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Tim Roth, Ving Rhames, Harve Weinstein

Die Wirkung war unmittelbar. Indie-Filme wurden gefördert. Der Dialog wurde König. Und der Soundtrack? Ikonisch. Surfrock trifft auf Soul. Es begleitete nicht nur den Film; es hat es definiert.

Man kann es sich zehnmal ansehen. Du wirst immer noch etwas Neues entdecken. Ein Blick. Eine Dialoglinie. Ein Hinweis auf einen Burger, den es nicht gibt.

Es ist nicht perfekt. Manche finden die Gewalt übertrieben. Andere meinen, der Dialog ziehe sich in die Länge. Aber das ist der Punkt. Es ist laut. Es ist chaotisch. Es ist lebendig.

Und ja, es hat Harve Weinstein zu einem wichtigen Akteur in Hollywood gemacht, im Guten wie im Schlechten. Die Branche hat sich über Nacht verändert. Jeder wollte einen „Tarantino“. Die meisten scheiterten. Dieses hier? Es steht allein.

Reservoir Dogs: Der Film, mit dem alles begann

Man kann nicht über Tarantino sprechen, ohne den Funken zu erkennen. Pulp Fiction machte ihn zweifellos zu einer globalen Ikone. Es hat die Marke gefestigt. Aber Reservoir Dogs war der Blitzschlag. In dem Moment, in dem die Welt verschwand: Moment, wer ist dieser Typ?

Der im 1992 erschienene Film ist mehr als nur ein Raubüberfallfilm. Es ist ein Schnellkochtopf. Ein Raum voller Krimineller, die sich nicht kennen und auf einen Job warten, der schief geht. Und es bleibt dort. Fast vollständig.

• Genre: Krimi, Thriller
• IMDb: 8.3
• Jahr: 1992
• Regisseur: Quentin Tarantino
• Hauptakteure: Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen

Die Brillanz? Die Wirtschaft. Geringes Budget. Ein Hauptstandort. Die Spannung entsteht durch den Dialog, scharf wie Glasscherben. Tarantino hat bewiesen, dass man keine Explosionen braucht, um den Blick auf den Bildschirm zu richten. Man brauchte einfach Charaktere mit Geheimnissen und einer Stimme, die nicht den Mund hielt.

Es hat die Vorlage vorgegeben. Das nichtlineare Geschichtenerzählen, die Bezüge zur Popkultur, die plötzliche Gewalt. Alles geht auf dieses Lagerhaus zurück. Vor den sich kreuzenden Pfaden und Tanzpausen von Pulp Fiction gab es nur den weißen Raum und den Schmerz.

Welches trifft härter? Die geschliffene Prahlerei späterer Filme oder die rohe, klaustrophobische Panik dieses Debüts? Die meisten Fans meinen, das Debüt habe mehr Seele. Es ist unraffiniert. Gefährlich.

„Ich gebe kein Trinkgeld, weil die Gesellschaft es vorschreibt. Alles klar? Alles klar!“

Diese Zeile? Es ist die These. Das sind keine charmanten Gangster. Sie sind gebrochene Männer an einem schlechten Ort. Der Film fordert Sie auf, dabei zuzusehen, wie sie sich entwirren. Und das tust du. Weil es überzeugend ist. Nicht weil es gut ist. Weil es real ist, auf seine eigene verdrehte Art und Weise.

Das Vermächtnis ist nicht nur die Kinokasse. Es ist der Wandel im unabhängigen Kino. Der Nachweis der Vision eines Regisseurs könnte Vorrang vor den Vorgaben des Studios haben. Reservoir Dogs haben nicht nur eine Karriere begonnen. Es hat die Spielregeln geändert. Und Tarantino? Er blickte nie zurück. Ich habe einfach weiter tiefer in die Unterwelt gegraben. Wir fragen uns, was als nächstes kommt. Oder vielleicht erinnere ich mich einfach daran, wie es begann.

Warum Reservoir Dogs immer noch hält

Der Diamantenraub ist ein Chaos. Der Plan scheitert sofort. Jetzt besteht die Crew nur noch aus einem Haufen Kerle in einem Lagerhaus, die schwitzen, sich über die Schulter schauen und sich fragen, wer von ihnen einen Draht trägt. Niemand weiß, wer der Polizist ist. Diese Paranoia? Es ist der Motor des gesamten Films.

Quentin Tarantinos Debütfilm „Reservoir Dogs“ war nicht nur der Beginn einer Karriere. Es veränderte die Art und Weise, wie die Menschen Anfang der 90er Jahre über unabhängiges Kino dachten. Es wurde 1992 veröffentlicht und ist ein spannendes, klaustrophobisches Drama, das mehr auf Dialoge und Spannung setzt als auf Actionsequenzen mit großem Budget. Man braucht keine Explosionen, um die Hitze zu spüren. Sie brauchen nur Harvey Keitel, Tim Roth und Michael Madsen, die in einem Raum stehen und sich weigern, einander zu vertrauen.

Tür: Dram, Aksiyon

IMDb: 8.3

Jahr: 1992

Yönetmen: Quentin Tarantino

Oyuncular: Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen

Es ist seltsam, wie viel Gewicht diese Namen jetzt haben. Damals waren sie nur Schauspieler in einem Low-Budget-Film. Heute hat Reservoir Dogs eine IMDb -Bewertung von 8,3. Das ist nicht nur gut. Das ist ein legendärer Status. Der Film beweist, dass man einen Actionfilm machen kann, ohne die Action zu zeigen. Die Spannung lebt in den Pausen. In der Art und Weise, wie Mr. White (Keitel) Mr. Orange (Roth) ansieht. In der reinen Panik, als Mr. Pink (Madsen) seinen Anteil fordert.

Tarantino gibt hier die Regeln vor. Das nichtlineare Geschichtenerzählen. Die Anspielungen auf die Popkultur sind in düstere Kriminalgespräche eingewoben. Die Gewalt, die sich eher plötzlich und brutal anfühlt als choreografiert. Es ist eine Blaupause. Aber es ist auch einfach eine wirklich wirkungsvolle Geschichte über Verrat.

Warum reden wir also immer noch darüber? Denn die Frage lautet nicht nur: „Wer ist der Polizist?“ Es ist „Wem kann man vertrauen?“ Und in diesem Raum lautet die Antwort: Niemand.