Filmy zawsze opowiadały o przekraczaniu granic. Od końca XIX wieku reżyserzy pogoni za kolejną wielką adrenaliną. Georges Méliès był jednym z pierwszych, którzy eksperymentowali z fotografią. Kręcił filmy krótkometrażowe łamiące prawa fizyki. W swoim filmie z 1898 roku Człowiek z odciętą głową (Un Homme de Tête) pokazał, jak odcina sobie głowę i kładzie ją na stole. Dwa lata później wysłał człowieka na Księżyc za pomocą rakiety w kształcie kuli. To bardzo dzikie. To takie marzycielskie.
Ale nie każdy chce magii. Niektórzy chcą ruchu, który będzie autentyczny.
Animacja również rozpoczęła się dość wcześnie. Emil Kohl stworzył Fantasmagorię w 1908 roku. Na papierze narysował setki prostych szkiców i je sfotografował. Była to pierwsza w pełni animowana kreskówka. Winsor McCay przedstawił dinozaura Gertrudę w 1914 roku. W jego pracach wykorzystano tysiące klatek. Jego ruchy były płynniejsze niż w większości kreskówek tamtych czasów. Jednak większość wczesnych animacji była nierówna i szorstka.
Wtedy pojawia się paradoks. Twórcy filmu chcą zarówno niemożliwego, jak i prawdopodobnego. Próbują przybliżyć kreskówki do prawdziwego życia. Aby to zrobić, wymyślili techniki, które są nadal używane. Nazywa się to rotoskopią. Został opracowany prawie sto lat temu i zmienił sposób, w jaki widzimy ruch na ekranach.
Co to jest rotoskopia? Dlaczego to jest ważne?
Choć koncepcja rotoskopii jest prosta, w praktyce jest trudna do wdrożenia. Jest to bardzo pracochłonny proces. Wymagane specjalne narzędzia. Podstawowa idea jest prosta. Kręcisz materiał z udziałem żywych aktorów. Filmowanie poruszających się aktorów lub obiektów. Następnie prześledź ten materiał klatka po klatce. Z tego pociągnięcia możesz utworzyć animację.
Nie dotyczy to tylko kreskówek. Można go używać do efektów specjalnych w filmach aktorskich. Można oddzielać elementy. Możliwe jest tworzenie scen, które nie istnieją w rzeczywistości.
Rotoskopia wypełnia lukę pomiędzy akcją na żywo a animacją rysowaną ręcznie. Oddaje fizykę prawdziwego ruchu i stosuje ją do narysowanych postaci.
Niektórzy przedstawiciele branży animacji uważają to za mistyfikację. Mówią, że jeśli nie narysujesz wszystkiego od zera, to nie jest to „prawdziwa” animacja. Grafika komputerowa (CGI) zastąpiła wiele starszych technologii. Ale rotoskopia nie jest martwa. To wciąż przydatne narzędzie. Jest to zaleta dla animatorów i reżyserów, którzy chcą realistycznego ruchu bez domysłów.
Początki rotoskopii
Historia zaczyna się od Maxa Fleischera. W latach 1910-tych był animatorem. Chciał, aby postacie poruszały się naturalnie. Nie chciał sztywnych, gwałtownych ruchów, które charakteryzowały wczesne kreskówki. Potrzebował rozwiązania.
Jego rozwiązaniem był rotoskop. Było to urządzenie, które mogło wyświetlać klipy filmowe na szklanym panelu. Podczas oglądania filmu możesz rysować na tabliczce. W ten sposób można natychmiast dokładnie śledzić ruch.
Pierwszą postacią, która zastosowała tę technikę, była Betty Boop. Wystąpiła w odcinku „Talkartoons”. Jej ruchy są płynne. Wygląda, jakby tańczyła prawdziwa osoba. To duży krok naprzód. Dzięki temu kreskówki są bardziej wiarygodne. To także zabawa.
Rotoskop służy nie tylko do oznaczania postaci. Dotyczy to również elementów tła. Na przykład w „Królewnie Śnieżce”
Max Fleischer to coś więcej niż tylko artysta. Jest także maniakiem technologii i był nim na długo przed pojawieniem się samego słowa. Jako redaktor artystyczny „Popular Science Monthly” miał obsesję na punkcie tego, jak wszystko działa. Standardowa animacja wydawała mu się nienaturalna. Dążył do gładkości. Realizm. Dlatego wynalazł rotoskop. To sposób na połączenie kreskówkowej akcji z podstawami prawdziwej fizyki.
Nie pracuje sam. Fleisherowie są rodziną. Max zebrał swoich braci Dave’a, Joe, Lou i Charliego, aby stworzyć prototyp. Zanim hollywoodzkie studia zorientowały się, co się dzieje, majstrowały przy sprzęcie i szkle. Max złożył wniosek o patent w 1915 r. Patent został wydany dwa lata później, w 1917 r. Mechanizm jest prosty, ale innowacyjny.
Klaun na dachu
Pierwsze testy w studiu nie zostały przeprowadzone. Do zdarzenia doszło na dachu apartamentowca w Nowym Jorku. Pogoda nie miała znaczenia. Światło było ważne.
Przynieśli przenośny projektor. Zamienili go w komórkę. Dave miał na sobie kostium klauna. Jego mama uszyła ten strój własnymi rękami. Nakręcili ponad minutę filmu. Dave się poruszył. On tańczył. Pozował.
Potem rozpoczęło się śledzenie. Bracia zmontowali urządzenie rotoskopowe. Wyświetlany był klatka po klatce przez szklany panel sztalugi. Max położył kalkę na drugiej stronie. Prześledził obraz.
Klatka po klatce. Rysował, potem przesuwał film do następnej klatki i rysował jeszcze raz. W patencie opisano także mechanizm z sznurkiem, dzięki któremu artysta nie musi sięgać po dźwignię. Efektywność. Taki jest cel.
Po ukończeniu rysunku należy go sfotografować. Max używa tego samego projektora i tym razem ponownie ustawia go jako kamerę. Ręcznie zdejmuje i zakłada dekielek obiektywu. trzask. dotknąć, kliknij. następna klatka. To jest praca fizyczna. Precyzyjna praca.
Opracowali film. Odtworzyli to. Wszystko się udało. Animowane ruchy klauna ożyły. Okazało się, że to Coco. Postać, która zdefiniowała całą epokę.
Od Coco do Supermana
Max zaczął tworzyć filmy animowane. Dave zaczął reżyserować. Około 1919 roku wydali „Out of the Inkwell”. Klaun Coco przeciwstawia się grawitacji i wyskakuje z kałamarzy. Jednak rotoskop ustabilizował jego ruchy.
Studio wciąż się rozwija. W latach trzydziestych mieli Betty Boop. Następny był Popeye. W latach czterdziestych pojawił się „Superman”. Te spodenki były drogie. Różniły się także szczegółami wizualnymi. Rotoskop pozwolił im stworzyć realistyczne ruchy człowieka, jednocześnie wyolbrzymiając mimikę twarzy. Udało się oddać ciężar prawdziwego ciała i dynamikę panelu komiksowego.
W centrum tego wszystkiego znajduje się Cab Calloway. Trzy kreskówki Betty Boop zawierają rotoskopowe nagrania piosenkarki jazzowej: Minnie the Moocher, The Old Man of the Mountain i Snow White. Pierwsze dwa filmy rozpoczęły się od materiału filmowego przedstawiającego Callowaya i jego orkiestrę. Minnie the Moocher zawiera najwcześniejsze znane nagrania występów Caba Callowaya. Można zobaczyć, jak ruchy legendy jazzu zostały przeniesione na Bimbo i inne postacie. Połączenie akcji na żywo z animacją było płynne. To było przerażające.
Pierwszy eksperyment w formacie pełnometrażowym
Rotoskopu używa się nie tylko do filmów krótkometrażowych. Wykorzystało go studio Fleischer w filmie Podróże Guliwera. Wydany w 1939 roku był drugim pełnometrażowym filmem animowanym wyprodukowanym w Stanach Zjednoczonych. Pierwszą była Królewna Śnieżka Disneya, ale dzieło Fleischerów ma inną fakturę. Dynamiczne zdjęcia nadają bohaterom poczucie powagi. Obecność. To nie jest tylko karykaturalna logika. To ludzka logika przefiltrowana przez atrament.
Technologia się rozprzestrzeniła. Zwrócili na nią uwagę także inni animatorzy. Chcą tej autentycznej jakości. Jednak Fleischerowie opatentowali ten proces. Kontrolują środki produkcji. Był czas, gdy chcąc wykonywać ruchy rotoskopowe, trzeba było jechać do Nowego Jorku. Zapłaciłeś opłatę. Masz realizm.
Zmieniło to sposób, w jaki widzowie postrzegali komiksy. To już nie były tylko rysunki. Stały się performansami. Nagrany, zarysowany i ponownie animowany. Granica między światem rzeczywistym a światem anime zaciera się. Coco to był dopiero początek. Gwiazdą była technologia.
Rotoskop nie tylko kopiuje ruchy. Oddaje duszę ruchu.
Jego dziedzictwo można oglądać do dziś. Współcześni animatorzy nadal korzystają z tego narzędzia. Zamiast zastępować kreatywność, wzmacnia ją. Kiedy postacie wyglądają realistycznie, nawet w świecie fantasy, jest to zwykle spowodowane pracą rotoskopu.
Disney po prostu nie mógł wymyślić, jak sprawić, by Królewna Śnieżka zadziałała. Najpierw filmowali prawdziwych ludzi.
W rolę Królewny Śnieżki wcieliła się Marjorie Celeste Belcher (później znana jako Maggie Champion). Louis Hightower – Książę. Aktorzy Eddie Collins i Billy House zagrali Silly and the Doctor. Don Brodie przebrał się i przybrał postać królowej w przebraniu. Ci aktorzy grali w podstawowych scenach. Rejestrowano ich ruchy.
Następnie animatorzy pracowali nad klatkami kluczowymi. Tworzone są na początku i na końcu akcji. Pomiędzy ujęciami? Zostały narysowane ręcznie na przezroczystych komórkach (celuloid). To był proces mieszany. Prawdziwe życie zamieniało się w kreskówkę.
To nie był jednorazowy eksperyment. Disney przyjął to samo podejście w przypadku Piotrusia Pana. Hans Conried udzielił głosu Panu Darlingowi i Kapitanowi Hakowi. Buddy Ebsen grał pirata. Tancerz Roland Dupree wcielił się w rolę Piotrusia Pana. Margaret Kerry stała się fizycznym modelem Dzwoneczka. Potem pojawiły się inne filmy ze studia. Studio stworzyło światy fantasy oparte na filmowaniu z udziałem prawdziwych aktorów.
Dyskusja o realizmie
Rotoskopia wywołała kontrowersje. Niektórzy krytycy nazywają to oszustwem. W sposób przyspieszony. Twierdzą, że postacie wzorowane na prawdziwych ludziach wyglądają inaczej niż tradycyjnie animowane zwierzęta. Ten ruch wydaje się przerażający. Albo zbyt nienaturalne.
Disney próbował ukryć tę technikę. Na premierze Królewny Śnieżki Belcher siedział na balkonie. Z dala od tłumu. Powiedziano jej, żeby nie mówiła o swojej roli. Nie wiedziała nawet, że jej obraz uzyskano metodą rotoskopii. Minęły dziesięciolecia, zanim poznała prawdę. Sekret został ujawniony dopiero po wizycie na wystawie Disneya.
Ale wyniki mówią same za siebie. Królewna Śnieżka była arcydziełem. To wciąż klasyk. Kontrowersje osłabły w porównaniu z jej sukcesem.
Poza Disneyem: Intensywna rotoskopia
Inne studia również nie stroniły od tej techniki. Niektórzy nawet aktywnie z tego korzystali. Intensywna rotoskopia może nadać filmowi wygląd materiału na żywo z malowaniem na wierzchu.
Piosenka Beatlesów „Lucy in the Sky with Diamonds” została wykorzystana w filmie Yellow Eyeliner z 1968 roku. Zastosowano oczywistą rotoskopię.
Ralph Bakshi zbudował karierę na tej technice. Technikę tę zastosował w filmie Czarodzieje (1977). Następnie pojawił się Władca Pierścieni (1978). Następny był „Amerykański pop” (1981). Słynny serial dopełniły filmy Ogień i lód (1983) oraz Kraina lodu (1992). Columbia Pictures zbagatelizowała dynamiczne zdjęcia, ogłaszając amerykański pop. Być może obawiali się, że widzowie uznają to za mistyfikację. Zamiast tego nadał filmowi wyjątkowy, oniryczny charakter.
Teledyski i rozwój cyfrowy
W latach 80. rotoskopia wkroczyła do teledysków. Uderzającym przykładem było wideo grupy A-Ha „Take On Me” (1985). Akcja na żywo przeplata się z niechlujną animacją w stylu komiksu. Efekt jest niesamowity. Pasowało to do energii utworu.
W tym samym roku INXS zastosował tę technikę w teledysku do „What You Need”. Do filmu dodano animację i efekty kolorystyczne. To już nie są tylko filmy fabularne. To krótka opowieść wizualna.
Richard Linklater posunął się jeszcze dalej w tej technice. Do filmów Życie na jawie (2001) i Skaner w ciemnościach (2006) nakręcono z udziałem prawdziwych aktorów. Następnie zamieniono je w animację. Proces ten nazywa się rotoskopią interpolacyjną. Bob Sabiston, student MIT, stworzył oprogramowanie, które interpoluje obrazy pomiędzy klatkami kluczowymi. To przyspiesza pracę. Powstaje gładki, płynny efekt. Animatorzy mogą skupić się na wyrażaniu emocji, zamiast ręcznej pracy nad każdą klatką.
Dlaczego to wciąż ma znaczenie
Rotoskopia to nie tylko przypis historyczny. Animatorzy nadal używają go do nauki ruchu od podstaw. Uczy, jak ciała poruszają się w rzeczywistej przestrzeni.
Jest również stosowany w filmach aktorskich. Nie ogranicza się to do kreskówek. To narzędzie zacierające granicę pomiędzy rzeczywistością a wyobraźnią. Granica między nimi nigdy nie była tak niewyraźna. Albo takie interesujące.
Analogowa sztuka mat podróżnych
Zapomnij o błyszczącym cyfrowym rotoskopii współczesnego CGI. Tworzenie oryginalnych mieczy świetlnych z Gwiezdnych Wojen i horrorów z Ptaków Alfreda Hitchcocka to brudna, ręczna i wyczerpująca praca. W dobie technologii analogowej nie chodziło tylko o obrysowywanie komórek animacji. Chodziło o komponowanie – łączenie różnych elementów, które nigdy wcześniej nie znajdowały się w tym samym pomieszczeniu.
Reżyser zapewne chce, żeby bohater stał na scenie dźwiękowej, mając za sobą prawdziwy ocean i wyglądał na przestraszonego. A może potrzebowali eksplozji, która była zbyt niebezpieczna dla aktora. Nie chodzi tylko o skierowanie aparatu. Musiałem rysować.
Rysowanie pustki
Przepływ pracy to fizyczny koszmar. Trzeba wziąć rolkę filmu, rzutować każdą klatkę na szklaną płytkę i narysować ją ręcznie.
klatka po klatce.
Jeśli chcesz oddzielić osobę od tła, możesz prześledzić jej kontur na przezroczystej klatce. Następnie zamaluj pozostałe komórki, aby utworzyć matową powierzchnię (maskę). Tę maskę nakłada się na folię tła. Obszar pokryty czarnym kolorem ukrywa tło i pozostawia przezroczyste okno dla aktora na pierwszym planie.
Będziesz jednak potrzebować kilku cewek. Potrzebujemy oryginalny film, czarną maskę i „negatyw” tej maski.
Oto sztuczka:
- Naświetl film tła z czarną maską przed nim. Spowoduje to przepalenie tła z wyjątkiem części ukrytych przez maskę.
2.
Naświetl to samo ujęcie ponownie, ale tym razem umieść maskę negatywową przed aktorem na pierwszym planie. Przezroczyste miejsce na masce negatywowej pozwoli aktorowi pokazać dokładnie tam, gdzie tło jest zasłonięte.
To tort wykonany ze światła i farby. I musisz to robić 24 razy na sekundę.
Podróżny mat
Zwykły film 35 mm porusza się z szybkością 24 klatek na sekundę. Daje to 1440 klatek na minutę. Zróbmy matematykę. Jeśli scena trwa minutę, do narysowania jest 1440 pojedynczych masek.
A obiekt się porusza.
Obiekty statyczne – łatwe. Czy ta osoba przyjdzie? Czy eksplozja się rozszerza? To jest mata podróżna. Kształt i położenie zmieniają się z ramki na ramkę. Jeśli ręka aktora przesunie się o 2 cale w lewo w klatce 50, otwór w masce w klatce 50 musi zostać przerysowany. Jeśli chybisz choćby o milimetr, złożony obraz będzie nierówny. Wygląda to nienaturalnie. Widz widzi drżenie i czar zostaje złamany.
Dokładność albo nic
Nie chodzi tylko o kontury. Oświetlenie powinno idealnie pasować do tła. Jeśli na filmie w tle zachodzi słońce, a aktorzy są oświetleni świetlówkami, złożony obraz będzie wyglądał jak naklejka na pocztówce. Późniejsza korekta koloru może pomóc, ale nie naprawi złego podkładu.
Wszystko musi być fizycznie dostosowane. Filmy, maski, soczewki projektorów. Wystarczy jeden błąd, drobinka kurzu na szkle i wszystko się zmienia. Rezultatem jest drżący, upiorny bałagan.
Posprzątaj bałagan
Oprócz spektakularnych eksplozji technologia ta służyła także skromniejszym celom. Naprawiła błędy.
Czy zastanawiałeś się kiedyś, jak usunąć cień z mikrofonu na wysięgniku? A może liny zabezpieczające przytrzymujące linę w ramach triku? A może po prostu małe białe markery na podłodze? Rotoskopia może obrysować te wtargnięcia, utworzyć maski je blokujące i wypełnić luki pustym filmem tła. To podtrzymuje iluzję. Nie widzisz mechanizmów. Widzisz magię.
Cyfrowe dziedzictwo
Nie malujemy już pędzlem. Komputery mogą stworzyć te maty podróżne w ciągu kilku sekund, korzystając ze sztucznej inteligencji i wykrywania krawędzi. Nie ma już pracy ręcznej. Fizyczne szpule zostały zarchiwizowane. Ale logika pozostaje. Nadal oddzielamy pierwszy plan od tła. Nadal zajmujemy się komponowaniem.
Po prostu robimy to szybciej. I taniej.
Oczywiście efekt końcowy jest czystszy. Ale czy będzie tak duchowe jak ręcznie matowe wykończenie, którego ukończenie zajęło tydzień? Prawdopodobnie nie. Ale z drugiej strony nie jest to przeciętny film Marvela.
Komputery skurczyły się. Przyspieszyli. Stały się tańsze. Ta rewolucja sprzętowa nie tylko zmieniła sposób edycji, ale także zasadniczo przebudowała tworzenie efektów specjalnych.
Za pomocą CGI możesz sprawić, że prawie każdy obiekt przejdzie test realizmu. A co z rotoskopią? Wcześniej była to ciężka praca fizyczna. Teraz, dzięki narzędziom cyfrowym, praca przebiega szybciej niż kiedykolwiek. Spędzaj mniej czasu na śledzeniu, a więcej na tworzeniu.
Cyfrowy stół warsztatowy
Filozofia pozostała ta sama, ale otoczenie się zmieniło. Szklany stół nie jest już potrzebny. Nie ma już potrzeby nakładania fizycznych komórek animacji na wyświetlane rolki filmu.
Nowoczesne przepływy pracy współpracują z warstwami wirtualnymi. Jedna warstwa zawiera zdigitalizowany klip wideo. Drugi to twój obraz. Trzeci to efekty. Nie ma potrzeby fotografowania wyniku. Eksportujesz plik cyfrowy.
Oprogramowanie graficzne imituje stare sztuczki. W ramce możesz rysować za pomocą myszy, gładzika lub tabletu graficznego. Chcesz tradycyjnej animacji rotoskopu? Pozostaw widoczną klatkę oryginalnej kliszy. Czy chcesz to usunąć? Pozostała tylko animacja. Lub utwórz złożone maski, aby zintegrować sfotografowane lub wygenerowane komputerowo obiekty ze swoją sceną.
Maty są zwykle rysowane w oddzielnych ramkach. Skorzystaj z narzędzia selekcji. Użyj narzędzia do malowania. Tutaj z pomocą przychodzą splajny. Są to krzywe z punktami, które można przeciągać. Jeśli dopasujesz splajn w jednej klatce, łatwiej będzie dopasować go w następnej, niż rysować od nowa.
Automatyka i sterowanie
To oprogramowanie potrafi więcej niż tylko rysowanie obrazów. Obsługuje ruchy za Ciebie.
Śledź pozycję od klatki do klatki. Powiedz programowi, gdzie znajduje się obiekt w pierwszej klatce, a gdzie w dziesiątej. Pozwól oprogramowaniu interpolować między nimi. To określi, co powinno się tam znaleźć.
Nowoczesne programy w coraz większym stopniu potrafią rozpoznawać kształty. Obrysowują i maskują obiekty w wielu klatkach. Nie musisz śledzić każdej krawędzi. Oszczędza to dużo czasu.
Korekty kolorów można dokonać natychmiast. Przekształcanie jednego obiektu w drugi. Rozmyj krawędzie za naciśnięciem jednego przycisku. Kopiowanie części ekranu. To narzędzie do klonowania pomoże Ci oczyścić dekoracje. Chcesz usunąć kabel? Skopiuj niebo lub ścianę i pomaluj drut. Upewnij się, że nigdy nie istniał.
Krajobraz oprogramowania
Narzędzia do rotoskopii nie pojawiły się z dnia na dzień. Wczesne oprogramowanie do tego zadania zaczęło pojawiać się w latach 90-tych. Wybuch kolorów. Zamieszanie. Matador.
Dzisiejsza lista jest jeszcze dłuższa. Narzędzia są potężniejsze.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Mokka od Imagineer Systems
- Sylwetka
- Płomień i dym od Autodesk
- Fuzja przez Blackmagic
- Nuke, Ocula i Mari z The Foundry
Niektóre z nich wymagają sprzętu klasy korporacyjnej.
Drogi komputer.
Drogie licencje. Dostępne są inne, takie jak pakiet Adobe.
W tę grę poradzą sobie nawet amatorzy z dobrym laptopem. Niezależni twórcy filmowi nie pozostają już w tyle.
Kluczowanie kolorów a rotoskopia
Być może zastanawiasz się, jak cyfrowa rotoskopia wypada na tle innego dużego gracza w dziedzinie efektów wizualnych: kluczowania kolorów.
Kluczowanie kolorów zależy od określonych odcieni. Izolujesz kolor (zwykle zielony lub niebieski). To bardzo szybkie. Jest to skuteczne w przypadku dużych środowisk. Jednak nie powiedzie się, jeśli obiekty są tego samego koloru.
Kolor nie ma znaczenia przy rotoskopii. Krawędzie są tutaj ważne.
W epoce cyfrowej granice między tymi podejściami zacierają się. Oprogramowanie może teraz wykonywać kluczowanie kolorów * i * rotoskopię krawędzi w tym samym procesie. Operacje kluczowania wykonywane są w tle. Na pierwszym planie jest rotoskopia. Narzędzia te mogą rozwiązać oba problemy.
Którą metodę wybierzesz?
Zależy od ramki. Zależy od trudności. Zależy ile masz czasu.
Ale jedno jest jasne. Bariery fizyczne zniknęły. Szklany stół był pokryty kurzem. Nadeszła nowa era. Prace stworzone przy użyciu kodu.
Zapomnij o żmudnym śledzeniu klatka po klatce podczas pracy z rotoskopią. Twórcy efektów wizualnych przez dziesięciolecia polegali na kluczowaniu kolorem, aby łączyć elementy cyfrowe z materiałami lokalizacyjnymi. Technologia ta kryje się za każdym niebieskim ekranem i zielonym ekranem, jaki kiedykolwiek widziałeś, i stanowiła przełom, gdy została po raz pierwszy zastosowana w filmie Złodziej z Bagdadu z lat 40. XX wieku.
Jednak Disney ma swoją tajną broń. Kolor, którego używali, nie był niebieski ani zielony. Aktorzy zostali sfilmowani na czystym białym tle i oświetleni jedynie lampami sodowymi. Ta wyjątkowa metoda pozwala uniknąć cieni i tworzy czyste maski dla klasycznych filmów, takich jak Mary Poppins Returns, The Parent Trap i The Mad Professor.
Rosnąca zieleń nad błękitem
Dlaczego zielony zastąpił niebieski? Dzieje się tak za sprawą czujników cyfrowych. Gdy postprodukcja przeniosła się z filmu na piksele, kolor zielony stał się standardem. Aparaty cyfrowe mogą łatwiej uchwycić szczegóły w zielonym spektrum niż w niebieskim, a oświetlenie zielonej ściany jest tańsze i łatwiejsze niż oświetlenie niebieskiej.
Proces jest prosty. Fotografujesz aktorów na prostym tle. Następnie oprogramowanie tworzy ruchomą maskę, usuwając ten kolor (lub dokładniej, usuwając wszystkie kolory oprócz niego). Automatyczne oddzielanie elementów pierwszego planu i tła. Nie ma już potrzeby ręcznego śledzenia każdej krawędzi klatka po klatce.
„Eliminuje to potrzebę ręcznego śledzenia i maskowania elementów w klatkach, co znacznie upraszcza proces”.
Ale to nie jest magia. Zasady są rygorystyczne. Aktorzy nie mogą nosić kostiumów pasujących do koloru tła. Jeśli główny bohater ubrany w zieloną kurtkę stanie przed zielonym ekranem, jego ciało po prostu zniknie. Ponadto, ponieważ obiekty w prawdziwym świecie rzadko są monochromatyczne, „krwawienie” często występuje, gdy słabe ślady koloru tła przedostają się do obiektu. Aby rozwiązać ten problem, wymagana jest silna korekcja kolorów.
Gdy kluczowanie nie powiedzie się
Korekcja kolorów jest skuteczna, ale nie bezbłędna. Czasami ręce aktora wykraczają poza strefę komfortu. Czasami rekwizyty mieszczą się w zakresie niebieskiego ekranu. Kiedy tak się dzieje, na scenę wkracza rotoskopia jako narzędzie eliminujące błędy.
Jeśli wyjdzie się poza obszar kluczowania, artyści wracają do narzędzi rotoskopii. Ręcznie tworzą ruchomą maskę dla tych części, których nie można było rozdzielić za pomocą oprogramowania. Jest to podejście hybrydowe. Użyj kluczowania dla głównej treści i rotoskopii dla korekcji błędów.
Przechwytywanie ruchu a rotoskopia
Przechwytywanie ruchu, często nazywane mocapem lub ostatnio przechwytywaniem wydajności, to nie tylko nowa technologia. To cyfrowa ewolucja starych technik, takich jak rotoskopia i zielone ekrany. Cel pozostaje ten sam: włączenie nowych ruchomych elementów (zazwyczaj aktorów) do sceny. Podczas gdy rotoskopia polegała na śledzeniu filmu, przechwytywanie ruchu wymaga stworzenia klatki 3D od podstaw. To jak różnica pomiędzy narysowaniem twarzy na tablicy a wyrzeźbieniem pod nią szkieletu.
Technologia ta pojawiła się w połowie lat 90-tych. Pierwotnie miał służyć celom naukowym. Naukowcy chcieli zbadać ruch. Wtedy zwrócił na nią uwagę Hollywood. Początkowa konfiguracja była trudna. Aktorzy mieli na sobie kostiumy z odblaskowymi znacznikami. Scenę wykonali sami w studiu. Otaczały ich kamery. Dane zostały zapisane w oprogramowaniu. Pojawił się model 3D. Animatorzy dodali twarze, ubrania i „duszę” już w fazie postprodukcji.
To było idealne rozwiązanie do pierwszych eksperymentów. Cień Batmana w Batman Forever (1995). Tłum w filmie Titanic (1996). Jar Jar Binks w Gwiezdnych Wojnach. Odcinek I: Mroczne widmo (1999). Potem pojawił się Gollum. Gra go Andy Serkis. To zmieniło wszystko. Udowodniono, że cyfrowe postacie mogą mieć ciężar emocjonalny.
Ale branża na tym się nie skończyła. Każdy hit kinowy wymaga tego, co najlepsze.
Oblicze gry
Największym osiągnięciem jest uchwycenie mimiki twarzy. Wczesne wersje wykorzystywały markery na twarzy. Wyglądało to bardzo nienaturalnie. FAŁSZ. Potem przyszedł czas na King Konga (2005) i Piratów z Karaibów: Skrzynię umarlaka (2006). Davy Jones został pionierem. Jednak Avatar (2009) znacząco zmienił grę.
Reżyser James Cameron chciał czegoś więcej niż tylko akcji. Dążył do mikromimiki. Używał hełmów z kamerami skierowanymi na twarze aktorów. Ich skórę pokrywały markerowe kropki. Kamera rejestrowała każde drgnięcie. Każde mrugnięcie. Każdy ruch ust. To nie tylko dane fizyczne. To są dane gry.
Aktorzy nadal nosili garnitury z diodami LED na podczerwień. Nadal byli na planie Weta Digital. Ale w końcu mogli się spotkać. Mogli zareagować. Oprogramowanie pobrało surowe dane i zastosowało je do postaci Na’vi. Animatorzy nie musieli już zgadywać, jak powinny wyglądać subtelne grymasy. To wszystko. Złapany. Z poważaniem.
Porównaj to z początkami. We Władcy Pierścieni znaczna część twarzy Golluma została animowana ręcznie, na podstawie informacji o ciele jako wskazówki. W Avatarze twarz jest grą. Różnica jest istotna. Na tym polega różnica między marionetką a osobą.
Realizm w lokalizacji
Technologia opuściła studio. W Piraci z Karaibów: Skrzynia umarlaka w kadrze wraz z aktorami pojawił się Bill Nighy. Miał na sobie ten sam garnitur. Były na nim znaczniki. Ale zdjęcia odbyły się na planie. Kontaktował się z Orlando Bloomem i Keirą Knightley. Industrial Light & Magic dodał później macki CGI. Interakcja była prawdziwa.
Wraz z wydaniem w 2011 roku „Rise of the Planet of the Apes” postęp stał się jeszcze bardziej zauważalny. Caesar, ponownie grany przez Andy’ego Serkisa, został nakręcony na miejscu. Strzelanie na świeżym powietrzu. Naturalne światło. Resztę zrobiły diody LED na podczerwień i kamery na hełmach. Dawn of the Planet of the Apes (2014) ulepszył ten proces. Środowisko jest prawdziwe. Wszyscy wykonawcy są prawdziwi. Małpy były prawdziwe, ale sposób, w jaki zostały stworzone, był bezprecedensowy.
Widzenie niewidzialnego
Być może najbardziej przełomową innowacją jest Avatar. Kamery wirtualne.
Cameron nie musiał czekać do postprodukcji, aby zobaczyć CGI. Mógł patrzeć przez monitor. Widział Na’vi w dżungli. Zobaczył oświetlenie. Widział skład. Wszystko dzieje się w czasie rzeczywistym. Pozwala to reżyserowi wykadrować ujęcie tak, jakby postać rzeczywiście tam była. Poprawił kąt kamery. Zmienił oświetlenie. Dawał instrukcje na podstawie tego, co widział, a nie tego, co sobie wyobrażał.
Peter Jackson zastosował tę samą technikę w Hobbicie: Niezwykła podróż (2012). W rezultacie postprodukcja nadal trwała długo. Ostateczne polerowanie trwało kilka miesięcy. Ale co z reżyserią? Stało się to tego samego dnia. Grafika na stronie z roku na rok jest coraz lepsza. Luka pomiędzy wizją a wykonaniem się zmniejsza.
Dolina Niesamowitości i nie tylko
Makiety wykorzystuje się nie tylko w filmach fabularnych. Stworzył cały świat. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) było próbą stworzenia filmu w pełni animowanego. Wyglądało to bardzo realistycznie. Ale to było złe. Bohaterowie znaleźli się w „pięknej dolinie”. Wyglądali jak ludzie, ale było w nich coś nie tak. Oczy nie do końca podążały za spojrzeniem. Skóra nie do końca „oddychała”.
Robert Zemeckis próbował ponownie w „Ekspresie polarnym” (2004) i „Beowulfie” (2007). Więcej szczegółów. Bardziej realistyczne. Jednak publiczność była niezdecydowana. Technologia istniała. Dusza w ogóle nie odpowiadała skorupie.
Ale skargi słabną. Nowa animacja nie wywołuje aż tak pierwotnego niepokoju. Renderowanie stało się szybsze. Zwiększyła się szczegółowość. Granice pomiędzy człowiekiem a obiektem cyfrowym zacierają się. Dotyczy to nie tylko sportu. Uwaga.
Fazę nowości mamy już za sobą. Markery zniknęły z pola widzenia. Kaski stały się cieńsze. Aparaty właśnie stały się inteligentniejsze. Reszta to historia. I aktorzy.
Przyszłość nie należy do najlepszych garniturów. Przyszłość jest niewidzialna. Kiedy zapomnisz, że aktorzy mają na sobie swój sprzęt. Kiedy zapomnisz, że postać nie jest prawdziwa. To wszystko.
Jesteśmy tego bardzo blisko.
Przechwytywanie ruchu pozwala robić rzeczy, których rotoskopia nie jest w stanie zrobić. Zamienia aktorów w żywe istoty. W jakichkolwiek żywych istotach. Fabuła dyktuje formę, a technologia zapewnia jej realizację. Nikt nie spędza godzin w fotelu wizażysty. Żadnych ciężkich ubrań krępujących ruchy. Wynik wygląda bardzo realistycznie. Ruchy wyglądają naturalnie.
Zapytaj jednak o koszt. To jest drogie. I nie zawsze jest to właściwe narzędzie do konkretnego zadania.
Większość filmów opiera się na efektach, których nie zauważasz. Mikrofon jest wyjmowany z ramy. Nagrywanie sceny ze śniegiem wiosną i dodawanie śniegu w postprodukcji. To są niewidoczne poprawki. Utrzymują iluzję, nie zamieniając wszystkich postaci w modele CGI. Nie każda historia potrzebuje cyfrowego bliźniaka.
W tym miejscu staje się interesująca debata pomiędzy rotoskopią a przechwytywaniem ruchu. Obie metody oddają duszę aktora w animowanym ciele. Ręcznie śledzi się ramki. Inny rejestruje ruch kości i deformację skóry. Ale służą różnym celom.
Dlaczego rotoskopia jest nadal ważna
Dzięki narzędziom cyfrowym możesz szybciej uzyskać wyniki. Tańsze. Bardziej realistyczny niż kiedykolwiek wcześniej. Rotoskopia może wydawać się przestarzała. Technika z epoki animacji rysunkowej.
To jest błędne.
Pozostaje użyteczną bronią w arsenale reżysera. Czasami potrzebny jest określony styl wizualny. Wymarzona mgła. Zmieniająca się rzeczywistość. Richard Linklater użył go w Waking Life i Darkscanner. Styl staje się treścią.
Rotoskopia to nie tylko styl. Chodzi o przetrwanie.
To jest także ubezpieczenie. Kiedy scena poszła nie tak. Kiedy praktyczny efekt zawiódł. Gdy kompozycja wymaga idealnie precyzyjnego cięcia. Animator wyjął swój tablet. Klatka po klatce. To męczące. To pewne. To działa.
Kiedy wybrać tę czy inną metodę?
Którą metodę zatem wybrać?
Jeśli potrzebujesz realistycznych ludzi i stworzeń, które poruszają się z naturalną wagą i podlegają grawitacji, rozwiązaniem będzie przechwytywanie ruchu. Rejestruje mikroekspresję twarzy. Subtelne zmiany postawy. Aktorzy nie tylko podkładają głos pod postacie zgodnie z harmonogramem. Oni są na scenie.
Jeśli chcesz abstrakcji artystycznej. Lub jeśli chcesz poprawić nieudane strzelanie praktyczne. Rotoskopia jest nadal królem. Oferuje kontrolę. Kontrola na poziomie pikseli.
Zmieniło się także kręcenie filmów akcji na żywo. Teraz możesz kręcić nawet niebezpieczne sceny. Za drogie. Albo takie, które w realnym świecie są niemożliwe. Dzięki cyfrowemu komponowaniu jest to możliwe. Jednak wybór między śledzeniem klatek a śledzeniem kości zależy od Twoich celów.
Chcesz realizmu? A może pragniesz emocji?
Narzędzia te są lepsze niż kiedykolwiek wcześniej. Twoje możliwości się poszerzają. Ale cel pozostaje ten sam. Spraw, aby było to wiarygodne. Spraw, żeby to zadziałało.
