Os filmes sempre trataram de cruzar fronteiras. Desde o final do século 19, os diretores buscam a próxima grande emoção. Georges Méliès foi uma das primeiras pessoas a experimentar a fotografia. Ele faz curtas-metragens que desafiam a física. Seu filme de 1898, Un Homme de Tête, mostrava-o cortando a própria cabeça e empilhando-a sobre uma mesa. Dois anos depois, ele enviou um homem à Lua usando um foguete em forma de bala. É muito selvagem. Isso é tão sonhador.
Mas nem todo mundo quer magia. Algumas pessoas querem um movimento que pareça autêntico.
A animação também começou bem cedo. Émile Cohl criou Fantasmagorie em 1908. Ele desenhou centenas de esboços simples no papel e os fotografou. Foi o primeiro desenho animado totalmente animado. Winsor McCay apresentou o dinossauro Gertie em 1914. Milhares de molduras foram usadas em seu trabalho. Seus movimentos eram mais suaves que a maioria dos desenhos animados da época. No entanto, a maioria das primeiras animações eram instáveis. grosseiro.
Surge então um paradoxo. Os cineastas querem tanto o impossível quanto o verossímil. Eles tentam aproximar os desenhos animados da vida real. Para fazer isso, eles inventaram técnicas que ainda hoje são utilizadas. Isso é chamado de rotoscopia. Foi desenvolvido há quase cem anos e mudou a forma como vemos o movimento nas telas.
O que é rotoscopia? Por que isso é importante?
Embora o conceito de rotoscopia seja simples, é difícil de implementar na prática. Isso consome muito tempo. Requer ferramentas especiais. A ideia básica é simples. Você filma material live-action. Fotografe atores ou objetos em movimento. Em seguida, trace a filmagem quadro a quadro. Você pode criar animações a partir do rastreamento.
Isso não se aplica apenas aos desenhos animados. Pode ser usado para efeitos especiais em filmes de ação ao vivo. Você pode separar elementos. É possível sintetizar cenas que não existem na realidade.
A rotoscopia preenche a lacuna entre a ação ao vivo e a animação desenhada. Capture a física do movimento real e aplique-a aos seus personagens desenhados.
Alguns na indústria da animação veem isso como trapaça. Dizem que se você não desenhar tudo do zero, não será uma animação “real”. Imagens geradas por computador (CGI) substituíram muitas tecnologias mais antigas. Mas a rotoscopia não está morta. Ainda é uma ferramenta útil. Esta é uma vantagem para animadores e cineastas que desejam movimentos realistas sem suposições.
A origem da rotoscopia
A história começa com Max Fleischer. Ele era um animador na década de 1910. Ele queria que os personagens se movessem naturalmente. Ele não queria os movimentos rígidos e espasmódicos dos desenhos animados anteriores. Ele precisa de uma solução.
Sua solução foi um rotoscópio. Este era um dispositivo que podia projetar clipes de filme em um painel de vidro. Você pode desenhar no prato enquanto assiste ao vídeo. Desta forma você pode rastrear o movimento com precisão em um instante.
A primeira personagem a utilizar esta técnica foi Betty Boop. Ela apareceu na série Talkartoons. Seus movimentos são fluidos. Parece que uma pessoa real está dançando. Este é um grande passo em frente. Isso dá mais credibilidade aos desenhos animados. Também é divertido.
O rotoscópio não é apenas para personagens. Também usado para elementos de fundo. Por exemplo, em *Branca de Neve
Max Fleischer é mais do que apenas um artista. Ele também é um geek de tecnologia, muito antes de essa palavra existir. Como editor de arte da Popular Science Monthly, ele era obcecado pela forma como as coisas funcionavam. A animação padrão parecia rígida para ele. Ele queria fluidez. Realismo. Então ele inventou o rotoscópio. Esta é uma forma de combinar a ação dos desenhos animados com os fundamentos da física real.
Ele não trabalha sozinho. Os Fleisher são uma família. Max reuniu seus irmãos Dave, Joe, Lou e Charlie para criar o protótipo. Antes que os estúdios de Hollywood percebessem, eles estavam mexendo em equipamentos e vidros. Max solicitou uma patente em 1915. A patente foi concedida dois anos depois, em 1917. O mecanismo é simples, mas inovador.
Palhaço no telhado
Os primeiros testes não foram feitos em estúdio. Está no telhado de um prédio em Nova York. O tempo não importa. A luz sim.
Eles trouxeram um projetor com manivela. Eles transformaram isso em uma câmera. Dave está vestindo uma fantasia de palhaço. Sua mãe costurou a roupa sozinha. Eles filmaram mais de um minuto de filmagem. Dave se mudou. Ele dançou. Ele posou.
Depois veio o rastreamento. Os irmãos montaram um rotoscópio. Projetou o filme quadro a quadro através do painel de vidro da mesa de arte. Max colocou o papel vegetal do outro lado. Ele traçou a imagem.
Um quadro de cada vez. Ele desenhou, depois moveu o filme para o quadro seguinte e desenhou novamente. A patente também descreve um mecanismo para puxar o cordão para que o artista não precise pegar a alavanca. eficiência. Esse é o objetivo.
Assim que o desenho estiver concluído, você precisará fotografá-lo. Max usa o mesmo projetor e desta vez o configura como câmera novamente. Ele removeu e recolocou a tampa da lente manualmente. clique. para tocar, clique. próximo quadro. Este é um trabalho físico. Mão de obra precisa.
Eles revelaram o filme. Eles reproduziram. Funcionou. Movimentos animados de palhaços ganham vida. Ele era Koko. O personagem que definiria uma época.
De Koko ao Superman
Max começou a fazer animações. Dave começou a dirigir. Por volta de 1919 publicaram “Out of the Inkwell”. Koko, o palhaço, desafia a gravidade e salta dos tinteiros. No entanto, o rotoscópio estabilizou seus movimentos.
O estúdio continua a crescer. Na década de 1930 eles tiveram Betty Boop. O próximo é Popeye. Na década de 1940, apareceu “Superman”. Esses shorts são caros. Também é visualmente detalhado. A rotoscopia permitiu-lhes criar movimentos humanos realistas enquanto exageravam as expressões. Você pode ter o peso de um corpo real e o encaixe de um painel de quadrinhos.
Cab Calloway está no centro de tudo. Três desenhos animados de Betty Boop usam imagens rotoscopias da cantora de jazz: Minnie the Moocher, O Velho da Montanha e Branca de Neve. Os dois primeiros abriram com imagens live-action de Calloway e sua orquestra. Minnie the Moocher contém as primeiras imagens conhecidas da performance de Cab Calloway. Você pode ver os movimentos da lenda do jazz traduzidos para Bimbo e outros personagens. A conexão entre ação ao vivo e animação é perfeita. Foi estranho.
O primeiro experimento de longa-metragem
O rotoscópio não serve apenas para shorts. Usado pelos Fleischer Studios para “As Viagens de Gulliver”. Lançado em 1939, foi o segundo longa-metragem de animação produzido nos Estados Unidos. A primeira foi Branca de Neve da Disney, mas a obra de Fleischer tem uma textura diferente. A cinematografia dinâmica traz uma sensação de gravidade aos personagens. Uma presença. Esta não é apenas lógica de desenho animado. É a lógica humana filtrada pela tinta.
A tecnologia se espalhou. Outros animadores também notaram. Eles querem essa qualidade genuína. No entanto, os Fleishers patentearam o processo. Eles controlam os meios de produção. Houve um tempo em que se você quisesse fazer movimentos rotoscópios, teria que ir para Nova York. Você pagou a taxa. Você tem realismo.
Mudou a maneira como o público via os quadrinhos. Eles não eram mais apenas desenhos. São performances. Gravado, rastreado e reanimado. A linha entre o mundo real e o mundo do anime está se confundindo. Koko foi apenas o começo. A tecnologia é a estrela.
O rotoscópio não apenas copia movimentos. Captura a alma do movimento.
Seu legado ainda pode ser visto hoje. Os animadores modernos ainda usam esta ferramenta. Em vez de substituir a criatividade, ela ancora-a. Quando os personagens parecem reais, mesmo em um mundo de fantasia, geralmente é porque a rotoscopia está em ação.
A Disney simplesmente não descobriu como fazer Branca de Neve funcionar. Eles atiraram em pessoas reais primeiro.
Marjorie Celeste Belcher (mais tarde Maggie Champion) estrela como Branca de Neve. Louis Hightower é um príncipe. Os atores Eddie Collins e Billy House interpretaram Dunga e Doc. Don Brody se disfarça e enfrenta a rainha disfarçada. Esses atores atuam em cenas básicas. Seus movimentos foram registrados.
Os animadores então seguem os quadros-chave. Eles funcionam no início e no final das ações. As fotos intermediárias? Eles são desenhados à mão em células transparentes. É um processo misto. A vida real se transforma em desenho animado.
Este não é um experimento único. A Disney adotou a mesma abordagem com Peter Pan. Hans Conried dá voz ao Sr. Darling e ao Capitão Gancho. Buddy Ebsen interpreta um pirata. O dançarino Roland Dupree interpreta Peter Pan. Margaret Kerry forneceu a referência física para Tinker Bell. Outros filmes da Disney se seguiram. O estúdio cria mundos de fantasia baseados em referências de live-action.
Discussão sobre realismo
A rotoscopia gerou debate. Alguns críticos chamam isso de trapaça. Atalho. Eles afirmam que personagens modelados em pessoas reais parecem diferentes dos animais tradicionalmente animados. Esta ação parece estranha. Ou muito rígido.
A Disney tentou esconder a técnica. Na estreia de “Branca de Neve”, Belcher sentou-se na varanda. Longe da multidão. Eles disseram a ela para não falar sobre o papel dele. Ele nem sabia que ela havia sido rotoscopia. Demorou décadas para ela aprender a verdade. O segredo foi finalmente revelado após visitar a exposição da Disney.
Mas os resultados falam por si. Branca de Neve se tornou uma obra-prima. Ainda é um clássico. A controvérsia empalideceu em comparação ao seu sucesso.
Além da Disney: rotoscopia pesada
Outros estúdios também não fugiram dessa técnica. Alguns se inclinaram para isso. A rotoscopia extensa pode fazer com que seu filme pareça uma filmagem ao vivo pintada.
Yellow Submarine dos Beatles (1968) apresentou “Lucy in the Sky with Diamonds”. Ele usou rotoscopia óbvia.
Ralph Bakshi fez carreira com isso. Ele usou essa técnica em Wizards (1977). Isto foi seguido por O Senhor dos Anéis (1978). O próximo foi “American Pop” (1981). A famosa série foi completada com “Fire and Ice” (1983) e “Cool World” (1992). A Columbia Pictures minimizou a cinematografia dinâmica ao anunciar “American Pop”. Eles podem ter ficado preocupados que o público pensasse que era um truque. Em vez disso, dá ao filme uma qualidade única e onírica.
Vídeos musicais e desenvolvimento digital
Na década de 1980, a rotoscopia foi introduzida nos videoclipes. “Take On Me” do A-Ha (1985) é um destaque. Imagens de ação ao vivo alternam com animações incompletas de quadrinhos. O efeito é incrível. Combinou com a energia da música.
INXS usou em “What You Need” no mesmo ano. Animações e efeitos de cores foram adicionados ao vídeo. Não são mais apenas longas-metragens. Esta é uma narrativa visual curta.
Richard Linklater levou a técnica ainda mais longe. “Waking Life” (2001) e “A Scanner Darkly” (2006) foram ambos filmados com atores ao vivo. Depois se transformou em animações. Este processo é chamado de rotoscopia interpolada. Bob Sabiston, estudante de pós-graduação do MIT, criou um software que interpola imagens entre quadros-chave. Acelere seu trabalho. Cria um resultado suave e flutuante. Os animadores podem se concentrar na expressão em vez do trabalho manual quadro a quadro.
Por que ainda é importante
A rotoscopia é mais do que apenas uma nota de rodapé na história. Os animadores ainda o usam para aprender o movimento do zero. Ensina como os corpos se movem no espaço real.
Também é usado em filmes de ação ao vivo. Não se limita aos desenhos animados. É uma ferramenta que mistura realidade e imaginação. A linha entre os dois nunca foi tão confusa. Ou ainda mais interessante.
A Arte Analógica de Viajar Mattes
Esqueça a rotoscopia digital brilhante do CGI moderno. Criar os sabres de luz originais de “Star Wars” e os horrores de “Os Pássaros” de Alfred Hitchcock é corajoso, manual e exaustivo. Na era analógica, não se tratava apenas de traçar células de animação. Trata-se de composição – juntar diferentes elementos que nunca estiveram na mesma sala antes.
O diretor provavelmente quer que o herói fique no palco com um oceano real atrás dele e parecendo aterrorizado. Ou talvez precisassem de uma explosão perigosa demais para o ator. Não se trata apenas de apontar a câmera. Você pintou.
Pintando o Vazio
O fluxo de trabalho é um pesadelo físico. Você tem que pegar um rolo de filme, projetar cada quadro em uma placa de vidro e desenhar à mão.
quadro a quadro.
Se quiser separar a pessoa do fundo, você pode traçar o contorno da pessoa em uma célula transparente. Em seguida, pinte o restante das células para criar uma superfície fosca (máscara). Esta máscara é colocada sobre a filmagem de fundo. A área escurecida esconde o fundo e deixa uma janela transparente para o ator em primeiro plano.
No entanto, você precisará de vários rolos. Precisamos da filmagem original, da máscara preta e do “negativo” dessa máscara.
Aqui está o truque:
- Exponha o filme de fundo com uma máscara preta na frente. Isso queimará o fundo, exceto as partes ocultas pela máscara.
Exponha o mesmo quadro novamente, mas desta vez coloque a máscara negativa na frente do ator em primeiro plano. O ponto claro no negativo fosco permite que o ator brilhe exatamente onde o fundo está coberto.
Este é um bolo coberto de luz e tinta. E você tem que fazer isso 24 vezes por segundo.
O Fosco Viajante
Um filme típico de 35 mm roda a 24 quadros por segundo. Isso equivale a 1.440 quadros por minuto. Vamos fazer as contas. Se a cena durar um minuto, deverão ser sorteadas 1.440 máscaras separadas.
E o assunto se move.
Objetos estáticos são fáceis. Uma pessoa andando? Uma explosão se expandindo? Isso é um assunto de viagem. A forma e a posição mudam de quadro para quadro. Se a mão do ator se mover 2 polegadas para a esquerda no quadro 50, o buraco da máscara no quadro 50 deverá ser redesenhado. Se errar por um milímetro, a imagem composta ficará instável. Parece falso. O público vê a oscilação e o feitiço é quebrado.
Precisão ou nada
Não se trata apenas dos contornos. A iluminação deve combinar perfeitamente com o fundo. Se o sol se põe na placa fotográfica, mas os atores são iluminados por luzes fluorescentes, a imagem composta parece um adesivo em um cartão postal. A correção de cores posterior pode ajudar, mas não corrigirá traços ruins.
Tudo tem que ser ajustado fisicamente. Filmes, máscaras, lentes de projetores. Basta um deslize, um grão de poeira no vidro e tudo muda. O resultado é uma bagunça instável e fantasmagórica.
Limpe a bagunça
Além das explosões de grande sucesso, esta tecnologia também serve um propósito humilde. Ele limpou erros.
Você já se perguntou como remover a sombra de um microfone boom? Ou são os cabos de segurança que sustentam o fio de manobra? Ou são apenas pequenos marcadores brancos no chão? A rotoscopia poderia rastrear essas intrusões, criar máscaras para bloqueá-las e preencher as lacunas com imagens limpas da placa de fundo. Mantém a ilusão intacta. Você não viu o maquinário. Você pode ver a magia.
Legado Digital
Não pintamos mais com pincel. Os computadores podem criar esses mates de viagem em segundos usando inteligência artificial e detecção de bordas. O trabalho manual acabou. O rolo físico é arquivado. Mas a lógica permanece. Ainda estamos isolando o primeiro plano do fundo. Ainda estamos compondo.
Nós apenas fazemos isso mais rápido. E é barato.
Claro, o resultado final é mais limpo. Mas será tão emocionante quanto o acabamento fosco pintado à mão que levou uma semana para ser concluído? Provavelmente não. Mas, novamente, este não é um filme comum da Marvel.
Os computadores encolheram. Eles ficaram mais rápidos. Eles ficaram mais baratos. Esta revolução do hardware não mudou apenas a forma como editamos; efeitos especiais fundamentalmente reprogramados.
Com CGI, você pode preencher quase tudo para passar no teste de visão. Mas e a rotoscopia? Costumava ser uma rotina física. Agora, graças às ferramentas digitais, o trabalho é mais rápido do que nunca. Gaste menos tempo rastreando e mais tempo criando.
A bancada digital
A filosofia permanece, mas o meio mudou. Uma mesa de vidro não é mais necessária. Chega de empilhar células de animação física em rolos de filme projetados.
Os fluxos de trabalho modernos funcionam em camadas virtuais. Uma camada contém um videoclipe digitalizado. O outro segura sua tinta. o outro detém efeitos. Não há necessidade de fotografar os resultados. Você exporta um arquivo digital.
O software gráfico imita os truques antigos. Você pode desenhar no quadro com um mouse, trackpad ou mesa digitalizadora. Você quer animação rotoscópio tradicional? Mantenha o filme subjacente visível. Quer descascá-lo? Resta apenas a animação. Ou crie máscaras complexas para incorporar objetos fotografados ou gerados por computador em sua cena.
Os foscos geralmente são desenhados em molduras separadas. Use a ferramenta de seleção. Use a ferramenta de pintura. É aqui que os splines são úteis. Estas são curvas com pontos arrastáveis. Se você ajustar o spline em um quadro, será mais fácil ajustá-lo no quadro seguinte do que redesenhá-lo do zero.
Automação e monitoramento
Este software faz mais do que apenas desenhar. Ele cuida dos movimentos para você.
Acompanhe a posição de quadro a quadro. Diga ao programa onde o objeto está no primeiro quadro e onde está no 10º quadro. Deixe o software interpolar entre eles. Ele descobre o que precisa estar lá.
Os programas modernos são cada vez mais capazes de reconhecer formas. Eles delineiam e mascaram vários quadros. Você não precisa rastrear todas as arestas. Isso economiza muito tempo.
Os ajustes de cores podem ser feitos imediatamente. Transforme um objeto em outro. Bordas suaves com o toque de um botão. Copie parte da tela. Esta ferramenta de clonagem irá ajudá-lo a limpar conjuntos. Remover cabos? Copie o céu ou a parede e pinte sobre o arame. Faça parecer que nunca existiu.
O cenário do software
As ferramentas do rotoscópio não apareceram da noite para o dia. Os primeiros softwares para esse tipo de trabalho começaram a aparecer na década de 1990. Explosão de cores. Comoção. Matador.
A lista de hoje é ainda mais longa. Mais forte.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Mocha da Imagineer Systems
Silhueta - Chama e Fumaça da Autodesk
*Fusão Blackmagic - Nuke, Ocula e Mari da Fundição
Alguns deles requerem hardware de nível empresarial.
computador caro.
Licenças caras. Outros, como o pacote da Adobe, são acessíveis.
Até mesmo os amadores com um laptop decente podem entrar no jogo. Os cineastas independentes não ficam mais para trás.
Color Keying versus rotoscopia
Você deve estar se perguntando como a rotoscopia digital se compara a outro grande player em efeitos visuais: Color Keying.
A chave de cores depende de certos tons. Você isola uma cor (geralmente verde ou azul). É muito rápido. É eficiente para fundos grandes. No entanto, falha se os objetos tiverem a mesma cor.
A cor não importa na rotoscopia. Ele se preocupa com as bordas.
Na era digital, os limites entre essas abordagens estão se confundindo. O software agora pode codificar bordas coloridas * e * do rotoscópio no mesmo fluxo de trabalho. As principais operações são executadas em segundo plano. Gire para ver o primeiro plano. Essas ferramentas podem resolver ambos os problemas.
Qual método você escolhe?
Depende do tiro. Depende da complexidade. Depende de quanto tempo você tem.
Mas uma coisa é clara. As barreiras físicas desaparecem. A mesa de vidro estava coberta de poeira. Uma nova era chegou. Funciona com código.
Esqueça o meticuloso rastreamento quadro a quadro da rotoscopia. Durante décadas, os artistas de efeitos visuais confiaram no color keying, também conhecido como Chroma keying, para combinar elementos digitais em imagens de ação ao vivo. Essa tecnologia está por trás de cada tomada de tela azul ou tela verde que você já viu, e foi uma virada de jogo quando foi usada pela primeira vez em O Ladrão de Bagdá, em 1940.
No entanto, a Disney tem sua própria arma secreta. Eles não usaram azul ou verde. Eles filmaram os atores contra um fundo branco puro e os iluminaram apenas com lâmpadas de sódio. Este método exclusivo evita sombras e cria tapetes limpos para clássicos como O Retorno de Mary Poppins, A Armadilha dos Pais e O Professor Distraído.
A ascensão do verde sobre o azul
Por que o verde assumiu o controle? Tem a ver com sensores digitais. Quando a pós-produção passou do filme para os pixels, o verde se tornou a cor padrão. As câmeras digitais podem capturar detalhes mais facilmente em verde do que em azul, e iluminar uma parede verde é mais barato e fácil do que iluminar uma parede azul.
O processo é simples. Você filma atores contra um cenário de uma única cor. O software então cria uma máscara móvel removendo essa cor (ou melhor, removendo todas as cores que não são). Escolha automaticamente elementos de primeiro e segundo plano. Chega de traçar manualmente cada borda, quadro por quadro.
“Elimina a necessidade de delinear e mascarar manualmente os elementos quadro a quadro, tornando o processo muito mais fácil.”
Mas não é mágica. As regras são rígidas. Os atores não podem usar fantasias que combinem com o cenário. Se o personagem principal estiver vestindo uma jaqueta verde em uma tela verde, seu corpo desaparecerá no ar. Além disso, como os objetos do mundo real raramente são monocromáticos, muitas vezes ocorre “sangramento”, onde traços fracos da cor de fundo penetram no objeto. Para resolver isso, é necessária uma forte correção de cores.
Quando a codificação falha
A chave de cores é eficaz, mas não infalível. Às vezes as mãos de um ator saem da sua zona de conforto. Às vezes, o suporte desliza para o estado azul. Quando isso acontece, a rotoscopia intervém como equipe de limpeza.
Se alguém sai da área onde a chave está sendo manipulada, os artistas voltam com ferramentas de rotoscopia. Eles criam manualmente um fosco móvel para as peças que não puderam ser separadas usando o software. Esta é uma abordagem híbrida. Use teclas para a maior parte do conteúdo e rotoscópio para erros.
Captura de movimento versus rotoscopia
A captura de movimento, muitas vezes chamada de mocap ou, mais recentemente, captura de desempenho, é mais do que apenas uma nova tecnologia. Esta é uma evolução digital de técnicas antigas como rotoscopia e codificação de cores. O objetivo continua o mesmo. O processo de combinar novos elementos móveis (geralmente atores) em uma cena. onde a rotoscopia é traçada sobre o filme, a captura de movimento ainda requer a construção de um quadro 3D do zero. É como a diferença entre desenhar um rosto num quadro negro e esculpir a estrutura esquelética por baixo.
Essa tecnologia teve origem em meados da década de 1990. Originalmente era para fins científicos. Os pesquisadores querem estudar o movimento. Foi quando Hollywood percebeu. A configuração inicial foi complicada. Os atores usam fantasias com marcações reflexivas. Eles se apresentam sozinhos no estúdio. Câmeras os cercam. Os dados são armazenados no software. O modelo 3D aparece. Os animadores adicionaram rostos, roupas e almas na pós-produção.
Ideal para testes iniciais. A sombra do Batman em Batman Forever (1995). As multidões em Titanic (1996). Jar Jar Binks no episódio 1 de Star Wars (1999). Então veio Gollum. Interpretado por Andy Serkis. Isso muda tudo. Isso prova que personagens digitais podem ter peso emocional.
Mas a indústria não para por aí. Todo sucesso de bilheteria exige melhor.
A cara do desempenho
O maior avanço é a captura de rosto. As primeiras versões usavam marcadores no rosto. Parece muito rígido. Parece falso. Depois vieram “King Kong” (2005) e “Piratas do Caribe: Soul Chest” (2006). Davy Jones foi um pioneiro. No entanto, Avatar (2009) mudou significativamente o jogo.
O diretor James Cameron queria mais do que ação. Ele queria microexpressões. Ele usou capacetes com câmeras apontadas para o rosto dos atores. Sua pele é pintada com pontos. A câmera gravou cada contração. Cada piscada. Cada movimento dos lábios. Não são apenas dados físicos. Estes são dados de desempenho.
Os atores ainda usavam trajes de LED infravermelho. Eles ainda estão em fase de filmagem de “The Volume” para a Weta Digital. Mas finalmente eles puderam se ver. eles podem reagir. O software pega os dados brutos e os mapeia em caracteres Na’vi. Os animadores não precisam mais adivinhar como deveria ser uma careta sutil. É isso. Capturado. Genuíno.
Compare isso com os primeiros dias. Em O Senhor dos Anéis, a maior parte do rosto de Gollum foi animada manualmente usando informações corporais como guia. Em Avatar, o rosto é a performance. A diferença é importante. Esta é a diferença entre um fantoche e um humano.
Realismo no local
A tecnologia saiu do estúdio. Piratas do Caribe: O Baú da Morte permite que Bill Nighy apareça com o elenco. ele está vestindo aquele terno. Ele usava os marcadores. Mas ele estava no set. Ele estava interagindo com Orlando Bloom e Keira Knightley. Posteriormente, a Industrial Light & Magic adicionou tentáculos CGI. A interação foi real.
Em 2011, a Ascensão do Planeta dos Macacos progrediu ainda mais. César, novamente interpretado por Andy Serkis, foi filmado ao ar livre. Filmagem em locações. Luz natural. Luzes LED infravermelhas e câmeras de capacete cuidam do resto. * Amanhecer do Planeta dos Macacos (2014) melhorou isso. O ambiente é real. Todos os artistas são reais. Os macacos eram reais, mas a forma como o fazem não tem precedentes.
Vendo o Invisível
Talvez a inovação mais disruptiva venha do Avatar. Câmeras virtuais.
Cameron não precisou esperar até a pós-produção para ver o CGI. Ele poderia olhar através de um monitor. Ele viu os Na’vi na selva. Ele viu a iluminação. Ele viu a composição. Tudo em tempo real. Isso permite que você direcione a cena como se o personagem estivesse realmente lá. Ele ajustou o ângulo da câmera. Ele mudou a iluminação. Ele dá instruções com base no que vê, não no que imagina.
Peter Jackson usou a mesma técnica em O Hobbit: Uma Jornada Inesperada (2012). Como resultado, a pós-produção ainda demorava muito. O polimento final demorou vários meses. Mas e a direção? Isso aconteceu naquele dia. Os gráficos no set ficam melhores a cada ano. A lacuna entre visão e execução está diminuindo.
O Vale Estranho e além
Mocap não serve apenas para filmes de ação ao vivo. Construiu um mundo inteiro. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) foi uma tentativa de fazer um filme totalmente animado. Parece muito real. Parecia errado. Os personagens se perdem em um “lindo vale”. Eles pareciam pessoas, mas havia algo diferente neles. Os olhos não rastrearam direito. A pele não respirava direito.
Robert Zemeckis tentou novamente em The Polar Express (2004) e Beowulf (2007). Mais detalhes. É mais realista. Ainda assim, os espectadores hesitaram. A tecnologia existe. A alma não combina em nada com a pele.
Mas as reclamações estão diminuindo. A nova animação não desperta tanta ansiedade primitiva. A renderização é mais rápida. Descreva com mais detalhes. As fronteiras entre o humano e o digital estão se confundindo. Não são apenas esportes. Por favor, exista.
Já passamos da fase da novidade. Mark desapareceu de vista. O capacete é mais fino. As câmeras ficaram mais inteligentes. O resto é história. E os atores.
O futuro não está em melhores condições. É uma questão de invisibilidade. Quando esqueço, os atores estão vestidos com seus trajes. Quando você esquece que o personagem não é real. É isso.
estamos muito próximos.
A captura de desempenho permite que você faça coisas que o rotoscópio não consegue. Faz dos atores seres vivos. Qualquer coisa viva. A história dita a forma e a tecnologia permite isso. Ninguém passa horas na cadeira de maquiagem. Sem fantasias pesadas e restritivas. Os resultados parecem muito realistas. Ele se move de forma realista.
No entanto, informe-se sobre os custos. É caro. E nem sempre é a ferramenta certa para o trabalho.
A maioria dos filmes depende de efeitos que você não percebe. O microfone é retirado do quadro. Fotografar uma cena com neve na primavera e adicionar mais neve depois. Estas são soluções invisíveis. Eles mantêm a ilusão intacta sem transformar todos os personagens em modelos CGI. Nem todas as histórias precisam de um duplo digital.
É aqui que o debate entre rotoscopia e captura de movimento se torna interessante. Ambos os métodos capturam a alma do ator em um corpo animado. Traça-se os quadros à mão. O outro registra o movimento ósseo e a deformação da pele. Mas eles servem a mestres diferentes.
Por que a rotoscopia ainda é importante
Com ferramentas digitais, você pode obter resultados rapidamente. mais barato. É mais real do que nunca. Você pode pensar que a rotoscopia está desatualizada. Uma técnica da era do desenho à mão.
Isto não é verdade.
Continua a ser uma arma útil no arsenal de um cineasta. Às vezes você quer um certo visual. Uma névoa sonhadora. Uma realidade em mudança. Richard Linklater usou isso em Waking Life e “A Scanner Darkly”. O estilo se torna substância.
A rotoscopia não é apenas uma questão de estilo. Isto é para a sobrevivência.
É também uma rede de segurança. Quando uma cena dá errado. Quando um efeito prático falha. Ao compor, é necessário um recorte com pixels perfeitos. O animador pegou seu tablet. quadro a quadro. É tedioso. É preciso. Funciona.
Quando escolher qual?
Então, qual método você deve escolher?
Se você deseja pessoas e criaturas realistas que se movam com peso e gravidade naturais, a captura de desempenho é a resposta. Ele captura as microexpressões. mudanças sutis na postura. Os atores fazem mais do que apenas dubladores nas paradas. Eles estão na cena.
Se você quer abstração artística. Ou se você precisar consertar uma sessão fotográfica complicada e prática. A rotoscopia ainda é rei. Oferece controle. Controle em nível de pixel.
A produção de filmes de ação ao vivo também mudou. Agora você pode filmar até cenas perigosas. Muito caro. Ou talvez não seja possível no mundo real. A composição digital torna isso possível. No entanto, a escolha entre rastreamento de quadros e rastreamento ósseo depende de seus objetivos.
Você quer realismo? Ou você quer emoções?
Essas ferramentas estão melhores do que nunca. Suas opções se expandem. Mas o objetivo continua o mesmo. Torne-o crível. Faça funcionar.
