Las películas siempre han tratado de cruzar fronteras. Desde finales del siglo XIX, los directores han estado persiguiendo la próxima gran emoción. Georges Méliès fue una de las primeras personas en experimentar con la fotografía. Realiza cortometrajes que desafían la física. Su película de 1898 Un Homme de Tête lo mostró cortándose la cabeza y apilándola sobre una mesa. Dos años más tarde, envió al hombre a la luna utilizando un cohete con forma de bala. Es muy salvaje. Esto es tan soñador.
Pero no todo el mundo quiere magia. Algunas personas quieren un movimiento que parezca auténtico.
La animación también empezó bastante temprano. Émile Cohl creó Fantasmagorie en 1908. Dibujó cientos de bocetos sencillos en papel y los fotografió. Fue la primera caricatura completamente animada. Winsor McCay presentó al dinosaurio Gertie en 1914. En su obra se utilizaron miles de fotogramas. Sus movimientos eran más suaves que la mayoría de los dibujos animados de la época. Sin embargo, la mayoría de las primeras animaciones eran inestables. grueso.
Entonces surge una paradoja. Los cineastas quieren tanto lo imposible como lo creíble. Intentan acercar los dibujos animados a la vida real. Para ello, inventaron técnicas que todavía se utilizan en la actualidad. Esto se llama rotoscopia. Fue desarrollado hace casi cien años y cambió la forma en que vemos el movimiento en las pantallas.
¿Qué es la rotoscopia? ¿Por qué es importante?
Aunque el concepto de rotoscopia es simple, es difícil de implementar en la práctica. Esto lleva mucho tiempo. Requiere herramientas especiales. La idea básica es simple. Filmas material de acción real. Fotografía de actores u objetos en movimiento. Luego, traza ese metraje cuadro por cuadro. Puedes crear animaciones a partir del rastro.
Esto no se aplica sólo a los dibujos animados. Se puede utilizar para efectos especiales en películas de acción real. Puedes separar elementos. Es posible sintetizar escenas que no existen en la realidad.
La rotoscopia cierra la brecha entre la acción en vivo y la animación dibujada. Captura la física del movimiento real y aplícala a tus personajes dibujados.
Algunos en la industria de la animación ven esto como una trampa. Dicen que si no dibujas todo desde cero, no es una animación “real”. Las imágenes generadas por computadora (CGI) han reemplazado muchas tecnologías más antiguas. Pero la rotoscopia no está muerta. Sigue siendo una herramienta útil. Esta es una ventaja para los animadores y cineastas que desean movimientos realistas sin conjeturas.
El origen de la rotoscopia
La historia comienza con Max Fleischer. Fue animador en la década de 1910. Quería que los personajes se movieran con naturalidad. No quería los movimientos rígidos y entrecortados de los dibujos animados anteriores. Necesita una solución.
Su solución fue un rotoscopio. Se trataba de un dispositivo que podía proyectar clips de película sobre un panel de vidrio. Puedes dibujar en el plato mientras ves el vídeo. De esta manera podrás rastrear el movimiento con precisión en un instante.
El primer personaje en utilizar esta técnica fue Betty Boop. Apareció en la serie Talkartoons. Sus movimientos son fluidos. Parece que una persona real está bailando. Este es un gran paso adelante. Esto le da más credibilidad a las caricaturas. También es divertido.
El rotoscopio no es sólo para personajes. También se utiliza para elementos de fondo. Por ejemplo, en *Blancanieves
Max Fleischer es más que un simple artista. También es un fanático de la tecnología, y lo era mucho antes de que existiera esa palabra. Como editor de arte de Popular Science Monthly, estaba obsesionado con la forma en que funcionaban las cosas. La animación estándar le parecía rígida. Quería fluidez. Realismo. Entonces inventó el rotoscopio. Esta es una forma de combinar la acción de los dibujos animados con los conceptos básicos de la física real.
No trabaja solo. Los Fleisher son familia. Max reunió a sus hermanos Dave, Joe, Lou y Charlie para crear el prototipo. Antes de que los estudios de Hollywood se dieran cuenta, ya estaban modificando equipos y vidrios. Max solicitó una patente en 1915. La patente fue concedida dos años después, en 1917. El mecanismo es simple pero innovador.
Payaso en el tejado
Las primeras pruebas no se hicieron en el estudio. Está en el tejado de un edificio de apartamentos en Nueva York. El clima no importa. La luz lo hizo.
Trajeron un proyector de manivela. Lo convirtieron en una cámara. Dave lleva un disfraz de payaso. Su madre había cosido ella misma el traje. Filmaron más de un minuto de metraje. Dave se movió. Él bailó. Él posó.
Luego vino el rastreo. Los hermanos montaron un dispositivo rotoscopio. Proyectaba la película fotograma a fotograma a través del panel de cristal de la mesa de arte. Max colocó el papel de calco en el otro lado. Trazó la imagen.
Un cuadro a la vez. Dibujó, luego pasó la película al siguiente fotograma y volvió a dibujar. La patente también describe un mecanismo que tira de una cuerda para que el artista no tenga que agarrar la palanca. eficiencia. Ese es el objetivo.
Una vez que el dibujo esté completo, debes fotografiarlo. Max usa el mismo proyector y esta vez lo configura nuevamente como cámara. Quitó y volvió a colocar la tapa de la lente con la mano. hacer clic. para tocar haga clic. siguiente fotograma. Este es un trabajo físico. Trabajo preciso.
Revelaron la película. Lo reprodujeron. Funcionó. Los movimientos animados de payaso cobran vida. Él era Koko. El personaje que definiría una época.
De Koko a Superman
Max comenzó a hacer animaciones. Dave comenzó a dirigir. Hacia 1919 publicaron “Fuera del tintero”. Koko el Payaso desafía la gravedad y salta de los tinteros Sin embargo, el rotoscopio estabilizó sus movimientos.
El estudio sigue creciendo. En la década de 1930 tenían a Betty Boop. El siguiente es Popeye. En la década de 1940 apareció “Superman”. Esos pantalones cortos son caros. También está visualmente detallado. La rotoscopia les permitió crear movimientos humanos realistas mientras exageraban las expresiones. Puedes tener el peso de un cuerpo real y la rapidez de un panel de cómic.
Cab Calloway está en el centro de todo. Tres dibujos animados de Betty Boop utilizan imágenes rotoscópicas de la cantante de jazz: Minnie the Moocher, The Old Man of the Mountain y Snow White. Los dos primeros comenzaron con imágenes en vivo de Calloway y su orquesta. Minnie the Moocher contiene las primeras imágenes conocidas de la actuación de Cab Calloway. Puedes ver los movimientos de la leyenda del jazz traducidos para Bimbo y otros personajes. La conexión entre la acción en vivo y la animación es perfecta. Fue extraño.
El primer experimento de duración del largometraje
El rotoscopio no es sólo para pantalones cortos. Utilizado por Fleischer Studios para “Los viajes de Gulliver”. Estrenada en 1939, fue el segundo largometraje de animación producido en Estados Unidos. La primera fue Blancanieves de Disney, pero la obra de Fleischer tiene una textura diferente. La cinematografía dinámica aporta una sensación de gravedad a los personajes. Una presencia. Esto no es sólo lógica de dibujos animados. Es lógica humana filtrada a través de tinta.
La tecnología se ha extendido. Otros animadores también lo notaron. Quieren esa cualidad genuina. Sin embargo, los Fleisher patentaron el proceso. Controlan los medios de producción. Hubo un tiempo en el que si querías realizar una rotoscopia del movimiento, tenías que ir a Nueva York. Pagaste la tarifa. Tienes realismo.
Cambió la forma en que el público veía los cómics. Ya no eran sólo dibujos. Son actuaciones. Grabado, rastreado y reanimado. La línea entre el mundo real y el mundo del anime se está borrando. Koko fue sólo el comienzo. La tecnología es la estrella.
El rotoscopio no se limita a copiar movimientos. Capta el alma del movimiento.
Su legado todavía se puede ver hoy. Los animadores modernos todavía utilizan esta herramienta. En lugar de reemplazar la creatividad, la ancla. Cuando los personajes parecen reales, incluso en un mundo de fantasía, generalmente se debe a que se utiliza la rotoscopia.
Disney simplemente no descubrió cómo hacer que Blancanieves funcionara. Primero dispararon a personas reales.
Marjorie Celeste Belcher (más tarde Maggie Champion) interpreta a Blancanieves. Louis Hightower es un príncipe. Los actores Eddie Collins y Billy House interpretaron a Dopey y Doc. Don Brody se disfraza y se enfrenta a la reina disfrazada. Estos actores actúan en escenas básicas. Sus movimientos fueron registrados.
Luego, los animadores siguen los fotogramas clave. Estos funcionan al principio y al final de las acciones. ¿Los planos intermedios? Están dibujados a mano en celdas transparentes. Es un proceso mixto. La vida real se convierte en dibujos animados.
Este no es un experimento único. Disney adoptó el mismo enfoque con Peter Pan. Hans Conried da voz al Sr. Darling y al Capitán Garfio. Buddy Ebsen interpreta a un pirata. El bailarín Roland Dupree interpreta a Peter Pan. Margaret Kerry proporcionó la referencia física de Tinker Bell. Siguieron otras películas de Disney. El estudio crea mundos de fantasía basados en referencias de acción real.
Discusión sobre realismo
La rotoscopia ha generado debate. Algunos críticos lo llaman trampa. Atajo. Afirman que los personajes inspirados en personas reales se ven diferentes a los animales animados tradicionalmente. Esta acción se siente extraña. O demasiado rígido.
Disney intentó ocultar la técnica. En el estreno de “Blancanieves”, Belcher se sentó en el balcón. Lejos de la multitud. Le dijeron que no hablara de su papel. Ni siquiera sabía que le habían hecho una rotoscopia. Le tomó décadas aprender la verdad. El secreto finalmente fue revelado después de visitar la exhibición de Disney.
Pero los resultados hablan por sí solos. Blancanieves se convirtió en una obra maestra. Sigue siendo un clásico. La controversia palideció en comparación con su éxito.
Más allá de Disney: rotoscopia pesada
Otros estudios tampoco rehuyeron esta técnica. Algunos se inclinaron hacia él. La rotoscopia exhaustiva puede hacer que su película parezca material en vivo pintado.
Yellow Submarine (1968) de los Beatles presentó “Lucy in the Sky with Diamonds”. Usó rotoscopia obvia.
Ralph Bakshi hizo carrera con ello. Usó esta técnica en Wizards (1977). A esto le siguió El señor de los anillos (1978). El siguiente fue “American Pop” (1981). La famosa serie se completó con “Fuego y Hielo” (1983) y “Cool World” (1992). Columbia Pictures restó importancia a la dinámica cinematografía al anunciar “American Pop”. Es posible que les preocupara que el público pensara que era un truco. Más bien, le da a la película una cualidad única y onírica.
Vídeos musicales y desarrollo digital
En la década de 1980, la rotoscopia se introdujo en los vídeos musicales. “Take On Me” (1985) de A-Ha se destaca. Imágenes de acción en vivo se alternan con animaciones de cómics incompletas. El efecto es asombroso. Coincidía con la energía de la canción.
INXS lo utilizó en “What You Need” del mismo año. Se han agregado animaciones y efectos de color al video. Ya no se trata sólo de largometrajes. Esta es una narración visual de formato corto.
Richard Linklater llevó la técnica aún más lejos. “Waking Life” (2001) y “A Scanner Darkly” (2006) fueron filmadas con actores en vivo. Luego se convirtió en animaciones. Este proceso se llama rotoscopia interpolada. Bob Sabiston, un estudiante de posgrado del MIT, creó un software que interpola imágenes entre fotogramas clave. Acelera tu trabajo. Crea un resultado suave y a la deriva. Los animadores pueden centrarse en la expresión en lugar del trabajo manual cuadro por cuadro.
Por qué todavía importa
La rotoscopia es más que una simple nota a pie de página en la historia. Los animadores todavía lo utilizan para aprender el movimiento desde cero. Enseña cómo los cuerpos se mueven en el espacio real.
También se utiliza en películas de acción real. No se limita a los dibujos animados. Es una herramienta que combina realidad e imaginación. La línea entre los dos nunca ha sido más borrosa. O incluso más interesante.
El arte analógico de los mates viajeros
Olvídese de la brillante rotoscopia digital del CGI moderno. Crear los sables de luz originales de “Star Wars” y los horrores de “Los pájaros” de Alfred Hitchcock es arduo, manual y agotador. En la era analógica, no se trataba sólo de trazar células de animación. Se trata de componer: unir diferentes elementos que nunca antes habían estado en la misma habitación.
El director probablemente quiere que el héroe esté en el escenario con un océano real detrás de él y luciendo aterrorizado. O tal vez necesitaban una explosión que fuera demasiado peligrosa para el actor. No se trata sólo de apuntar la cámara. Pintaste.
Pintando el vacío
El flujo de trabajo es una pesadilla física. Hay que coger un rollo de película, proyectar cada fotograma sobre una placa de cristal y dibujarlo a mano.
cuadro por cuadro.
Si desea separar a la persona del fondo, puede trazar el contorno de la persona en una celda transparente. Luego, pinta el resto de las celdas para crear una superficie mate (máscara). Esta máscara se coloca encima del metraje de fondo. El área oscurecida oculta el fondo y deja una ventana transparente para el actor en primer plano.
Sin embargo, necesitarás varios rollos. Necesitamos el metraje original, la máscara negra y el “negativo” de esa máscara.
Aquí está el truco:
- Exponga la película de fondo con una máscara negra al frente. Esto grabará el fondo excepto las partes ocultas por la máscara.
Vuelva a exponer el mismo cuadro, pero esta vez coloque la máscara negativa frente al actor en primer plano. El punto claro en el mate negativo permite que el actor brille exactamente donde está cubierto el fondo.
Este es un pastel cubierto de luz y pintura. Y tienes que hacerlo 24 veces por segundo.
El mate viajero
Una película típica de 35 mm se reproduce a 24 fotogramas por segundo. Esto equivale a 1.440 fotogramas por minuto. Hagamos los cálculos. Si la escena dura un minuto, se deberán dibujar 1.440 máscaras distintas.
Y el tema se mueve.
Los objetos estáticos son fáciles. ¿Una persona caminando? ¿Una explosión en expansión? Ese es un mate viajero. La forma y la posición cambian de un cuadro a otro. Si la mano del actor se mueve 2 pulgadas hacia la izquierda en el cuadro 50, se debe volver a dibujar el orificio de la máscara en el cuadro 50. Si falla por un milímetro, la imagen compuesta se vuelve nerviosa. Parece falso. El público ve el bamboleo y el hechizo se rompe.
Precisión o nada
No se trata sólo de los contornos. La iluminación debe coincidir perfectamente con el fondo. Si el sol se pone en la foto de la placa, pero los actores están iluminados por luces fluorescentes, la imagen compuesta parece una pegatina en una postal. La corrección de color posterior puede ayudar, pero no solucionará los malos trazos.
Todo tiene que ajustarse físicamente. Películas, máscaras, lentes de proyector. Basta un resbalón, una mota de polvo en el cristal y todo cambia. El resultado es un desastre tambaleante y fantasmal.
Limpia el desorden
Más allá de las explosiones de gran éxito, esta tecnología también tiene un propósito humilde. Limpió errores.
¿Alguna vez te has preguntado cómo eliminar la sombra de un micrófono con brazo? ¿O son los cables de seguridad los que sujetan un cable de acrobacias? ¿O son sólo unos pequeños marcadores blancos en el suelo? La rotoscopia podría rastrear estas intrusiones, crear máscaras para bloquearlas y llenar los espacios con imágenes limpias de la placa de fondo. Mantiene la ilusión intacta. No viste la maquinaria. Puedes ver la magia.
Legado digital
Ya no pintamos con pincel. Las computadoras pueden crear estos mates móviles en segundos utilizando inteligencia artificial y detección de bordes. El trabajo manual se acabó. El rollo físico está archivado. Pero la lógica permanece. Todavía estamos aislando el primer plano del fondo. Todavía estamos componiendo.
Simplemente lo hacemos más rápido. Y es barato.
Por supuesto, el resultado final es más limpio. ¿Pero será tan conmovedor como el acabado mate pintado a mano que tardó una semana en completarse? Probablemente no. Pero claro, esta no es una película ordinaria de Marvel.
Las computadoras se redujeron. Se volvieron más rápidos. Se volvieron más baratos. Esta revolución del hardware no sólo ha cambiado la forma en que editamos; efectos especiales fundamentalmente recableados.
Con CGI, puedes rellenar casi cualquier cosa para pasar el examen de la vista. Pero ¿qué pasa con la rotoscopia? Solía ser una rutina física. Ahora, gracias a las herramientas digitales, el trabajo va más rápido que nunca. Dedique menos tiempo a rastrear y más tiempo a crear.
El banco de trabajo digital
La filosofía permanece, pero el medio cambió. Ya no se necesita una mesa de cristal. No más apilar celdas de animación físicas en carretes de película proyectadas.
Los flujos de trabajo modernos funcionan en capas virtuales. Una capa contiene un videoclip digitalizado. El otro sostiene tu pintura. el otro tiene efectos. No es necesario fotografiar los resultados. Exportas un archivo digital.
El software de gráficos imita los viejos trucos. Puede dibujar en el marco con un mouse, trackpad o tableta gráfica. ¿Quieres animación rotoscópica tradicional? Mantenga visible la película subyacente. ¿Quieres despegarlo? Sólo queda la animación. O cree máscaras complejas para incorporar objetos fotografiados o generados por computadora en su escena.
Los mates suelen dibujarse en marcos separados. Utilice la herramienta de selección. Usa la herramienta de pintura. Aquí es donde los splines resultan útiles. Estas son curvas con puntos arrastrables. Si ajusta la spline en un cuadro, es más fácil ajustarla en el siguiente cuadro que volver a dibujarla desde cero.
Automatización y seguimiento
Este software hace más que simplemente dibujar. Él maneja los movimientos por ti.
Seguimiento de la posición de cuadro a cuadro. Dígale al programa dónde está el objeto en el primer cuadro y dónde está en el décimo cuadro. Deje que el software interpola entre ellos. Se da cuenta de lo que debe estar allí.
Los programas modernos son cada vez más capaces de reconocer formas. Delinean y enmascaran en múltiples cuadros. No es necesario trazar todos los bordes. Esto ahorra mucho tiempo.
Los ajustes de color se pueden realizar inmediatamente. Transforma un objeto en otro. Bordes de plumas con solo tocar un botón. Copia parte de la pantalla. Esta herramienta de clonación te ayudará a limpiar conjuntos. ¿Quitar cables? Copia el cielo o la pared y píntalo sobre el alambre. Haz que parezca que nunca existió.
El panorama del software
Las herramientas de rotoscopio no aparecieron de la noche a la mañana. Los primeros software para este tipo de trabajo comenzaron a aparecer en la década de 1990. Explosión de color. Conmoción. Matador.
La lista de hoy es aún más larga. Más fuerte.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Moca de Imagineer Systems
Silueta - Llama y humo de Autodesk
*La fusión de Blackmagic - Nuke, Ocula y Mari de Foundry
Algunos de ellos requieren hardware de nivel empresarial.
computadora cara.
Licencias caras. Otros, como la suite de Adobe, son accesibles.
Incluso los aficionados con una computadora portátil decente pueden participar en el juego. Los cineastas independientes ya no se quedan atrás.
Incrustación de colores versus rotoscopia
Quizás se pregunte cómo se compara la rotoscopia digital con otro actor importante en efectos visuales: Color Keying.
La clave del color depende de ciertos tonos. Aíslas un color (generalmente verde o azul). Es muy rápido. Es eficiente para fondos grandes. Sin embargo, falla si los objetos tienen el mismo color.
El color no importa en la rotoscopia. Le importan los bordes.
En la era digital, las líneas entre estos enfoques se están desdibujando. El software ahora puede codificar el color * y * los bordes del rotoscopio en el mismo flujo de trabajo. Las operaciones clave se realizan en segundo plano. Gire para ver el primer plano. Estas herramientas pueden resolver ambos problemas.
¿Qué método eliges?
Depende del tiro. Depende de la complejidad. Depende de cuánto tiempo tengas.
Pero una cosa está clara. Las barreras físicas desaparecen. La mesa de cristal estaba cubierta de polvo. Ha llegado una nueva era. Funciona con código.
Olvídese del minucioso seguimiento cuadro por cuadro de la rotoscopia. Durante décadas, los artistas de efectos visuales han confiado en la incrustación de color, también conocida como incrustación cromática, para combinar elementos digitales en imágenes de acción en vivo. Esta tecnología está detrás de cada captura de pantalla azul o pantalla verde que hayas visto, y supuso un punto de inflexión cuando se utilizó por primera vez en El ladrón de Bagdad en 1940.
Sin embargo, Disney tiene su propia arma secreta. No usaron azul ni verde. Filmaron a los actores sobre un fondo blanco puro y los iluminaron únicamente con lámparas de sodio. Este método único evita las sombras y crea tapetes limpios para clásicos como El regreso de Mary Poppins, La trampa de los padres y El profesor distraído.
El ascenso del verde sobre el azul
¿Por qué el verde se hizo cargo? Tiene que ver con sensores digitales. Cuando la posproducción pasó de la película a los píxeles, el verde se convirtió en el color predeterminado. Las cámaras digitales pueden capturar detalles más fácilmente en verde que en azul, e iluminar una pared verde es más barato y más fácil que iluminar una pared azul.
El proceso es sencillo. Filmas a los actores con un fondo de un solo color. Luego, el software crea una máscara en movimiento eliminando ese color (o más bien, eliminando todos los colores que no lo son). Elija automáticamente elementos de primer plano y de fondo. Ya no es necesario trazar manualmente cada borde cuadro por cuadro.
“Elimina la necesidad de delinear y enmascarar manualmente los elementos cuadro por cuadro, lo que facilita mucho el proceso”.
Pero no es magia. Las reglas son estrictas. Los actores no pueden usar disfraces que combinen con el fondo. Si el personaje principal lleva una chaqueta verde en una pantalla verde, su cuerpo desaparecerá en el aire. Además, debido a que los objetos del mundo real rara vez son monocromáticos, a menudo se produce un “sangrado”, donde débiles rastros del color de fondo se filtran en el objeto. Para solucionar esto, se necesita una fuerte corrección de color.
Cuando falla la codificación
La clave del color es eficaz, pero no infalible. A veces las manos de un actor salen de su zona de confort. A veces, el accesorio se desliza hacia el estado azul. Cuando esto sucede, la rotoscopia interviene como equipo de limpieza.
Si alguien sale del área donde se manipula la clave, los artistas regresan con herramientas de rotoscopia. Crean manualmente un mate móvil para las partes que no se pudieron separar con el software. Este es un enfoque híbrido. Utilice claves para la mayoría del contenido y rotoscopio para errores.
Captura de movimiento versus rotoscopia
La captura de movimiento, a menudo llamada mocap o, más recientemente, captura de rendimiento, es más que una simple tecnología nueva. Esta es una evolución digital de técnicas antiguas como la rotoscopia y la codificación de colores. El objetivo sigue siendo el mismo. El proceso de combinar nuevos elementos en movimiento (generalmente actores) en una escena. Mientras que la rotoscopia se traza sobre una película, la captura de movimiento aún requiere la construcción de un marco 3D desde cero. Es como la diferencia entre dibujar una cara en una pizarra y esculpir la estructura esquelética que hay debajo.
Esta tecnología se originó a mediados de los años 1990. Originalmente era para fines científicos. Los investigadores quieren estudiar el movimiento. Fue entonces cuando Hollywood se dio cuenta. La configuración inicial fue complicada. Los actores visten trajes con marcas reflectantes. Actúan solos en el estudio. Las cámaras los rodean. Los datos se almacenan en el software. Aparece el modelo 3D. Los animadores agregaron rostros, ropa y almas en la postproducción.
Ideal para pruebas iniciales. La sombra de Batman en Batman Forever (1995). Las multitudes en Titanic (1996). Jar Jar Binks en Star Wars Episodio 1 (1999). Luego vino Gollum. Interpretada por Andy Serkis. Esto lo cambia todo. Esto demuestra que los personajes digitales pueden tener peso emocional.
Pero la industria no se detiene ahí. Cada éxito de taquilla exige algo mejor.
La cara del rendimiento
El mayor avance es la captura de rostros. Las primeras versiones usaban marcadores en la cara. Parece muy rígido. Parece falso. Luego vinieron “King Kong” (2005) y “Piratas del Caribe: Soul Chest” (2006). Davy Jones fue un pionero. Sin embargo, Avatar (2009) cambió las reglas del juego significativamente.
El director James Cameron quería más que acción. Quería microexpresiones. Usó cascos con cámaras apuntando a los rostros de los actores. Su piel está pintada con puntos. La cámara registró cada contracción. Cada parpadeo. Cada movimiento de los labios. No son sólo datos físicos. Estos son datos de rendimiento.
Los actores todavía llevaban los trajes LED infrarrojos. Aún se encuentran en las etapas de rodaje de “The Volume” para Weta Digital. Pero finalmente pudieron verse. pueden reaccionar. El software toma los datos sin procesar y los transforma en caracteres Na’vi. Los animadores ya no tienen que adivinar cómo debería ser una mueca sutil. Eso es todo. Capturado. Genuino.
Compare esto con los primeros días. En El Señor de los Anillos, la mayor parte del rostro de Gollum se animó manualmente utilizando la información del cuerpo como guía. En Avatar, el rostro es la actuación. La diferencia es importante. Ésta es la diferencia entre un títere y un humano.
Realismo en el lugar
El técnico salió del estudio. Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto permite que Bill Nighy aparezca con el elenco. él lleva ese traje. Llevaba los marcadores. Pero él estaba en el set. Estaba interactuando con Orlando Bloom y Keira Knightley. Industrial Light & Magic luego agregó tentáculos CGI. La interacción fue real.
En 2011, El origen del planeta de los simios había progresado aún más. César, nuevamente interpretado por Andy Serkis, fue filmado al aire libre. Tiroteo en locación. Luz natural. Las luces LED infrarrojas y las cámaras del casco se encargan del resto. * El amanecer del planeta de los simios (2014) mejoró esto. El entorno es real. Todos los artistas son reales. Los simios eran reales, pero la forma en que lo hacen no tiene precedentes.
Ver lo invisible
Quizás la innovación más disruptiva provenga de Avatar. Cámaras virtuales.
Cameron no tuvo que esperar hasta la posproducción para ver CGI. Podía mirar a través de un monitor. Vio a los Na’vi en la jungla. Vio la iluminación. Vio la composición. Todo en tiempo real. Esto te permite dirigir la toma como si el personaje estuviera realmente allí. Ajustó el ángulo de la cámara. Cambió la iluminación. Da instrucciones basadas en lo que ve, no en lo que imagina.
Peter Jackson utilizó la misma técnica en El hobbit: un viaje inesperado (2012). Como resultado, la posproducción todavía llevó mucho tiempo. El pulido final tardó varios meses. Pero ¿qué pasa con la dirección? Esto sucedió ese día. Los gráficos en el set mejoran cada año. La brecha entre visión y ejecución se está cerrando.
El Valle Uncanny y más allá
Mocap no es sólo para películas de acción real. Construyó todo un mundo. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) fue un intento de hacer una película completamente animada. Parece muy real. Se sintió mal. Los personajes se pierden en un “hermoso valle”. Parecían personas, pero había algo diferente en ellos. Los ojos no siguieron la pista. La piel no respiraba del todo.
Robert Zemeckis lo volvió a intentar en El expreso polar (2004) y Beowulf (2007). Más detalle. Es más realista. Aún así, los espectadores dudaron. La tecnología existe. El alma no coincide en absoluto con la piel.
Pero las quejas están disminuyendo. La nueva animación no despierta tanta ansiedad primaria. El renderizado es más rápido. Describe con más detalle. Los límites entre lo humano y lo digital se están desdibujando. No se trata sólo de deportes. Por favor existe.
Hemos pasado la fase de novedad. Mark desapareció de la vista. El casco es más delgado. Las cámaras se han vuelto más inteligentes. Lo demás es historia. Y los actores.
El futuro no está en mejores trajes. Se trata de invisibilidad. Cuando lo olvido, los actores están vestidos con su equipo. Cuando olvidas que el personaje no es real. Eso es todo.
estamos muy cerca.
La captura de rendimiento le permite hacer cosas que el rotoscopio no puede hacer. Hace que los actores sean seres vivos. Cualquier ser vivo. La historia dicta la forma y la tecnología la permite. Nadie pasa horas en la silla de maquillaje. Sin disfraces pesados y restrictivos. Los resultados parecen muy realistas. Se mueve de manera realista.
Sin embargo, infórmese sobre los costos. Es caro. Y no siempre es la herramienta adecuada para el trabajo.
La mayoría de las películas se basan en efectos que no notas. El micrófono se saca del marco. Filmar una escena nevada en primavera y agregar más nieve más tarde. Estas son correcciones invisibles. Mantienen intacta la ilusión sin convertir a todos los personajes en modelos CGI. No todas las historias necesitan un doble digital.
Aquí es donde se vuelve interesante el debate entre rotoscopia y captura de movimiento. Ambos métodos capturan el alma del actor en un cuerpo animado. Se trazan marcos a mano. El otro registra el movimiento de los huesos y la deformación de la piel. Pero sirven a diferentes amos.
Por qué la rotoscopia sigue siendo importante
Con las herramientas digitales, puede obtener resultados rápidamente. más económico. Es más real que nunca. Se podría pensar que la rotoscopia está obsoleta. Una técnica de la era del dibujo a mano.
Esto no es cierto.
Sigue siendo un arma útil en el arsenal de un cineasta. A veces quieres una determinada apariencia. Una niebla de ensueño. Una realidad cambiante. Richard Linklater lo usó en Waking Life y “A Scanner Darkly”. El estilo se convierte en sustancia.
La rotoscopia no es sólo por estilo. Esto es para sobrevivir.
También es una red de seguridad. Cuando una escena sale mal. Cuando falla un efecto práctico. Al componer se requiere un recorte de píxeles perfectos. El animador sacó su tableta. cuadro por cuadro. Es tedioso. Es preciso. Funciona.
¿Cuándo elegir cuál?
Entonces, ¿qué método deberías elegir?
Si desea personas y criaturas realistas que se muevan con peso y gravedad naturales, la captura de rendimiento es la respuesta. Capta las microexpresiones. cambios sutiles en la postura. Los actores hacen más que solo actores de doblaje en las listas. Están en la escena.
Si quieres abstracción artística. O si necesitas arreglar una sesión práctica desordenada. La rotoscopia sigue siendo el rey. Ofrece control. Control a nivel de píxeles.
La producción de películas de acción real también ha cambiado. Ahora puedes filmar incluso escenas peligrosas. Demasiado caro. O tal vez no sea posible en el mundo real. La composición digital lo hace posible. Sin embargo, la elección entre el seguimiento del cuadro y el seguimiento de los huesos depende de sus objetivos.
¿Quieres realismo? ¿O quieres emociones?
Estas herramientas son mejores que nunca. Tus opciones se expanden. Pero el objetivo sigue siendo el mismo. Hazlo creíble. Haz que funcione.
