La classifica definitiva dei film di Quentin Tarantino (punteggi IMDb)

Conosci l’atmosfera. I massaggi ai piedi. La violenza improvvisa. Il dialogo che si ripete e gira finché non si spezza. Quentin Tarantino non si limita a realizzare film, cura esperienze e se hai prestato attenzione al cinema negli ultimi tre decenni, sai che le sue impronte digitali sono ovunque. Ma quali hanno effettivamente colpito? Non stiamo guardando critici che odiano il sangue o fan a cui piacciono semplicemente i poster. Stiamo guardando la folla. Le persone. IMDb.

Questa è una ripartizione di 15 film associati al marchio Tarantino, classificati in base ai punteggi degli utenti. Non è sempre quello che ti aspetti. Alcuni sono capolavori. Alcune sono curiosità. Tutti contano.

1. C’era una volta a… Hollywood (2019) – IMDb: 8.2

È il suo swing più recente ed è atterrato con un tonfo pesante. Questo non è il classico film di vendetta. È una lettera d’amore a una Hollywood che stava bruciando, raccontata attraverso gli occhi di un cowboy televisivo in via di estinzione, Rick Dalton, e della sua controfigura, Cliff Booth. Leonardo DiCaprio e Brad Pitt hanno il peso qui, ma la vera star è l’ambientazione. 1969 Los Angeles. La striscia del tramonto. L’atmosfera è abbastanza densa da poter essere tagliata con un coltello.

Tarantino gioca con la storia qui, riscrivendo gli omicidi della famiglia Manson in un modo che sembra allo stesso tempo catartico e profondamente non-Tarantino nella sua moderazione. Il ritmo? Lento. Deliberare. Guardi Rick andare in giro in una decappottabile, ascoltando annunci radiofonici, e capisci. Si tratta della fine di un’era. Il punteggio IMDb di 8,2 riflette un pubblico diviso. Alcuni amavano la nostalgia. Altri volevano più azione. Ma non si può negare l’artigianalità.

“Non credo che tu capisca con chi hai a che fare. Sono l’uomo che ha ucciso la carriera di Clint Eastwood.”

Quella frase riassume la tensione del film. Si tratta di eredità. Chi verrà ricordato? L’elenco continua, ma questo pone le basi per ciò che è accaduto prima. Cosa caratterizza un film di Tarantino? Non solo il sangue. Il ritmo. Le scelte musicali. Nel modo in cui una conversazione può essere più pericolosa di uno scontro a fuoco.

2. Gli otto odiosi (2015) – IMDb: 7,8

Sette sconosciuti. Una bufera di neve. Una cabina. È un western intrappolato in una bottiglia e Tarantino ha chiuso il coperchio. Girato in 70mm, le immagini sono sconcertanti. Il sound design è opprimente. Senti il ​​freddo. Kurt Russell guida un cast che include Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh e Tim Roth, i quali si stanno chiaramente divertendo tantissimo.

Ma ecco il punto su The Hateful Eight. È una commedia. Un dramma da camera. La tensione aumenta perché non c’è nessun posto dove andare. Il mistero si svela attraverso il dialogo, non attraverso gli inseguimenti. Il punteggio IMDb di 7,8 suggerisce che ci siano divisioni. Alcune persone odiano la combustione lenta. Altri lo trovano emozionante. La svolta? Non te lo aspetti, e quando colpisce, cambia tutto ciò che pensavi di sapere sui personaggi. È brutale. È divertente. È Tarantino nella sua forma più teatrale.

**3.

The Hateful Eight: un pezzo da camera con le pistole

Tarantino non fa silenzio. Mai.

The Hateful Eight è meno un western e più un thriller in una stanza chiusa avvolto in pellicce e paranoia. Ambientato nel Wyoming del 1877, otto sconosciuti si riuniscono nella Merceria di Minnie per sfuggire a una bufera di neve. Pensano di essere al sicuro. Non lo sono.

La trama si intreccia duramente. I tradimenti si accumulano come legna da ardere. IMDb: 7,8 sembra generoso per alcuni, ma la tensione è reale. Aspetti lo sparo. Viene. Poi un altro.

Kurt Russell, Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh. Il cast mastica lo scenario e lo risputa con veleno. È rumoroso. È cruento. È puro Tarantino.

Django Unchained (2012) – IMDb: 8.4

Tarantino non fa solo film. Costruisce mondi, poi li infiamma con il dialogo. Django Unchained è uno stile puro e genuino che incontra una storia brutale. È il 1858. Il Sud anteguerra. Una terra di campi di cotone e di catene.

Samuel L. Jackson interpreta Django. È un ex schiavo. Acquistato da un cacciatore di taglie tedesco, il dottor King Schultz, interpretato da Christoph Waltz. Schultz ha bisogno che Django trovi i suoi fratelli. Django ha bisogno di libertà. Un semplice mestiere. Fino a quando non lo è più.

Il film è una fantasia di vendetta. Uno spaghetti western ambientato nel sud degli Stati Uniti. È rumoroso. È cruento. È divertente in un modo oscuro e contorto. Waltz ha vinto un Oscar per questo. È affascinante come un mostro. O un mostro affascinante. Difficile dirlo con Tarantino.

Leonardo DiCaprio interpreta Calvin Candie. Proprietario della piantagione di Sugarland. È educato. È terrificante. La scena in cui offre Mint Julep a Django mentre discute della proprietà degli schiavi? Agghiacciante. DiCaprio ruba ogni fotogramma in cui si trova.

Kerry Washington è Broomhilda. La moglie di Django. Il nome deriva da Capanna dello zio Tom. Tarantino ama i riferimenti letterari. Anche lui ama sovvertirli.

La fotografia di Robert Richardson è stupenda. Colori vivaci. Contrasti netti. Neve, sangue, vestiti rossi. Sembra un dipinto che prende vita. Un dipinto violento.

Il punteggio di IMDb è 8,4. È alto. Davvero alto per un film di Tarantino. Alcuni dicono che sia il suo migliore. Altri dicono Pulp Fiction. Scegli il tuo veleno.

• Tür: Western, Drammatico
• IMDb: 8.4
• Yıl: 2012
• Yönetmen: Quentin Tarantino
• Oyuncular: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington

È un film lungo. Due ore e 45 minuti. Trascina? No. Respira. La tensione aumenta. Aspetti l’esplosione. Viene. Violento. Soddisfacente.

“Mi piace il modo in cui muore.”

Quella riga lo riassume. Riguarda il potere. Chi ce l’ha. Chi se lo riprende. Django se lo riprende. Con una pistola. E un sorriso.

La colonna sonora di RZA è intrisa di hip-hop. Anima del sud. Si adatta all’epoca ma sembra moderno. Tarantino fa sempre così. Unisce i generi. Infrange le regole.

Ha scatenato dibattiti. Razzismo. Violenza. Accuratezza storica. I critici hanno sostenuto che fosse troppo grafico. I fan hanno detto che era necessario. È Tarantino. Non gli importa del tuo conforto. Gli importa della storia.

Django Unchained non è solo un western. È una decostruzione del western. Prende i cliché del genere e li capovolge. L’eroe è nero. Il cattivo è il proprietario di una piantagione. Il cacciatore di taglie è un europeo. Capovolge la sceneggiatura.

Regge? SÌ. Le performance sono stellari. Foxx è stoico. Potente. Il valzer è elegante. DiCaprio è sinistro. La chimica è elettrica.

Se tu

Perché Bastardi senza gloria rimane un masterclass di tensione e storia alternativa

Pensi di conoscere i film di guerra? Ripensaci. Quentin Tarantino non si limita a riscrivere la storia. Lo dà fuoco.

Bastardi senza gloria non è solo un film. È una pentola a pressione. Pubblicato nel 2009, questo thriller con una storia alternativa ribalta la sceneggiatura della Seconda Guerra Mondiale. Nessun discorso solenne. Nessun eroismo igienizzato. Solo sangue, sudore e una trama avvincente che ti tiene con il fiato sospeso per quasi due ore e mezza.

La premessa è semplice ma esplosiva. Germania nazista. L’anno è il 1944. La proprietaria di un cinema ebrea di nome Shosanna Dreyfus sopravvive all’Olocausto. Si nasconde a Parigi. Si costruisce una nuova vita sotto pseudonimo. Gestisce un cinema. E lei ha un piano. Un piano terribile e bellissimo per bruciare il Terzo Reich, letteralmente.

Poi c’è il tenente Aldo Raine. Interpretato da Brad Pitt con un sorrisetto che potrebbe tagliare il vetro. Guida i “Bastardi”. Una squadra disordinata di soldati ebrei-americani. La loro missione? Per diffondere la paura tra l’alto comando nazista. Scalpeggiano i nemici. Lasciano biglietti da visita. Non rispettano le regole. Perché le regole li hanno fatti uccidere.

Il film divide il suo focus. Una metà segue la fase silenziosa e terrificante di Shosanna. L’altro segue la brutale campagna dei Bastardi. Questi due fili si scontrano alla première di un film di propaganda tedesco. L’ambientazione? Un teatro gremito. Il pubblico? Alti funzionari nazisti. Compreso Joseph Goebbels. E lo stesso Hitler.

Tarantino tratta il dialogo come un’arma. La sola scena iniziale – una conversazione in una fattoria tra un capitano tedesco e una famiglia francese – contiene più tensione della maggior parte delle sequenze d’azione. Non stai guardando le esplosioni. Stai aspettando lo scatto. Nel momento in cui tutto va storto.

Colin Firth ruba ogni scena in cui si trova. Nei panni del colonnello Hans Landa, il “cacciatore di ebrei”, è affascinante, educato e assolutamente mostruoso. Non grida. Sorride. Fa domande. Ed è questo che lo rende terrificante. Fai il tifo affinché commetta un errore. Perché quando lo fa, il risultato è viscerale.

Il climax del film è puro cinema. Una stanza piena di pellicola al nitrato. Un fiammifero acceso. Un libro di storia riscritto con fuoco e sangue. È controverso. È stilizzato. È innegabilmente efficace.

• Genere: Guerra/Thriller
• IMDb: 8.3
• Anno: 2009
• Regista: Quentin Tarantino
• Cast chiave: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Diane Kruger, Michael Fassbender

Alcuni la chiamano storia revisionista. Altri la chiamano fantasia di liberazione. In ogni caso, ci ricorda che Tarantino non realizza film per consolarci. Li fa per scuoterti. E Bastardi senza gloria trema forte.

Dove tracciamo il confine tra intrattenimento e rispetto storico? Forse non ce n’è uno. Forse è questo il punto.

Il mondo strano e selvaggio di Ozploitation

Not Quite Hollywood non è solo un documentario. È un tuffo nel profondo dell’era bizzarra in cui il cinema australiano decise di smettere di comportarsi bene. Il termine Ozploitation suona accademico. Non lo è. È stato il boom di generi crudi, a basso budget e spesso scioccanti degli anni ’70 che ha portato il mondo a guardare l’Australia e dire aspetta, cosa?

Il film alza il sipario su un periodo in cui i registi operavano con un budget quasi pari a zero e il massimo caos. Vedi come film come The Last Wave o Mad Max non sono accaduti per caso. Erano storie di sopravvivenza. Gli studi erano al verde. Il talento era disperato. Le regole erano inesistenti.

Spiega perché la storia del cinema australiano ha un sapore così distinto e spigoloso rispetto alla lucentezza di Hollywood. Non si trattava di mestiere. Si trattava di rumore. Sangue. E far girare la telecamera prima che finissero i soldi. Uno sguardo affascinante su un momento cinematografico selvaggio quanto i suoi soggetti.

La doppia funzionalità che non è mai esistita

Quentin Tarantino adora i macinini. Ha costruito tutta la sua carriera sull’estetica di esso. Quindi, quando finalmente è riuscito a realizzarne uno, non si è limitato a realizzare un film. Ne ha fatti due. Grindhouse non è un film. È un evento. Un pasticcio disordinato, rumoroso e deliberato progettato per farti sentire come se avessi noleggiato un nastro VHS da un ragazzo losco nel 1974.

La premessa è semplice. Due trailer falsi. Due lungometraggi. Uno cucito insieme dalla memoria dei drive-in. Tarantino dirige A prova di morte. Rob Zombie dirige Planet Terror. Si sono scambiati anche i trailer. Tarantino ha scritto la parodia dell’horror fantascientifico di Zombie. Zombie ha scritto la parodia del thriller sul massacro automobilistico di Tarantino.

È caotico apposta. I graffi, i cambiamenti di colore, le finte bobine mancanti. Tutti lì per vendere l’illusione. Funziona? Per i fan, sì. È una lettera d’amore all’era dei film di serie B che Not Quite Hollywood ha analizzato. Grindhouse è l’applicazione pratica di quella storia. Ottieni Kurt Russell nei panni dello Stuntman Mike, uno psicopatico in una muscle car. Ottieni Rose McGowan nei panni di una donna con una gamba motosega. Ottieni un eccesso. Eccesso puro e non adulterato.

Il tempo di esecuzione è gonfio. Il ritmo si trascina. Alcuni critici lo odiavano. Volevano tagli netti. Volevano coerenza narrativa. Non hanno colto il punto. Il punto è la grinta. Il punto è l’esperienza comunitaria. È pensato per essere guardato con gli amici, gridando allo schermo, ignorando i buchi della trama perché il lavoro acrobatico è abbastanza bello da perdonarli.

IMDb lo valuta 7,5. Non male per un progetto che sfida la struttura tradizionale. Non è per tutti. Se hai bisogno di una storia ordinata, cerca altrove. Se vuoi sentirti come se fossi seduto su una poltrona appiccicosa di un teatro a guardare qualcosa di pericoloso, è proprio questo. È il culmine delle vibrazioni di Ozploitation e sfruttamento americano fuse in un fine settimana di violenza cinematografica.

La trappola a prova di morte: perché il thriller a lenta combustione di Tarantino ha successo in modo diverso

Pensi di conoscere Quentin Tarantino. Ti aspetti il ​​dialogo. I feticisti del piede. La violenza improvvisa e piena di schizzi. Death Proof butta tutto questo fuori dalla finestra per i primi due atti. È una trappola. Un senso di terrore lento e strisciante che non ha nulla a che fare con il sangue e tutto a che fare con il controllo.

Questa è la seconda metà di Grindhouse, il doppio lungometraggio del 2007 che Rodriguez e Tarantino hanno ideato per deridere l’esperienza grindhouse pur onorandola. Mentre Planet Terror è un’esplosione rumorosa e caotica, Death Proof è un ronzio silenzioso prima dello schianto. Il punteggio di IMDb è di un rispettabile 7.0, ma l’impatto culturale? Molto più in alto.

I meccanismi di un’uccisione

Stuntman Stuntman. Questo è il personaggio di Kurt Russell. O semplicemente Stuntman. Non ha bisogno di un cognome perché ricorderai solo la macchina. La Pontiac GTO modificata. Quello con la gabbia rinforzata. Quello che non può essere fermato.

Il film funziona perché è diviso. Due gruppi. Donne in giro. Un ragazzo che li dà la caccia. Sembra un thriller degli anni ’70. Film granuloso. Suono analogico. Nessuna raffinatezza digitale. Tarantino voleva che sembrasse girato in 35mm, poi trasferito male di proposito. L’estetica “Grindhouse” non è solo un espediente. È la trama della paura.

“L’auto è l’arma. L’autista è solo il grilletto.”

Perché divide i fan

La gente discute su questo. L’ho sempre fatto. È sessista? È femminista? È entrambe le cose. E nemmeno. Tarantino presenta lo sguardo maschile, poi lo smantella. Il primo gruppo di donne? Vengono portati fuori. Il secondo gruppo? Reagiscono. Lo superano in astuzia. Prendono il volante.

È una fantasia di vendetta mascherata da slasher. Ma l’orrore non è il sangue. È il modo casuale in cui Stuntman parla loro. Il fascino. L’arroganza. Pensa di essere intoccabile. Lo è, tecnicamente. La sua macchina è a prova di morte. Ma gli umani no.

Il cast che lo porta avanti

Rose McGowan è stata grandissima in questo. Grindhouse ha cambiato la sua traiettoria di carriera. Ha portato un’energia cruda e disordinata che è alla base del film. Kurt Russell? Era perfetto. Non perché sia ​​una leggendaria star d’azione, ma perché interpreta il ruolo con un sorriso gentile e inquietante. Non ruggisce. Sussurra.

Freddy Rodriguez e Josh Brolin hanno dei momenti, ma questo non è il loro spettacolo. Si tratta del gatto e del topo. E per metà del tempo, il gatto vince.

Il contesto della doppia funzionalità

Non puoi ottenere completamente Death Proof senza Planet Terror. Sono progettati per essere guardati insieme. Le pubblicità false in mezzo? La grana della “pellicola perduta”? Tutto costruisce un mondo. Un mondo in cui i film sono pericolosi. Dove l’intrattenimento fa male.

Tarantino non stava girando un film. Stava facendo un’esperienza. Un’esperienza nostalgica, violenta, un po’ scomoda. E ha funzionato. Oppure no. Dipende se ti è piaciuto il viaggio. La maggior parte delle persone non se lo aspettava.

A prova di morte: l’auto che non si schianta mai

Quindi c’è questo ragazzo. Microfono. Si fa chiamare “The Stuntman”. O Dublör nel contesto turco originale, certo, ma restiamo fedeli a ciò che ci ha dato Tarantino. È un serial killer con un espediente molto specifico. Attrezza la sua macchina. Non un’auto qualsiasi, una macchina muscolare truccata costruita per sopravvivere a qualsiasi cosa. Incidenti stradali? Se ne va senza un graffio. Non è fortuna. È ingegneria. Ingegneria fredda e calcolata.

Di solito dà la caccia alle giovani donne. Questo è lo schema. Ma questa volta sceglie il bersaglio sbagliato. La dinamica cambia. La sceneggiatura si ribalta. All’improvviso, non è solo un gioco del gatto e del topo; è una trappola che si chiude di scatto.

Death Proof si colloca in quell’angolo strano e violento della filmografia di Quentin Tarantino. Non è Pulp Fiction. Non ha lo stesso dialogo freddo e distaccato. È crudo. È rumoroso. Ha un’alta dose di sangue e violenza che sembra quasi fisica. Ne senti l’impatto.

• Genere: Drammatico (con pesanti elementi thriller/azione)
• IMDb: 7.0
• Anno: 2007
• Regista: Quentin Tarantino
• Cast: Kurt Russell, Rosario Dawson, Zoë Bell

Russell è terrificante. Non perché urla, ma perché non lo fa. È calmo. È professionale. È una performance che ti agghiaccia.

Z Channel: Una magnifica ossessione (2004) – IMDb: 7.7

Ora, gira. Difficile a sinistra.

Dimentica il sangue. Dimentica le muscle car. Andremo a Los Angeles, ma non nel modo di Hollywood. Andremo nella strana scena televisiva underground degli anni ’70 e ’80.

Z Channel era una stazione della funivia. Non per le masse. Per i cinefili. Gli emarginati. Le persone che volevano vedere film d’autore, drammi stranieri e classici oscuri che non interessavano a nessun altro.

Il documentario Z Channel: A Magnificent Obsession non riguarda solo i film. Riguarda Tom Lutz. Un uomo gay che gestiva una stazione in una città che non sapeva bene cosa fare con lui. O con i film che amava. Ha curato con passione. Con ossessione. Ha scelto registi come Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Antonioni e Andrei Tarkovsky. Ha dato loro una casa quando la TV americana li ha ignorati.

Il film è una lettera d’amore alla curatela. All’idea che qualcuno, da qualche parte, si preoccupi davvero di ciò che guardi. Riguarda meno le stelle e più il sistema. La burocrazia. La lotta per mantenere viva l’arte in un panorama commerciale.

È tranquillo. È premuroso. In netto contrasto con Death Proof. Ma entrambi riguardano il controllo. Tarantino controlla la violenza. Lutz controllava lo schermo.

Kill Bill: vol. 1 (2003) – Il tappeto rosso della vendetta

Conosci il vestito. Hai visto la lotta. Probabilmente hai provato a replicare il battito dei piedi nella tua cucina e hai fallito miseramente.

Il primo volume della saga di vendetta in due parti di Quentin Tarantino non è solo un film. È un pulsante di ripristino culturale. Pubblicato nel 2003, Kill Bill: vol. 1 porta la Sposa, interpretata con grazia letale da Uma Thurman, lungo un percorso di distruzione che sembra meno una narrazione e più un sogno febbrile dipinto con sangue e giallo.

Perché questo ha un impatto diverso?

È la svolta del genere. Tarantino non fa riferimento solo a film di arti marziali o spaghetti western. Li divora. Li risputa come qualcosa di completamente nuovo. La colonna sonora, per gentile concessione di Ryuichi Sakamoto e altri, si gonfia di drammaticità operistica mentre il personaggio di Thurman smantella gli avversari con una katana che brilla sotto l’obiettivo.

Il punteggio del film su IMDb è pari a un solido 8,1, a testimonianza di quanto sia invecchiato bene. È rumoroso. È violento. È elegante in un modo che richiede di guardarlo due volte.

Il cast è accatastato, ma la chimica è ciò che lo sostiene. David Carradine nel ruolo di Bill porta una calma agghiacciante nel caos. Daryl Hannah nei panni di Elle Driver è senza dubbio il miglior cattivo del cinema moderno: psicopatico, meschino e indimenticabile. E non dimentichiamo la sequenza di apertura nell’appartamento di O-Ren Ishii. È un masterclass di tensione, silenzio e azione improvvisa ed esplosiva.

Alcuni critici lo hanno definito eccessivo. Avevano ragione. Dovrebbe esserlo.

“Non si tratta solo di uccidere. Si tratta dell’arte di uccidere.”

Questa è l’atmosfera. Tarantino tratta i combattimenti con la spada come routine di balletto. Ogni sciopero ha uno scopo. Ogni blocco è una conversazione.

Se stai cercando il realismo, vai a guardare un notiziario. Se vuoi che un cinema che sembri un fumetto prenda vita, è proprio questo.

Il seguito esiste, sì. Ma il vol. 1? È il gancio. Quello che attirava il pubblico e non lo lasciava mai andare.

Jackie Brown (1997) – IMDb: 7.5

Non tutto ciò che tocca Tarantino si trasforma in un bagno di sangue intriso di neon. A volte guarda semplicemente le persone parlare. Jackie Brown è quel raro momento in cui l’ossessione del regista per i dialoghi supera il suo amore per gli inseguimenti in macchina e i machete. Pubblicato nel 1997, si distingue dal resto della sua filmografia. È radicato. È lento. E per molti è la cosa più matura che abbia mai fatto.

Il film segue Jackie Brown, un’assistente di volo interpretata con stanca grazia da Pam Grier. Contrabbanda denaro per il suo capo, un trafficante d’armi, Ordell Robbie, interpretato da Samuel L. Jackson. Ma non lo fa per il brivido. Lo sta facendo per sopravvivere. Costruire una vita dopo un divorzio complicato e un conto in banca in diminuzione. La posta in gioco non è il destino del mondo. Sono solo suoi.

“Volevo solo essere il tipo di persona in grado di prendersi cura di se stessa.”

Quella riga lo riassume. Il film rispetta l’età di Jackie. Rispetta la sua stanchezza. A differenza degli eroi iper-stilizzati di Kill Bill o Pulp Fiction, Jackie sta solo cercando di destreggiarsi in un sistema che vuole usarla. L’agente dell’FBI, Ray Nico, e l’agente dell’ATF, Max Cherry, vogliono entrambi la sua collaborazione. Ordell vuole la sua lealtà. Vuole uscire.

Il ritmo è intenzionale. Le scene persistono. Guardi la gente fumare. Li guardi bere il caffè. Sembra reale. La colonna sonora, con forti dosi di Curtis Mayfield, aggiunge uno strato di anima assente negli altri suoi lavori. Non è solo rumore di fondo. È il nucleo emotivo.

La performance di Pam Grier è l’ancora. Porta il film senza bisogno di urlare o combattere. La sua silenziosa determinazione è più potente di qualsiasi duello con la spada. Samuel L. Jackson porta il suo solito carisma a Ordell, rendendo il cattivo quasi comprensivo nella sua sicurezza. Robert Forster, nei panni dell’anziano uomo di legge Max Cherry, porta con sé una gentile dignità che contrasta nettamente con il mondo criminale.

Se Kill Bill sta gridando Tarantino, Jackie Brown sta sussurrando. Dimostra che può gestire le sfumature. Ciò dimostra che la tensione non ha sempre bisogno del sangue per funzionare. A volte, basta che una donna cerchi di capire la sua prossima mossa mentre il mondo si chiude.

11. Dal tramonto all’alba (1996) – IMDb: 7.2

Tarantino non ha mai fatto una serie di film di Jackie Brown, ma la sua lista è stata quella di un film degli anni ’90, ma potrebbe anche essere un successo. L’attore Pam Grier, Samuel L. Jackson e Robert De Niro hanno recitato in un film, hanno guadagnato milioni di dollari per un’ottima performance musicale, e si sono sentiti in dovere di fare un’altra commedia drammatica. IMDb’de 7.5 puanla izleyiciyi mutlu eden Jackie Brown, bir sonraki durakta yerini Robert Rodriguez e Quentin Tarantino’nun tuhaf ama mükemmel mükemmel ortaklaşasına bırakıyor.

Ve işte o tuhaf ortaklaşa: Dal tramonto all’alba.

1996 yapımı bu film, ilk bakışta sıradan bir kaçakçı hikayesi gibi başlar. Insieme a loro, Seth e Richard Gecko, hanno fatto il loro ingresso in Meksika. Yollarda rastladıkları bir aileyi rehin alıp onlarla birlikte sınırın ötesine geçmek isterler. Piano basittir. Hızlıdir. Ve ilk bölümde izleyiciye, tipik bir suç draması sunulur. Samuel L. Jackson e Harvey Keitel hanno recitato in un ruolo importante, con un dolce dolore.

Ama sonra gece çöker.

Ve film, aniden tür değiştirir. Bordelenin kapıları açılır e içinde yılanlar, kan ve vampirler vardır. Evet, yanlış duymadınız. Bir suç filmi, bir anda vampir korku filmine dönüşür. Bu geçiş, sinema tarihinin en cesaretli hamlelerinden biridir. İzleyici şaşkındır. Bir önceki dakikada ciddi bir suç draması izliyordunuz, bir sonraki dakikada ise bir vampir horlasıyla yüzleşiyorsunuz.

Robert Rodriguez’in yönetmenliği, Quentin Tarantino’nun senaryosuyle birleşince ortaya çıkan bu kimyaa, 90’ların pop kültürüne damga vurmuştur. Film, IMDb’de 7.2 puanla izleyicinin takdirini kazanmış ve zamanla kült bir statüye ulaşmıştır.

Peki bu geçiş neden işe yarar? Çünkü film, kendi kurallarını o an uydurur. İnanılmaz derecede şiddetli, kanlı ve aynı zamanda komiktir. Tarantino’nun diyalogları, Rodriguez’in görsel şiddetiyle birleşince, ortaya çıkan karışım, izleyiciyi nefes nefese bırakır.

I personaggi dei film ti stanno aspettando. Rehin alınan aile, başlangıçta masum kurbanlar gibi görünür. Ama gidildikçe, her birinin kendi acıları, kendi savaşları vardır. Il personaggio di Juliette Lewis è stato interpretato da Juliette Lewis, filmando insieme a lui

Quattro stanze (1995) – IMDb: 6.8

Il genere cambia. Difficile.

Invece di un regista, ne ottieni quattro. Four Rooms è un’antologia. Una notte in un albergo di lusso. Un fattorino di nome Jimmy, interpretato da Tim Roth, vuole solo sopravvivere fino all’alba. Deve completare quattro compiti distinti per quattro ospiti diversi. Ogni segmento è diretto da un battitore pesante. Quentin Tarantino. Roberto Rodriguez. Allison Anders. Alex Rockwell.

È disordinato. È caotico. Funziona grazie al puro talento in mostra.

Il segmento di Tarantino presenta Harvey Keitel nei panni di un boss della mafia che assume Jimmy per recuperare una collana rubata. La parte Rodriguez? Caos puro. Una stanza piena di esplosivi e un fattorino molto confuso. È energia Dal tramonto all’alba senza i vampiri. Gli altri due segmenti sono più tranquilli, più oscuri, ma comunque ricchi di quello spirito indie anni ’90.

Perché guardarlo? Perché vuoi vedere Tarantino e Rodriguez lavorare nella stessa inquadratura, anche se non condividono lo schermo. È una capsula del tempo. Una strana, meravigliosa capsula del tempo.

Fatti principali:

• Tür: Kurgu, Komedi, Suç

• IMDb: 6.8

• Yıl: 1995

• Yönetmenler: Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Allison Anders, Alex Rockwell

• Oyuncular: Tim Roth, Quentin Tarantino, Harvey Keitel, Bruce Willis

Non è un film perfetto. Alcuni segmenti si trascinano. Altri si sentono affrettati. Ma questo è il punto. È una raccolta di schizzi. Una festa che dura troppo a lungo. Te ne vai con la sensazione di essere stato lì. Ubriaco di creatività.

Disperato (1995) – IMDb: 7.2

Robert Rodriguez’ın Four Rooms’dan sonra sahneye çıkışı, sinema tarihinin en ikonik açılışlarından birini beraberinde getirdi. Disperato. 1995. Tarantino’nun kaleminden senaryo. Antonio Banderas, El Mariachi’nin torbasından çıkıp dünya çapına yayılan bir efsaneye dönüştü.

Gitar çalarken geçen sahne? Mukemmel. Meksika’nın güneyindeki sakin kasaba atmosferi, şiddetin patlama anına dek gerilimi tırmandırıyor. Banderas, bu sefer sadece bir müzisyen değil, intikam almış, dünyadan kopmuş bir kabadayı. Jumanji’nin yaratıcısı Bruce Willis ile karşı karşıya.

“Zamanın gelişini duyabilirsin. Ve işte geldi.”

Bu cümle, filmin ruhunu özetler. Aksiyon sahneleri, özellikle otel katının tamamının tek bir çekimle taranması, o dönemin teknik sınırlarını zorladı. Rodriguez’ın düşük bütçeli ama yüksek stil vizyonu burada zirve yapıyor.

• Tür: Aksiyon, Macera
• IMDb: 7.2
• Yıl: 1995
• Yönetmen: Robert Rodriguez
• Senario: Quentin Tarantino
• Oyuncular: Antonio Banderas, Salma Hayek, Joaquim de Almeida, Steve Buscemi, Peter Marc Parent, Michael Parks, Victor Rivero, John Finn, Ernest Guzman, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Marlene Taylor

Pulp Fiction: il film che ha infranto tutte le regole

Poi arriva il battitore pesante. Quello che non ha cambiato solo il cinema, ma ha ricablato il cervello di un’intera generazione.

Pulp Fiction arriva con un punteggio IMDb di 8,9. Non è solo un numero elevato. È un reset culturale.

Questo è stato diretto da Quentin Tarantino. Lo ha anche scritto. E non è andato sul sicuro. Ha preso il genere poliziesco, lo ha fatto a pezzi e lo ha rimesso insieme in un modo che nessuno si aspettava. La narrazione non è lineare. Salta in giro. Il tempo si piega. Pensi di sapere cosa sta succedendo, poi la scena si sposta da qualche altra parte, qualcun altro, e all’improvviso il momento precedente ha più senso. O meno.

Il cast è leggendario per un motivo. John Travolta si è reinventato qui. Non era più solo una star della discoteca; era Vincent Vega, freddo, distaccato e con in mano una valigetta che tutti vogliono. Samuel L. Jackson interpreta Jules Winnfield, un sicario con un versetto biblico per ogni occasione. La loro chimica? Elettrico.

Poi c’è Uma Thurman nel ruolo di Mia Wallace. Porta il glamour, il pericolo e la scena dell’overdose che ancora dà ansia alle persone. Bruce Willis interviene nei panni di Butch Coolidge, un pugile che decide di ritirarsi dal gioco e sopravvivere alla notte.

È violento. È divertente. È profondamente filosofico sulla redenzione e sul karma, avvolto in un dialogo che sembra come se le persone reali parlassero, solo più intelligenti e più stilizzate.

• Tür: Gerilim, Suç, Drama

• IMDb: 8.9

• Yıl: 1994

• Yönetmen: Quentin Tarantino

• Oyuncular: John Travolta, Uma Thurman, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Tim Roth, Ving Rhames, Harve Weinstein

L’impatto è stato immediato. I film indipendenti hanno ottenuto finanziamenti. Il dialogo è diventato re. E la colonna sonora? Iconico. Il surf rock incontra il soul. Non ha solo accompagnato il film; lo ha definito.

Puoi guardarlo dieci volte. Catturerai comunque qualcosa di nuovo. Uno sguardo. Una linea di dialogo. Un riferimento ad un hamburger che non esiste.

Non è perfetto. Alcuni trovano la violenza eccessiva. Altri pensano che il dialogo si trascini. Ma questo è il punto. È rumoroso. È disordinato. È vivo.

E sì, ha reso Harve Weinstein un attore potente a Hollywood, nel bene e nel male. Il settore è cambiato da un giorno all’altro. Tutti volevano un “Tarantino”. La maggior parte ha fallito. Questo? Sta da solo.

Le Iene: il film da cui tutto ha avuto inizio

Non puoi parlare di Tarantino senza riconoscere la scintilla. Pulp Fiction lo ha reso un’icona globale, certo. Ha cementato il marchio. Ma Reservoir Dogs è stato il colpo di fulmine. Nel momento in cui il mondo è andato, aspetta, chi è questo ragazzo?

Pubblicato nel 1992, questo non è solo un film su una rapina. E’ una pentola a pressione. Una stanza piena di criminali che non si conoscono, in attesa di un lavoro che va di traverso. E resta lì. Quasi interamente.

• Genere: Crimine, Thriller
• IMDb: 8.3
• Anno: 1992
• Regista: Quentin Tarantino
• Attori chiave: Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen

La brillantezza? L’economia. Budget basso. Una posizione principale. La tensione nasce dal dialogo, tagliente come vetro rotto. Tarantino ha dimostrato che non servono le esplosioni per tenere gli occhi incollati allo schermo. Avevi solo bisogno di personaggi con segreti e una voce che non tacesse.

Ha impostato il modello. La narrazione non lineare, i riferimenti alla cultura pop, la violenza improvvisa. Tutto risale a questo magazzino. Prima dei percorsi che si intersecano e delle pause di ballo di Pulp Fiction, c’erano solo la stanza bianca e il dolore.

Quale colpisce più forte? La raffinata spavalderia dei film successivi o il panico crudo e claustrofobico di questo debutto? La maggior parte dei fan sostiene che il debutto abbia più anima. Non è raffinato. Pericoloso.

“Non do la mancia perché la società dice che devo farlo. Va bene? Va bene!”

Quella linea? È la tesi. Questi non sono gangster affascinanti. Sono uomini distrutti in una brutta situazione. Il film ti chiede di guardarli svelarsi. E lo fai. Perché è avvincente. Non perché sia ​​buono. Perché è reale, a suo modo contorto.

L’eredità non è solo il botteghino. È il cambiamento nel cinema indipendente. Dimostrare la visione di un regista potrebbe prevalere sui mandati dello studio. Reservoir Dogs non ha semplicemente iniziato una carriera. Ha cambiato le regole del gioco. E Tarantino? Non ha mai guardato indietro. Continuavo a scavare più a fondo nel ventre. Lasciandoci a chiederci cosa succederà dopo. O forse, semplicemente ricordando come è iniziato.

Perché Le Iene resiste ancora

La rapina dei diamanti è un disastro. Il piano fallisce all’istante. Ora l’equipaggio è solo un gruppo di ragazzi in un magazzino, che sudano, che si guardano alle spalle, chiedendosi chi di loro indossa un microfono. Nessuno sa chi sia il poliziotto. Quella paranoia? È il motore di tutto il film.

Il film d’esordio di Quentin Tarantino, Reservoir Dogs, non ha semplicemente dato inizio a una carriera. Ha ricablato il modo in cui la gente pensava al cinema indipendente nei primi anni ’90. Pubblicato nel 1992, è un dramma serrato e claustrofobico che si basa sul dialogo e sulla tensione più che su sequenze d’azione ad alto budget. Non hai bisogno di esplosioni per sentire il calore. Hai solo bisogno che Harvey Keitel, Tim Roth e Michael Madsen stiano in una stanza, rifiutandosi di fidarsi l’uno dell’altro.

Tür: Dram, Aksiyon

IMDb: 8.3

Yıl: 1992

Yönetmen: Quentin Tarantino

Oyuncular: Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen

È strano quanto peso abbiano quei nomi adesso. Allora erano solo attori di un film a basso budget. Oggi, Reservoir Dogs ha un punteggio IMDb di 8,3. Non è solo positivo. Questo è uno status leggendario. Il film dimostra che è possibile realizzare un film d’azione senza mostrare l’azione. La tensione vive nelle pause. Nel modo in cui il signor White (Keitel) guarda il signor Orange (Roth). Nel puro panico di Mr. Pink (Madsen) che chiedeva la sua parte.

Qui Tarantino stabilisce le regole. La narrazione non lineare. I riferimenti alla cultura pop si intrecciano con crudi discorsi criminali. La violenza che sembra improvvisa e brutale piuttosto che coreografata. È un progetto. Ma è anche una storia davvero efficace sul tradimento.

Allora perché ne parliamo ancora? Perché la domanda non è solo “chi è il poliziotto?” È “di chi ti puoi fidare?” E in questa stanza la risposta è nessuno.