Фильмы всегда были о преодолении границ. С конца XIX века режиссеры гнались за новым большим адреналином. Жорж Мельес был одним из первых, кто экспериментировал с фотографией. Он снимал короткометражные фильмы, которые нарушали законы физики. В своем фильме 1898 года «Человек с отрубленной головой» (Un Homme de Tête) он показал, как отрубает себе голову и складывает ее на столе. Спустя два года он отправил человека на Луну с помощью ракеты в форме пули. Это очень дико. Это так мечтательно.
Но не все хотят магии. Некоторые хотят движения, которое кажется аутентичным.
Анимация также зародилась довольно рано. Эмиль Коль создал «Фантазмагорию» в 1908 году. Он нарисовал сотни простых эскизов на бумаге и сфотографировал их. Это был первый полностью анимированный мультфильм. Уинзор Маккей представил динозавра Гертруду в 1914 году. В его работе использовались тысячи кадров. Его движения были более плавными, чем у большинства мультфильмов того времени. Однако большая часть ранних анимаций была нестабильной и грубой.
Затем возникает парадокс. Фильмоделы хотят и невозможного, и правдоподобного. Они пытаются приблизить мультфильмы к реальной жизни. Для этого они изобрели техники, которые используются до сих пор. Это называется ротоскопированием. Оно было разработано почти сто лет назад и изменило то, как мы видим движение на экранах.
Что такое ротоскопирование? Почему это важно?
Хотя концепция ротоскопирования проста, на практике ее сложно реализовать. Это очень трудоемкий процесс. Требуются специальные инструменты. Основная идея проста. Вы снимаете материал с живыми актерами. Снимаете движущихся актеров или объекты. Затем обводите этот материал кадр за кадром. Из этой обводки можно создать анимацию.
Это применимо не только к мультфильмам. Может использоваться для спецэффектов в фильмах с живыми актерами. Можно отделить элементы. Возможно создание сцен, которых не существует в реальности.
Ротоскопирование устраняет разрыв между съемкой с живыми актерами и рисованной анимацией. Оно захватывает физику реального движения и применяет ее к вашим нарисованным персонажам.
Некоторые в индустрии анимации считают это обманом. Они говорят, что если вы не рисуете все с нуля, это не «настоящая» анимация. Компьютерная графика (CGI) заменила многие старые технологии. Но ротоскопирование не мертво. Это все еще полезный инструмент. Это преимущество для аниматоров и режиссеров, которые хотят реалистичного движения без угадывания.
Происхождение ротоскопирования
История начинается с Макса Флейшера. Он был аниматором в 1910-х годах. Он хотел, чтобы персонажи двигались естественно. Он не хотел жестких, дерганых движений, характерных для ранних мультфильмов. Ему нужно было решение.
Его решением стал ротоскоп. Это было устройство, которое могло проецировать отрывки фильма на стеклянную панель. Можно рисовать на пластине, наблюдая за видео. Таким образом, можно мгновенно точно обвести движение.
Первым персонажем, использующим эту технику, была Бетти Буп. Она появилась в серии «Talkartoons». Ее движения плавные. Кажется, что танцует настоящий человек. Это большой шаг вперед. Это придает мультфильмам больше правдоподобия. Это также весело.
Ротоскоп используется не только для персонажей. Он также применяется для элементов фона. Например, в «Белоснежке»
Макс Флейшер — это больше, чем просто художник. Он также является техногиком, и был им задолго до того, как само это слово появилось. Будучи редактором по искусству журнала Popular Science Monthly, он был одержим тем, как работают вещи. Стандартная анимация казалась ему неестественной. Он стремился к плавности. Реализму. Так он изобрел ротоскоп. Это способ объединить мультяшное действие с основами реальной физики.
Он работает не в одиночку. Флейшеры — семья. Макс собрал своих братьев Дэйва, Джо, Лу и Чарли, чтобы создать прототип. Прежде чем голливудские студии успели осознать происходящее, они уже возились с оборудованием и стеклом. Макс подал заявку на патент в 1915 году. Патент был выдан два года спустя, в 1917 году. Механизм прост, но новаторски.
Клоун на крыше
Первые испытания проводились не в студии. Они проходили на крыше многоквартирного дома в Нью-Йорке. Погода не имела значения. Важным был свет.
Они принесли ручной проектор. Они превратили его в камеру. Дэйв был одет в костюм клоуна. Его мать сшила этот наряд своими руками. Они сняли более минуты пленки. Дэйв двигался. Он танцевал. Он позировал.
Затем началась трассировка. Братья собрали устройство ротоскопа. Оно проецировало кадр за кадром через стеклянную панель мольберта. Макс поместил кальку на другую сторону. Он обводил изображение.
Кадр за кадром. Он рисовал, затем перемещал пленку к следующему кадру и рисовал снова. В патенте также описывается механизм с тянущимся шнуром, чтобы художнику не нужно было тянуться к рычагу. Эффективность. Вот цель.
Как только рисунок завершен, его нужно сфотографировать. Макс использует тот же проектор и на этот раз снова настраивает его как камеру. Он вручную снимает и надевает крышку объектива. щелчок. чтобы коснуться щелчка. следующий кадр. Это физическая работа. Точный труд.
Они проявили пленку. Они воспроизвели ее. Все получилось. Анимированные движения клоуна ожили. Им оказался Коко. Персонаж, который определил целую эпоху.
От Коко к Супермену
Макс начал снимать анимационные ролики. Дэйв начал режиссуру. Примерно в 1919 году они выпустили «Out of the Inkwell». Коко-Клоун игнорирует гравитацию и выпрыгивает из чернильниц. Однако ротоскоп стабилизировал его движения.
Студия продолжает расти. В 1930-х годах у них появилась Бетти Буп. Следом вышел Попай. В 1940-х годах появился «Супермен». Эти короткометражки были дорогими. Они также отличались визуальной детализацией. Ротоскоп позволял им создавать реалистичные движения людей, преувеличивая при этом мимику. Можно было передать вес реального тела и динамику панели комикса.
В центре всего этого стоит Кэб Кэллоуэй. В трех мультфильмах о Бетти Буп используется ротоскопированная запись джазового певца: Minnie the Moocher, The Old Man of the Mountain и Snow White. Первые два фильма начинались с кадров с живыми актерами, на которых изображены Кэллоуэй и его оркестр. Minnie the Moocher содержит самые ранние известные записи выступления Кэба Кэллоуэя. Можно увидеть, как движения джазовой легенды были перенесены на Бимбо и других персонажей. Связь между съемками с живыми актерами и анимацией была бесшовной. Это было жутковато.
Первый эксперимент полнометражного формата
Ротоскоп используется не только для короткометражек. Он применялся студией Флейшер в фильме «Путешествия Гулливера». Выпущенный в 1939 году, он стал вторым полнометражным анимационным фильмом, снятым в США. Первым был «Белоснежка» от Disney, но работа Флейшеров имеет другую фактуру. Динамичная кинематография придает персонажам ощущение тяжести. Присутствие. Это не просто мультяшная логика. Это человеческая логика, отфильтрованная через чернила.
Технология распространилась. Другие аниматоры тоже обратили на нее внимание. Они хотят этого подлинного качества. Однако Флейшеры запатентовали процесс. Они контролируют средства производства. Было время, когда, если вы хотели получить ротоскопированные движения, вам приходилось ехать в Нью-Йорк. Вы платили плату. Вы получали реализм.
Это изменило то, как аудитория воспринимала комиксы. Они больше не были просто рисунками. Они стали выступлениями. Записанными, обведенными по контуру и заново анимированными. Граница между реальным миром и миром аниме размывается. Коко был только началом. Звездой стала технология.
Ротоскоп не просто копирует движения. Он захватывает душу движения.
Его наследие можно увидеть и сегодня. Современные аниматоры до сих пор используют этот инструмент. Вместо того чтобы заменять творчество, он закрепляет его. Когда персонажи выглядят реалистично, даже в фэнтезийном мире, обычно это благодаря работе ротоскопа.
Disney просто не смогли придумать, как заставить «Белоснежку» работать. Сначала они сняли реальных людей.
Марджори Селест Бэлчер (позже известная как Мэгги Шампион) исполнила роль Белоснежки. Луис Хайтауэр — принца. Актеры Эдди Коллинз и Билли Хаус сыграли Глупыша и Доктора. Дон Броди переоделся и принял облик замаскированной королевы. Эти актеры снимались в базовых сценах. Их движения были зафиксированы.
Затем аниматоры прорабатывали ключевые кадры. Они создаются в начале и в конце действия. Промежуточные кадры? Они рисовались вручную на прозрачных ячейках (целлулоидах). Это был смешанный процесс. Реальная жизнь превращалась в мультфильм.
Это не было разовым экспериментом. Disney применили тот же подход в «Питере Пэне». Хэнс Конрид озвучил мистера Дарлинга и капитана Крюка. Бадди Эбсен сыграл пирата. Танцор Роланд Дюпри исполнил роль Питера Пэна. Маргарет Керри стала физической моделью для Тинкер Белл. За этим последовали другие фильмы студии. Студия создавала фантастические миры, основанные на съемках с реальными актерами.
Дискуссия о реализме
Ротоскопирование вызвало споры. Некоторые критики называют это читерством. Ускоренным путем. Они утверждают, что персонажи, созданные на основе реальных людей, выглядят иначе, чем традиционно анимированные животные. Такое движение кажется жутковатым. Или слишком неестественным.
Disney пытались скрыть этот прием. На премьере «Белоснежки» Бэлчер сидела на балконе. В стороне от толпы. Ей сказали не говорить о своей роли. Она даже не знала, что ее изображение было получено методом ротоскопирования. Прошли десятилетия, прежде чем она узнала правду. Секрет был раскрыт только после посещения выставки Disney.
Но результаты говорят сами за себя. «Белоснежка» стала шедевром. Это все еще классика. Споры потускнели на фоне ее успеха.
За пределами Disney: интенсивное ротоскопирование
Другие студии также не сторонились этого приема. Некоторые даже активно его использовали. Интенсивное ротоскопирование может придать фильму вид живой съемки, поверх которой нанесена живопись.
В фильме «Желтая подводка» (1968) группы The Beatles прозвучала песня «Lucy in the Sky with Diamonds». В нем использовалось очевидное ротоскопирование.
Ральф Бакши построил карьеру на этом приеме. Он использовал эту технику в фильме «Волшебники» (1977). За ним последовал «Властелин колец» (1978). Далее вышел «Американский поп» (1981). Знаменитая серия была завершена фильмами «Огонь и лед» (1983) и «Холодный мир» (1992). Компания Columbia Pictures при анонсе «Американского попа» преуменьшала значение динамичной кинематографии. Возможно, они опасались, что зрители подумают, что это обман. Вместо этого это придало фильму уникальное, сновидческое качество.
Музыкальные клипы и цифровое развитие
В 1980-х годах ротоскопирование вошло в музыкальные клипы. Ярким примером стал клип группы A-Ha «Take On Me» (1985). Живые кадры чередуются с небрежной анимацией в стиле комиксов. Эффект потрясающий. Он соответствовал энергии песни.
В том же году группа INXS использовала этот прием в клипе «What You Need». В видео были добавлены анимация и цветовые эффекты. Это уже не только полнометражные фильмы. Это короткоформатное визуальное повествование.
Ричард Линклейтер продвинул этот прием еще дальше. Фильмы «Пробуждение жизни» (2001) и «Сканер затемно» (2006) были сняты с реальными актерами. Затем они были превращены в анимацию. Этот процесс называется интерполяционным ротоскопированием. Боб Сабистон, студент Массачусетского технологического института, создал программное обеспечение, которое интерполирует изображения между ключевыми кадрами. Это ускоряет работу. Создается плавный, плывущий результат. Аниматоры могут сосредоточиться на выражении эмоций, а не на ручной работе над каждым кадром.
Почему это все еще важно
Ротоскопирование — это не просто историческая сноска. Аниматоры до сих пор используют его, чтобы изучать движение с нуля. Оно учит тому, как тела двигаются в реальном пространстве.
Его также используют в фильмах с живыми актерами. Оно не ограничивается мультфильмами. Это инструмент, стирающий грань между реальностью и воображением. Граница между ними никогда не была такой размытой. Или такой интересной.
Аналоговое искусство путешествующих матов
Забудьте о глянцевой цифровой ротоскопировке современного CGI. Создание оригинальных световых мечей «Звездных войн» и ужасов из «Птиц» Альфреда Хичкока — это грязная, ручная и изматывающая работа. В эпоху аналоговых технологий дело не сводилось лишь к обводке анимационных клеток. Речь шла о композитинге — сращивании различных элементов, которые никогда раньше не находились в одной комнате.
Режиссер, вероятно, хочет, чтобы герой стоял на павильоне с настоящим океаном позади него и выглядел напуганным. Или, возможно, им нужен был взрыв, слишком опасный для актера. Речь не просто о том, чтобы направить камеру. Нужно было рисовать.
Рисование пустоты
Рабочий процесс — это физический кошмар. Вам нужно взять пленочную катушку, проецировать каждый кадр на стеклянную пластину и рисовать его вручную.
кадр за кадром.
Если вы хотите отделить человека от фона, вы можете обвести контур человека на прозрачной клетке. Затем закрасьте остальные клетки, чтобы создать матовую поверхность (маску). Эта маска накладывается поверх фоновой пленки. Закрытая черным область скрывает фон и оставляет прозрачное окно для актера на переднем плане.
Однако вам понадобится несколько катушек. Нам нужна исходная пленка, черная маска и «негатив» этой маски.
Вот в чем хитрость:
- Проведите экспозицию фоновой пленки с черной маской перед ней. Это прожжет фон, кроме тех частей, которые скрыты маской.
Снова проведите экспозицию того же кадра, но на этот раз поместите негативную маску перед актером на переднем плане. Прозрачное пятно на негативной маске позволит актеру просвечивать ровно там, где закрыт фон.
Это торт, сложенный из света и краски. И вы должны делать это 24 раза в секунду.
Путешествующий мат
Обычная пленка формата 35 мм движется со скоростью 24 кадра в секунду. Это составляет 1440 кадров каждую минуту. Давайте посчитаем. Если сцена длится одну минуту, нужно нарисовать 1440 отдельных масок.
А объект движется.
Статичные объекты — легко. Человек идет? Взрыв расширяется? Это путешествующий мат. Форма и положение меняются от кадра к кадру. Если рука актера сдвигается на 2 дюйма влево в кадре 50, отверстие в маске в кадре 50 должно быть перерисовано. Если вы промахнетесь хотя бы на миллиметр, композитное изображение станет дерганым. Выглядит неестественно. Зритель видит дрожание, и чары рассеиваются.
Точность или ничего
Речь не только о контурах. Освещение должно идеально совпадать с фоном. Если на фоновой пленке заходит солнце, а актеров освещают флуоресцентные лампы, композитное изображение будет выглядеть как наклейка на открытке. Цветокоррекция позже может помочь, но она не исправит плохую обводку.
Все должно быть отрегулировано физически. Пленки, маски, объективы проектора. Достаточно одного промаха, пылинки на стекле — и все меняется. Результатом становится дрожащий, призрачный беспорядок.
Уборка беспорядка
Помимо взрывов в блокбастерах, эта технология служила и более скромным целям. Она устраняла ошибки.
Вы когда-нибудь задумывались, как убрать тень от микрофона-«журавля»? Или страховочные тросы, удерживающие канат для трюка? Или просто маленькие белые маркеры разметки на полу? Ротоскопирование могло обвести эти вторжения, создать маски для их блокировки и заполнить пробелы чистой фоновой пленкой. Это сохраняет иллюзию. Вы не видите механизмы. Вы видите магию.
Цифровое наследие
Мы больше не рисуем кистью. Компьютеры могут создавать эти путешествующие маты за секунды, используя искусственный интеллект и обнаружение краев. Ручного труда больше нет. Физические катушки отправлены в архив. Но логика остается. Мы по-прежнему отделяем передний план от фона. Мы по-прежнему занимаемся композитингом.
Мы просто делаем это быстрее. И дешевле.
Конечно, конечный результат чище. Но будет ли он таким же душевным, как ручная матовая отделка, на которую ушла неделя? Вероятно, нет. Но, с другой стороны, это не обычный фильм Marvel.
Компьютеры уменьшились в размерах. Они стали быстрее. Они стали дешевле. Эта аппаратная революция изменила не только способ монтажа, но и фундаментально перестроила создание спецэффектов.
С помощью CGI можно заставить пройти проверку на реалистичность почти любой объект. А как насчет ротоскопирования? Раньше это была тяжелая физическая работа. Теперь, благодаря цифровым инструментам, работа идет быстрее, чем когда-либо. Тратьте меньше времени на обводку и больше — на творчество.
Цифровой верстак
Философия осталась прежней, но изменилась среда. Стеклянный стол больше не нужен. Больше не нужно накладывать физические анимационные ячейки на проецируемые пленочные барабаны.
Современные рабочие процессы работают с виртуальными слоями. Один слой содержит оцифрованный видеоклип. Другой — вашу роспись. Третий — эффекты. Нет необходимости фотографировать результат. Вы экспортируете цифровой файл.
Графическое программное обеспечение имитирует старые приемы. Вы можете рисовать в кадре с помощью мыши, трекпада или графического планшета. Хотите традиционную ротоскопическую анимацию? Оставьте видимым исходный пленочный кадр. Хотите убрать его? Останется только анимация. Или создавайте сложные маски, чтобы интегрировать сфотографированные или сгенерированные компьютером объекты в вашу сцену.
Матты обычно рисуются в отдельных кадрах. Используйте инструмент выделения. Используйте инструмент росписи. Здесь пригодятся сплайны. Это кривые с перетаскиваемыми точками. Если вы корректируете сплайн в одном кадре, его легче скорректировать в следующем, чем перерисовывать с нуля.
Автоматизация и контроль
Это программное обеспечение делает больше, чем просто рисует изображения. Оно обрабатывает движения за вас.
Отслеживайте положение от кадра к кадру. Укажите программе, где находится объект в первом кадре и где он находится в десятом. Позвольте программному обеспечению выполнить интерполяцию между ними. Оно определит, что должно быть там.
Современные программы все чаще способны распознавать формы. Они обводят и маскируют объекты по нескольким кадрам. Вам не нужно обводить каждое ребро. Это экономит много времени.
Цветовые коррекции можно вносить немедленно. Морфинг одного объекта в другой. Размытие краев нажатием одной кнопки. Копирование части экрана. Этот инструмент клонирования поможет вам очищать декорации. Нужно убрать кабель? Скопируйте небо или стену и закрасьте им провод. Сделайте так, чтобы он никогда не существовал.
Ландшафт программного обеспечения
Инструменты ротоскопирования не появились в одночасье. Раннее программное обеспечение для этой работы начало появляться в 1990-х годах. Colorburst. Commotion. Matador.
Сегодняшний список еще длиннее. Инструменты мощнее.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Mocha от Imagineer Systems
- Silhouette
- Flame и Smoke от Autodesk
- Fusion от Blackmagic
- Nuke, Ocula и Mari от The Foundry
Некоторые из них требуют аппаратного обеспечения корпоративного уровня.
Дорогой компьютер.
Дорогие лицензии. Другие, такие как пакет Adobe, доступны.
Даже любители с хорошим ноутбуком могут войти в эту игру. Независимые кинематографисты больше не остаются позади.
Ключевание по цвету против ротоскопирования
Вы можете задаться вопросом, как цифровое ротоскопирование сравнивается с еще одним крупным игроком в области визуальных эффектов: ключеванием по цвету.
Цветовое ключевание зависит от определенных оттенков. Вы изолируете цвет (обычно зеленый или синий). Это очень быстро. Это эффективно для больших фонов. Однако оно дает сбой, если объекты имеют тот же цвет.
Цвет не имеет значения при ротоскопировании. Здесь важны края.
В цифровую эпоху границы между этими подходами размываются. Программное обеспечение теперь может выполнять ключевание по цвету * и * ротоскопирование краев в одном рабочем процессе. Операции ключевания выполняются на заднем плане. Ротоскопирование — на переднем плане. Эти инструменты могут решить обе проблемы.
Какой метод вы выберете?
Зависит от кадра. Зависит от сложности. Зависит от того, сколько у вас времени.
Но одно ясно. Физические барьеры исчезли. Стеклянный стол покрылся пылью. Наступила новая эра. Работы, созданные с помощью кода.
Забудьте о кропотливой покадровой обводке при работе с ротоскопированием. На протяжении десятилетий художники по визуальным эффектам полагались на цветовое ключевание (chroma keying), чтобы комбинировать цифровые элементы с натурными съемками. Эта технология стоит за каждым кадром с синим экраном или зеленым экраном, который вы когда-либо видели, и стала настоящим прорывом, когда впервые была использована в фильме «Вор из Калькутты» (The Thief of Bagdad) в 1940 году.
Однако у Disney есть свое секретное оружие. Они использовали не синий или зеленый цвет. Актеры снимались на фоне чисто белого фона и освещались только натриевыми лампами. Этот уникальный метод позволяет избежать теней и создавать чистые маски для таких классических фильмов, как «Мэри Поппинс возвращается», «Ловушка для родителей» и «Безумный профессор».
Восхождение зеленого над синим
Почему зеленый цвет вытеснил синий? Это связано с цифровыми сенсорами. Когда постпродакшн перешел с пленки на пиксели, зеленый цвет стал стандартом. Цифровые камеры могут захватывать детали в зеленом спектре легче, чем в синем, а освещение зеленой стены дешевле и проще, чем синей.
Процесс прост. Вы снимаете актеров на однотонном фоне. Затем программное обеспечение создает движущуюся маску, удаляя этот цвет (или, точнее, удаляя все цвета, кроме него). Автоматическое разделение элементов переднего и заднего планов. Больше нет необходимости вручную обводить каждый край по кадрам.
«Это устраняет необходимость вручную обводить и маскировать элементы по кадрам, что делает процесс гораздо проще.»
Но это не магия. Правила строгие. Актеры не могут носить костюмы, совпадающие по цвету с фоном. Если главный герой в зеленой куртке стоит перед зеленым экраном, его тело просто исчезнет. Кроме того, поскольку объекты в реальном мире редко бывают монохромными, часто возникает «просачивание» (bleeding), когда слабые следы цвета фона проникают в объект. Чтобы решить эту проблему, требуется сильная цветокоррекция.
Когда ключевание дает сбой
Цветовое ключение эффективно, но не безупречно. Иногда руки актера выходят за пределы комфортной зоны. Иногда реквизит попадает в зону действия синего экрана. Когда это происходит, на сцену выходит ротоскопирование как инструмент для устранения ошибок.
Если кто-то выходит за пределы области, где применяется ключевание, художники возвращаются к инструментам ротоскопирования. Они вручную создают движущуюся маску для тех частей, которые не удалось отделить с помощью программного обеспечения. Это гибридный подход. Используйте ключевание для основного контента и ротоскопирование для исправления ошибок.
Захват движения против ротоскопирования
Захват движения, часто называемый мокапом (mocap) или, в последнее время, захватом игры (performance capture), — это не просто новая технология. Это цифровая эволюция старых методов, таких как ротоскопирование и использование «зеленого экрана». Цель остается прежней: интеграция новых движущихся элементов (обычно актеров) в сцену. Если ротоскопирование предполагало обводку по пленке, то захват движения требует создания 3D-кадра с нуля. Это все равно что разница между рисованием лица на доске и лепкой скелетной структуры под ним.
Эта технология появилась в середине 1990-х годов. Изначально она предназначалась для научных целей. Исследователи хотели изучать движение. Именно тогда Голливуд обратил на нее внимание. Начальная настройка была сложной. Актеры надевали костюмы с отражающими маркерами. Они выполняли сцену в одиночку в студии. Камеры окружали их. Данные сохранялись в программном обеспечении. Появлялась 3D-модель. Аниматоры добавляли лица, одежду и «душу» уже на этапе постпродакшна.
Это было идеально для первых экспериментов. Тень Бэтмена в фильме «Бэтмен навсегда» (1995). Толпа в фильме «Титаник» (1996). Джар-Джар Бинкс в «Звездных войнах. Эпизод I: Скрытая угроза» (1999). Затем появился Голлум. Его роль исполнил Энди Серкис. Это изменило всё. Это доказало, что цифровые персонажи могут обладать эмоциональной весомостью.
Но индустрия на этом не остановилась. Каждый блокбастер требует лучшего.
Лицо игры
Самое большое достижение — это захват мимики. Ранние версии использовали маркеры на лице. Это выглядело очень неестественно. Фальшиво. Затем появились «Кинг-Конг» (2005) и «Пираты Карибского моря: Сундук мертвеца» (2006). Дэви Джонс стал пионером. Однако «Аватар» (2009) значительно изменил правила игры.
Режиссер Джеймс Кэмерон хотел большего, чем просто экшен. Он стремился к микро-выражениям лица. Он использовал шлемы с камерами, направленными на лица актеров. Их кожа была покрыта точками-маркерами. Камера записывала каждое подергивание. Каждое моргание. Каждое движение губ. Это не просто физические данные. Это данные об игре.
Актеры по-прежнему носили костюмы с инфракрасными светодиодами. Они все еще находились в съемочных павильонах студии Weta Digital. Но наконец они могли видеть друг друга. Они могли реагировать. Программное обеспечение брало сырые данные и накладывало их на персонажей-на’ви. Аниматорам больше не нужно было гадать, как должно выглядеть тонкое гримасничание. Вот и всё. Захвачено. Искренне.
Сравните это с ранними днями. В «Властелине колец» большая часть лица Голлума анимировалась вручную, при этом информация о теле использовалась как ориентир. В «Аватаре» лицо — это и есть игра. Разница важна. Это разница между марионеткой и человеком.
Реализм на натуре
Технология вышла из студии. В «Пиратах Карибского моря: Сундуке мертвеца» Билл Найи появился в кадре вместе с актерами. Он был в том самом костюме. На нем были маркеры. Но съемки проходили на площадке. Он взаимодействовал с Орландо Блумом и Кирой Найтли. Позже Industrial Light & Magic добавили CGI-щупальца. Взаимодействие было реальным.
К 2011 году в фильме «Восстание планеты обезьян» прогресс стал еще более заметным. Цезаря, которого вновь сыграл Энди Серкис, снимали на природе. Натурные съемки. Естественный свет. Инфракрасные светодиоды и камеры на шлемах сделали всё остальное. «Дawn планеты обезьян» (2014) улучшил этот процесс. Окружающая среда реальна. Все исполнители реальны. Обезьяны были реальны, но способ их создания не имел прецедентов.
Видение невидимого
Возможно, самое разрушительное нововведение исходит от «Аватара». Виртуальные камеры.
Кэмерону не нужно было ждать постпродакшна, чтобы увидеть CGI. Он мог смотреть через монитор. Он видел на’ви в джунглях. Он видел освещение. Он видел композицию. Всё в реальном времени. Это позволяет режиссеру ставить кадр так, будто персонаж действительно находится там. Он регулировал угол камеры. Он менял освещение. Он давал указания, основываясь на том, что видит, а не на том, что представляет.
Питер Джексон использовал ту же технику в «Хоббите: Нежданное путешествие» (2012). В результате постпродакшн все еще занимал много времени. Финальная полировка заняла несколько месяцев. Но что касается режиссуры? Это происходило в тот же день. Графика на площадке становится лучше с каждым годом. Разрыв между видением и исполнением сокращается.
Долина жуткости и за её пределами
Мокап используется не только в игровом кино. Он создал целый мир. «Последняя легенда» (Final Fantasy: The Spirits Within, 2001) была попыткой создать полностью анимационный фильм. Выглядело очень реалистично. Но ощущалось неправильно. Персонажи попадали в «прекрасную долину». Они выглядели как люди, но в них было что-то не так. Глаза не совсем следовали за взглядом. Кожа не совсем «дышала».
Роберт Земекис попробовал снова в «Полярном экспрессе» (2004) и «Беовульфе» (2007). Больше деталей. Более реалистично. Тем не менее, зрители колебались. Технология существовала. Душа совсем не соответствовала оболочке.
Но жалобы ослабевают. Новая анимация не вызывает такой первобытной тревоги. Рендеринг стал быстрее. Детализация возросла. Границы между человеком и цифровым объектом размываются. Это касается не только спорта. Пожалуйста, обратите внимание.
Мы прошли фазу новизны. Маркеры исчезли из виду. Шлемы стали тоньше. Камеры стали просто умнее. Остальное — история. И актеры.
Будущее не в лучших костюмах. Будущее — в невидимости. Когда вы забываете, что актеры одеты в свое снаряжение. Когда вы забываете, что персонаж ненастоящий. Вот и всё.
Мы очень близки к этому.
Захват движения позволяет делать то, что не может ротоскопирование. Он превращает актёров в живых существ. В любых живых существ. Сюжет диктует форму, а технология обеспечивает её реализацию. Никто не проводит часы в кресле визажиста. Никакой тяжёлой, ограничивающей движения одежды. Результат выглядит очень реалистично. Движения выглядят естественно.
Однако узнайте о стоимости. Это дорого. И это не всегда правильный инструмент для конкретной задачи.
Большинство фильмов полагаются на эффекты, которые вы не замечаете. Микрофон убирают из кадра. Съёмка сцены со снегом весной с последующим добавлением снега на постпродакшне. Это невидимые исправления. Они сохраняют иллюзию, не превращая всех персонажей в CGI-модели. Не каждой истории нужен цифровой двойник.
Именно здесь спор между ротоскопированием и захватом движения становится интересным. Оба метода передают душу актёра в анимированном теле. Один вручную обводит кадры. Другой записывает движение костей и деформацию кожи. Но они служат разным целям.
Почему ротоскопирование всё ещё важно
С помощью цифровых инструментов можно получать результаты быстрее. Дешевле. Более реалистично, чем когда-либо прежде. Может показаться, что ротоскопирование устарело. Техника эпохи рисованной анимации.
Это не так.
Она остаётся полезным оружием в арсенале режиссёра. Иногда вам нужен определённый визуальный стиль. Мечтательная дымка. Изменяющаяся реальность. Ричард Линклейтер использовал её в фильмах «Пробуждение жизни» и «Сканер тьмы». Стиль становится содержанием.
Ротоскопирование — это не только про стиль. Это про выживание.
Это также страховка. Когда сцена не удалась. Когда практический эффект дал сбой. Когда композитинг требует идеально точной вырезки. Аниматор доставал свой планшет. Кадр за кадром. Это утомительно. Это точно. Это работает.
Когда выбирать тот или иной метод?
Итак, какой метод вам выбрать?
Если вы хотите реалистичных людей и существ, движущихся с естественным весом и подчиняющихся гравитации, ответом будет захват движения. Он фиксирует микровыражения лица. Тонкие изменения позы. Актёры делают больше, чем просто озвучивают персонажей по графику. Они находятся в сцене.
Если вы хотите художественной абстракции. Или если нужно исправить неудачную практическую съёмку. Ротоскопирование всё ещё король. Оно предлагает контроль. Контроль на уровне пикселей.
Производство фильмов с участием живых актёров также изменилось. Теперь можно снимать даже опасные сцены. Слишком дорогие. Или те, которые невозможны в реальном мире. Цифровой композитинг делает это возможным. Однако выбор между отслеживанием кадров и отслеживанием костей зависит от ваших целей.
Вы хотите реализм? Или вы хотите эмоции?
Эти инструменты лучше, чем когда-либо прежде. Ваши возможности расширяются. Но цель остаётся прежней. Сделать это правдоподобно. Сделать это работающим.
