I film hanno sempre riguardato il superamento dei confini. Dalla fine del XIX secolo, i registi sono stati alla ricerca del prossimo grande brivido. Georges Méliès è stato uno dei primi a sperimentare con la fotografia. Realizza cortometraggi che sfidano la fisica. Il suo film del 1898 Un Homme de Tête lo mostrava mentre si tagliava la testa e la ammucchiava su un tavolo. Due anni dopo mandò un uomo sulla Luna utilizzando un razzo a forma di proiettile. È molto selvaggio. È così sognante.
Ma non tutti vogliono la magia. Alcune persone vogliono un movimento che sembri autentico.
Anche l’animazione è iniziata abbastanza presto. Émile Cohl creò Fantasmagorie nel 1908. Disegnò centinaia di semplici schizzi su carta e li fotografò. È stato il primo cartone animato completamente animato. Winsor McCay introdusse il dinosauro Gertie nel 1914. Nel suo lavoro furono utilizzate migliaia di fotogrammi. I suoi movimenti erano più fluidi della maggior parte dei cartoni animati dell’epoca. Tuttavia, la maggior parte delle prime animazioni erano instabili. grossolano.
Allora sorge un paradosso. I cineasti vogliono sia l’impossibile che il credibile. Cercano di avvicinare i cartoni animati alla vita reale. Per fare questo inventarono delle tecniche che vengono utilizzate ancora oggi. Questo si chiama rotoscoping. È stato sviluppato quasi cento anni fa e ha cambiato il modo in cui vediamo il movimento sugli schermi.
Cos’è il rotoscoping? Perché è importante?
Sebbene il concetto di rotoscoping sia semplice, è difficile da implementare nella pratica. Questo richiede molto tempo. Richiede strumenti speciali. L’idea di base è semplice. Giri materiale live-action. Fotografa attori o oggetti in movimento. Quindi traccia il filmato fotogramma per fotogramma. È possibile creare animazioni dalla traccia.
Questo non vale solo per i cartoni animati. Può essere utilizzato per effetti speciali nei film live-action. Puoi separare gli elementi. È possibile sintetizzare scene che non esistono nella realtà.
Il rotoscoping colma il divario tra l’azione dal vivo e l’animazione disegnata. Cattura la fisica del movimento reale e applicala ai tuoi personaggi disegnati.
Alcuni nel settore dell’animazione lo vedono come un imbroglio. Dicono che se non disegni tutto da zero, non è un’animazione “reale”. Le immagini generate al computer (CGI) hanno sostituito molte tecnologie precedenti. Ma il rotoscoping non è morto. È ancora uno strumento utile. Questo è un vantaggio per animatori e registi che desiderano movimenti realistici senza congetture.
L’origine del rotoscoping
La storia inizia con Max Fleischer. Era un animatore negli anni ’10. Voleva che i personaggi si muovessero in modo naturale. Non voleva i movimenti rigidi e a scatti dei cartoni animati precedenti. Ha bisogno di una soluzione.
La sua soluzione era un Rotoscope. Questo era un dispositivo in grado di proiettare filmati su un pannello di vetro. Puoi disegnare sul piatto mentre guardi il video. In questo modo puoi tracciare il movimento con precisione in un istante.
Il primo personaggio ad utilizzare questa tecnica è stata Betty Boop. È apparsa nella serie Talkartoons. I suoi movimenti sono fluidi. Sembra che una persona reale stia ballando. Questo è un grande passo avanti. Ciò conferisce alle vignette maggiore credibilità. È anche divertente.
Rotoscope non è solo per i personaggi. Utilizzato anche per elementi di sfondo. Ad esempio, in *Biancaneve
Max Fleischer è più di un semplice artista. È anche un fanatico della tecnologia, e lo era molto prima che quella parola esistesse. Come redattore artistico di Popular Science Monthly, era ossessionato dal modo in cui funzionavano le cose. L’animazione standard gli sembrava rigida. Voleva fluidità. Realismo. Così ha inventato il rotoscopio. Questo è un modo per combinare l’azione dei cartoni animati con le basi della fisica reale.
Non lavora da solo. I Fleisher sono una famiglia. Max ha riunito i suoi fratelli Dave, Joe, Lou e Charlie per creare il prototipo. Prima che gli studi di Hollywood se ne rendessero conto, stavano armeggiando con attrezzature e vetro. Max fece domanda per un brevetto nel 1915. Il brevetto fu concesso due anni dopo, nel 1917. Il meccanismo è semplice ma innovativo.
Clown sul tetto
I primi test non sono stati fatti in studio. È sul tetto di un condominio a New York. Il tempo non ha importanza. La luce lo ha fatto.
Hanno portato un proiettore a manovella. L’hanno trasformato in una macchina fotografica. Dave indossa un costume da clown. Sua madre aveva cucito lei stessa il vestito. Hanno girato più di un minuto di filmato. Dave si mosse. Ha ballato. Ha posato.
Poi è arrivato il tracciamento. I fratelli hanno assemblato un dispositivo rotoscopio. Proiettava il film fotogramma per fotogramma attraverso il pannello di vetro del tavolo artistico. Max posò la carta da lucido sull’altro lato. Ha tracciato l’immagine.
Un fotogramma alla volta. Ha disegnato, poi ha spostato la pellicola al fotogramma successivo e ha disegnato di nuovo. Il brevetto descrive anche un meccanismo per tirare la corda in modo che l’artista non debba raggiungere la leva. efficienza. Questo è l’obiettivo.
Una volta completato il disegno, è necessario fotografarlo. Max usa lo stesso proiettore e questa volta lo configura nuovamente come una telecamera. Ha rimosso e rimesso a posto il copriobiettivo manualmente. clic. per toccare fare clic. fotogramma successivo. Questo è lavoro fisico. Manodopera precisa.
Hanno sviluppato il film. L’hanno riprodotto. Ha funzionato. I movimenti animati del clown prendono vita. Era Koko. Il personaggio che avrebbe definito un’epoca.
Da Koko a Superman
Max ha iniziato a creare animazioni. Dave ha iniziato a dirigere. Intorno al 1919 pubblicarono “Fuori dal calamaio”. Koko il Clown sfida la gravità e salta fuori dai calamai. Tuttavia, il rotoscopio ha stabilizzato i suoi movimenti.
Lo studio continua a crescere. Negli anni ’30 avevano Betty Boop. Il prossimo è Popeye. Negli anni ’40 apparve “Superman”. Quei pantaloncini sono costosi. È anche visivamente dettagliato. Il rotoscoping ha permesso loro di creare movimenti umani realistici esagerando le espressioni. Puoi avere il peso di un corpo reale e lo scatto di una vignetta di un fumetto.
Cab Calloway è al centro di tutto. Tre cartoni animati di Betty Boop utilizzano riprese rotoscopiche della cantante jazz: Minnie the Moocher, Il vecchio della montagna e Biancaneve. I primi due si aprivano con filmati live-action di Calloway e della sua orchestra. Minnie the Moocher contiene il primo filmato conosciuto della performance di Cab Calloway. Puoi vedere le mosse della leggenda del jazz tradotte per Bimbo e altri personaggi. La connessione tra azione dal vivo e animazione è perfetta. Era inquietante.
Il primo esperimento sulla lunghezza delle feature
Rotoscope non è solo per i pantaloncini. Utilizzato dai Fleischer Studios per “I viaggi di Gulliver”. Uscito nel 1939, è stato il secondo lungometraggio d’animazione prodotto negli Stati Uniti. Il primo è stato Biancaneve della Disney, ma il lavoro di Fleischer ha una consistenza diversa. La cinematografia dinamica conferisce un senso di gravità ai personaggi. Una presenza. Questa non è solo la logica dei cartoni animati. È la logica umana filtrata attraverso l’inchiostro.
La tecnologia si è diffusa. Se ne sono accorti anche altri animatori. Vogliono quella qualità genuina. Tuttavia, i Fleisher brevettarono il processo. Controllano i mezzi di produzione. C’è stato un tempo in cui se volevi fare movimento rotoscopico, dovevi andare a New York. Hai pagato la quota. Hai realismo.
Ha cambiato il modo in cui il pubblico vedeva i fumetti. Non erano più solo disegni. Sono spettacoli. Registrato, tracciato e rianimato. Il confine tra il mondo reale e il mondo degli anime è sempre più sfumato. Koko era solo l’inizio. La tecnologia è la stella.
Rotoscope non si limita a copiare i movimenti. Cattura l’anima del movimento.
La sua eredità è ancora visibile oggi. Gli animatori moderni usano ancora questo strumento. Invece di sostituire la creatività, la àncora. Quando i personaggi sembrano reali, anche in un mondo fantastico, di solito è perché è in funzione il rotoscoping.
La Disney semplicemente non riusciva a capire come far funzionare Biancaneve. Hanno sparato prima alle persone vere.
Marjorie Celeste Belcher (in seguito Maggie Champion) interpreta Biancaneve. Louis Hightower è un principe. Gli attori Eddie Collins e Billy House hanno interpretato Dopey e Doc. Don Brody si traveste e affronta la regina travestita. Questi attori recitano in scene base. I loro movimenti sono stati registrati.
Gli animatori seguono quindi i fotogrammi chiave. Funzionano all’inizio e alla fine delle azioni. Gli scatti intermedi? Questi sono disegnati a mano su celle trasparenti. È un processo misto. La vita reale diventa un cartone animato.
Questo non è un esperimento una tantum. La Disney ha adottato lo stesso approccio con Peter Pan. Hans Conried dà la voce a Mr. Darling e Capitan Uncino. Buddy Ebsen interpreta un pirata. Il ballerino Roland Dupree interpreta Peter Pan. Margaret Kerry ha fornito il riferimento fisico per Trilli. Seguirono altri film Disney. Lo studio crea mondi fantastici basati su riferimenti live-action.
Discussione sul realismo
Il rotoscoping ha acceso il dibattito. Alcuni critici lo chiamano imbroglio. Scorciatoia. Affermano che i personaggi modellati su persone reali sembrano diversi dagli animali animati tradizionalmente. Questa azione sembra inquietante. O troppo rigido.
La Disney ha cercato di nascondere la tecnica. Alla premiere di “Biancaneve”, Belcher era seduto sul balcone. Lontano dalla folla. Le hanno detto di non parlare del suo ruolo. Non sapeva nemmeno che le avevano fatto il rotoscopio. Ci sono voluti decenni perché lei scoprisse la verità. Il segreto è stato finalmente svelato dopo aver visitato la mostra Disney.
Ma i risultati parlano da soli. Biancaneve è diventata un capolavoro. È ancora un classico. La controversia impallidiva in confronto al suo successo.
Oltre Disney: Rotoscoping pesante
Anche altri studi non hanno evitato questa tecnica. Alcuni vi si sono appoggiati. Il rotoscoping estensivo può far sembrare il tuo film come se fosse un filmato dal vivo sovrascritto.
Yellow Submarine (1968) dei Beatles conteneva “Lucy in the Sky with Diamonds”. Ha utilizzato il rotoscoping evidente.
Ralph Bakshi ne ha fatto una carriera. Ha usato questa tecnica in Wizards (1977). Questo è stato seguito da Il Signore degli Anelli (1978). Il successivo fu “American Pop” (1981). La famosa serie è stata completata con “Fire and Ice” (1983) e “Cool World” (1992). La Columbia Pictures ha minimizzato la dinamica cinematografia quando ha annunciato “American Pop”. Potrebbero essere preoccupati che il pubblico pensasse che fosse un trucco. Invece, conferisce al film una qualità unica e onirica.
Video musicali e sviluppo digitale
Negli anni ’80, il rotoscoping fu introdotto nei video musicali. “Take On Me” (1985) degli A-Ha è straordinario. Le riprese dal vivo si alternano alle abbozzate animazioni dei fumetti. L’effetto è sorprendente. Si abbinava all’energia della canzone.
INXS lo ha utilizzato in “What You Need” nello stesso anno. Al video sono state aggiunte animazioni ed effetti di colore. Non si tratta più solo di lungometraggi. Questa è una narrazione visiva in forma breve.
Richard Linklater ha spinto ulteriormente la tecnica. “Waking Life” (2001) e “A Scanner Darkly” (2006) sono stati entrambi girati con attori dal vivo. Poi trasformato in animazioni. Questo processo è chiamato rotoscoping interpolato. Bob Sabiston, uno studente laureato al MIT, ha creato un software che interpola le immagini tra i fotogrammi chiave. Velocizza il tuo lavoro. Crea un risultato omogeneo e fluttuante. Gli animatori possono concentrarsi sull’espressione piuttosto che sul lavoro manuale fotogramma per fotogramma.
Perché è ancora importante
Il rotoscoping è più di una semplice nota a piè di pagina nella storia. Gli animatori lo usano ancora per imparare il movimento da zero. Insegna come muoversi i corpi nello spazio reale.
Viene utilizzato anche nei film live-action. Non si limita ai cartoni animati. È uno strumento che fonde realtà e immaginazione. Il confine tra i due non è mai stato così labile. O ancora più interessante.
L’arte analogica dei mascherini da viaggio
Dimentica il patinato rotoscoping digitale della moderna CGI. Creare le spade laser originali di “Star Wars” e gli orrori di “Gli uccelli” di Alfred Hitchcock è grintoso, manuale ed estenuante. Nell’era analogica, non si trattava solo di tracciare le cellule di animazione. Si tratta di compositing: mettere insieme elementi diversi che non sono mai stati nella stessa stanza prima.
Il regista probabilmente vuole che l’eroe si trovi sul palcoscenico con un vero oceano dietro di lui e abbia un’aria terrorizzata. O forse avevano bisogno di un’esplosione troppo pericolosa per l’attore. Non si tratta solo di puntare la telecamera. Hai dipinto.
Dipingere il vuoto
Il flusso di lavoro è un incubo fisico. Bisogna prendere un rullino di pellicola, proiettare ogni fotogramma su una lastra di vetro e disegnarlo a mano.
fotogramma per fotogramma.
Se vuoi separare la persona dallo sfondo, puoi tracciare il contorno della persona in una cella trasparente. Successivamente, dipingi il resto delle celle per creare una superficie opaca (maschera). Questa maschera viene posizionata sopra il metraggio di sfondo. L’area oscurata nasconde lo sfondo e lascia una finestra trasparente per l’attore in primo piano.
Tuttavia, avrai bisogno di diversi rotoli. Abbiamo bisogno del filmato originale, della maschera nera e del “negativo” di quella maschera.
Ecco il trucco:
- Esporre la pellicola di sfondo con una maschera nera davanti. Questo brucerà lo sfondo tranne le parti nascoste dalla maschera.
Esponi di nuovo lo stesso fotogramma, ma questa volta posiziona la maschera negativa davanti all’attore in primo piano. Il punto chiaro nel negativo opaco lascia trasparire l’attore esattamente dove è coperto lo sfondo.
Questa è una torta ricoperta di luce e vernice. E devi farlo 24 volte al secondo.
Il Matte da viaggio
La tipica pellicola da 35 mm funziona a 24 fotogrammi al secondo. Ciò equivale a 1.440 fotogrammi al minuto. Facciamo i conti. Se la scena dura un minuto, devono essere disegnate 1.440 maschere separate.
E il soggetto si sposta.
Gli oggetti statici sono facili. Una persona che cammina? Un’esplosione in espansione? Questo è un mascherino da viaggio. La forma e la posizione cambiano da un fotogramma all’altro. Se la mano dell’attore si sposta di 2 pollici a sinistra al fotogramma 50, il foro della maschera al fotogramma 50 deve essere ridisegnato. Se manca di un millimetro, l’immagine composita diventa tremolante. Sembra falso. Il pubblico vede l’oscillazione e l’incantesimo si spezza.
Precisione o niente
Non è solo una questione di contorni. L’illuminazione deve corrispondere perfettamente allo sfondo. Se il sole tramonta sulla foto in lastra, ma gli attori sono illuminati da luci fluorescenti, l’immagine composita sembra un adesivo su una cartolina. La correzione del colore successiva può essere d’aiuto, ma non risolverà la traccia difettosa.
Tutto deve essere aggiustato fisicamente. Pellicole, maschere, lenti per proiettori. Basta un errore, un granello di polvere sul vetro e tutto cambia. Il risultato è un pasticcio traballante e spettrale.
Ripulisci il caos
Al di là delle esplosioni di successo, questa tecnologia ha anche uno scopo umile. Ha ripulito gli errori.
Ti sei mai chiesto come rimuovere l’ombra da un microfono con asta? O sono i cavi di sicurezza che sostengono il filo acrobatico? O sono solo dei piccoli segnalini bianchi sul pavimento? Il rotoscoping potrebbe tracciare queste intrusioni, creare maschere per bloccarle e colmare le lacune con riprese pulite della piastra di sfondo. Mantiene intatta l’illusione. Non hai visto i macchinari. Puoi vedere la magia.
Eredità digitale
Non dipingiamo più con un pennello. I computer possono creare questi mascherini mobili in pochi secondi utilizzando l’intelligenza artificiale e il rilevamento dei bordi. Il lavoro manuale è sparito. Il registro fisico viene archiviato. Ma la logica rimane. Stiamo ancora isolando il primo piano dallo sfondo. Stiamo ancora componendo.
Lo facciamo semplicemente più velocemente. Ed è economico.
Naturalmente il risultato finale è più pulito. Ma sarà così pieno di sentimento come la finitura opaca dipinta a mano che ha richiesto una settimana per essere completata? Probabilmente no. Ma ancora una volta, questo non è un normale film Marvel.
I computer si sono rimpiccioliti. Sono diventati più veloci. Sono diventati più economici. Questa rivoluzione hardware non ha cambiato solo il modo in cui modifichiamo; effetti speciali fondamentalmente ricablati.
Con la CGI puoi riempire quasi qualsiasi cosa per superare il test della vista. Ma che dire del rotoscoping? Una volta era una fatica fisica. Ora, grazie agli strumenti digitali, il lavoro è più veloce che mai. Dedica meno tempo alla tracciatura e più tempo alla creazione.
Il banco di lavoro digitale
La filosofia rimane, ma il mezzo è cambiato. Un tavolo di vetro non è più necessario. Non è più necessario impilare le animazioni fisiche sulle bobine di film proiettate.
I flussi di lavoro moderni funzionano su livelli virtuali. Uno strato contiene un video clip digitalizzato. L’altro tiene la tua vernice. l’altro contiene effetti. Non è necessario fotografare i risultati. Esporti un file digitale.
Il software grafico imita i vecchi trucchi. Puoi disegnare nella cornice con un mouse, un trackpad o una tavoletta grafica. Vuoi l’animazione tradizionale al rotoscopio? Mantenere visibile la pellicola sottostante. Vuoi staccarlo? È rimasta solo l’animazione. Oppure crea maschere complesse per incorporare oggetti fotografati o generati dal computer nella scena.
I mascherini vengono solitamente disegnati in riquadri separati. Utilizza lo strumento di selezione. Usa lo strumento di pittura. È qui che le spline tornano utili. Queste sono curve con punti trascinabili. Se regoli la spline in un fotogramma, è più semplice regolarla nel fotogramma successivo piuttosto che ridisegnarla da zero.
Automazione e monitoraggio
Questo software non si limita a disegnare immagini. Gestisce i movimenti per te.
Traccia la posizione da un fotogramma all’altro. Di’ al programma dove si trova l’oggetto nel primo fotogramma e dove si trova nel decimo fotogramma. Lascia che il software esegua l’interpolazione tra di loro. Capisce cosa deve essere lì.
I programmi moderni sono sempre più in grado di riconoscere le forme. Delineano e mascherano su più fotogrammi. Non è necessario tracciare ogni bordo. Ciò consente di risparmiare molto tempo.
Le regolazioni del colore possono essere apportate immediatamente. Trasforma un oggetto in un altro. Bordi sfumati con il semplice tocco di un pulsante. Copia parte dello schermo. Questo strumento di clonazione ti aiuterà a ripulire i set. Rimuovere i cavi? Copia il cielo o il muro e dipingilo sul filo. Fai sembrare che non sia mai esistito.
Il panorama del software
Gli strumenti del rotoscopio non sono comparsi da un giorno all’altro. I primi software per questo tipo di lavoro iniziarono ad apparire negli anni ’90. Esplosione di colori. Commozione. Matador.
L’elenco di oggi è ancora più lungo. Più forte.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Moka di Imagineer Systems
Sagoma - Fiamme e fumo di Autodesk
*La fusione di Blackmagic - Nuke, Ocula e Mari di Foundry
Alcuni di questi richiedono hardware di livello aziendale.
computer costoso.
Licenze costose. Altri, come la suite Adobe, sono accessibili.
Anche gli hobbisti con un laptop decente possono entrare nel gioco. I registi indipendenti non vengono più lasciati indietro.
Color Keying e Rotoscoping
Forse ti starai chiedendo come si confronta il rotoscoping digitale con un altro importante attore nel campo degli effetti visivi: Color Keying.
La chiave del colore dipende da alcune tonalità. Isoli un colore (solitamente verde o blu). È molto veloce. È efficiente per sfondi di grandi dimensioni. Tuttavia, fallisce se gli oggetti hanno lo stesso colore.
Il colore non ha importanza nel rotoscoping. Si preoccupa dei bordi.
Nell’era digitale, i confini tra questi approcci sono sempre più sfumati. Il software ora può applicare la chiave di colore * e * ai bordi del rotoscopio nello stesso flusso di lavoro. Le operazioni chiave vengono eseguite in background. Ruota per vedere in primo piano. Questi strumenti possono risolvere entrambi i problemi.
Quale metodo scegli?
Dipende dallo scatto. Dipende dalla complessità. Dipende da quanto tempo hai.
Ma una cosa è chiara. Le barriere fisiche scompaiono. Il tavolo di vetro era coperto di polvere. Una nuova era è arrivata. Funziona con il codice.
Dimentica il minuzioso tracciamento fotogramma per fotogramma del rotoscoping. Per decenni, gli artisti degli effetti visivi hanno fatto affidamento sul color keying, noto anche come Chroma keying, per combinare elementi digitali in filmati live-action. Questa tecnologia è alla base di ogni ripresa di schermo blu o schermo verde che tu abbia mai visto, e ha rappresentato una svolta decisiva quando fu utilizzata per la prima volta in Il ladro di Bagdad nel 1940.
Tuttavia, la Disney ha la sua arma segreta. Non usavano il blu o il verde. Hanno filmato gli attori su uno sfondo bianco puro e li hanno illuminati solo con lampade al sodio. Questo metodo unico evita le ombre e crea tappetini puliti per classici come Il ritorno di Mary Poppins, Genitori in trappola e Il professore distratto.
L’ascesa del verde rispetto al blu
Perché il verde ha preso il sopravvento? Ha a che fare con i sensori digitali. Quando la post-produzione è passata dalla pellicola ai pixel, il verde è diventato il colore predefinito. Le fotocamere digitali possono catturare i dettagli più facilmente in verde che in blu, e illuminare una parete verde è più economico e più semplice che illuminare una parete blu.
Il processo è semplice. Filmi gli attori su uno sfondo monocolore. Il software crea quindi una maschera in movimento rimuovendo quel colore (o meglio, rimuovendo tutti i colori che non lo sono). Seleziona automaticamente gli elementi in primo piano e sullo sfondo. Non è più necessario tracciare manualmente ciascun bordo fotogramma per fotogramma.
“Elimina la necessità di delineare e mascherare manualmente gli elementi fotogramma per fotogramma, rendendo il processo molto più semplice.”
Ma non è magia. Le regole sono rigide. Gli attori non possono indossare costumi che si adattino allo sfondo. Se il personaggio principale indossa una giacca verde su uno schermo verde, il suo corpo scomparirà nel nulla. Inoltre, poiché gli oggetti del mondo reale sono raramente monocromatici, spesso si verifica “bleeding”, in cui deboli tracce del colore di sfondo sanguinano nell’oggetto. Per risolvere questo problema è necessaria una forte correzione del colore.
Quando la digitazione non riesce
La chiave del colore è efficace, ma non infallibile. A volte le mani di un attore escono dalla loro zona di comfort. A volte l’elica scivola nello stato blu. Quando ciò accade, il rotoscoping interviene come squadra di pulizia.
Se qualcuno esce dall’area in cui viene manipolata la chiave, gli artisti rientrano con gli strumenti di rotoscoping. Creano manualmente un mascherino mobile per le parti che non possono essere separate utilizzando il software. Questo è un approccio ibrido. Utilizza i tasti per la maggior parte dei contenuti e il rotoscopio per gli errori.
Motion Capture e Rotoscoping
La motion capture, spesso chiamata mocap o più recentemente performance capture, è molto più di una semplice nuova tecnologia. Si tratta di un’evoluzione digitale rispetto a vecchie tecniche come il rotoscoping e il color keying. L’obiettivo rimane lo stesso. Il processo di combinazione di nuovi elementi in movimento (solitamente attori) in una scena. dove il rotoscoping viene tracciato su pellicola, la motion capture richiede ancora la creazione di un fotogramma 3D da zero. È come la differenza tra disegnare un volto su una lavagna e scolpire la struttura scheletrica sottostante.
Questa tecnologia è nata a metà degli anni ’90. Originariamente era per scopi scientifici. I ricercatori vogliono studiare il movimento. Fu allora che Hollywood se ne accorse. La configurazione iniziale è stata complicata. Gli attori indossano costumi con segni riflettenti. Si esibiscono da soli in studio. Le telecamere li circondano. I dati vengono memorizzati nel software. Viene visualizzato il modello 3D. Gli animatori hanno aggiunto volti, vestiti e anime in post-produzione.
Ideale per le prime prove. L’ombra di Batman in Batman Forever (1995). La folla in Titanic (1996). Jar Jar Binks in Star Wars Episodio 1 (1999). Poi è arrivato Gollum. Eseguita da Andy Serkis. Questo cambia tutto. Ciò dimostra che i personaggi digitali possono avere un peso emotivo.
Ma l’industria non si ferma qui. Ogni blockbuster richiede di meglio.
Il volto della performance
Il progresso più grande è la cattura del volto. Le prime versioni utilizzavano pennarelli sul viso. Sembra molto rigido. Sembra falso. Poi sono arrivati ”King Kong” (2005) e “Pirati dei Caraibi: Soul Chest” (2006). Davy Jones è stato un pioniere. Tuttavia, Avatar (2009) ha cambiato il gioco in modo significativo.
Il regista James Cameron voleva qualcosa di più dell’azione. Voleva microespressioni. Ha usato caschi con telecamere puntate sui volti degli attori. La loro pelle è dipinta con punti. La telecamera registrava ogni contrazione. Ogni battito di ciglia. Ogni movimento delle labbra. Non sono solo dati fisici. Questi sono i dati sulle prestazioni.
Gli attori indossavano ancora le tute a LED a infrarossi. Sono ancora in fase di ripresa di “The Volume” per Weta Digital. Ma finalmente potevano vedersi. possono reagire. Il software prende i dati grezzi e li mappa in caratteri Na’vi. Gli animatori non devono più indovinare come dovrebbe essere una smorfia sottile. Questo è tutto. Catturato. Genuino.
Confrontatelo con i primi giorni. Ne Il Signore degli Anelli, la maggior parte del volto di Gollum è stata animata manualmente utilizzando le informazioni del corpo come guida. In Avatar, il volto è la performance. La differenza è importante. Questa è la differenza tra un burattino e un essere umano.
Realismo sul posto
Il tecnico è uscito dallo studio. Pirati dei Caraibi: La maledizione del forziere fantasma permette a Bill Nighy di apparire con il cast. indossa quel vestito. Indossava i pennarelli. Ma era sul set. Stava interagendo con Orlando Bloom e Keira Knightley. Industrial Light & Magic ha successivamente aggiunto i tentacoli CGI. L’interazione era reale.
Nel 2011, L’Ascesa del Pianeta delle Scimmie ha compiuto ulteriori progressi. Caesar, interpretato ancora una volta da Andy Serkis, è stato girato all’aperto. Riprese in esterni. Luce naturale. Le luci LED a infrarossi e le telecamere del casco si occupano del resto. * L’alba del pianeta delle scimmie (2014) ha migliorato questo aspetto. L’ambiente è reale. Tutti gli artisti sono reali. Le scimmie erano reali, ma il modo in cui lo fanno non ha precedenti.
Vedere l’invisibile
Forse l’innovazione più dirompente viene da Avatar. Telecamere virtuali.
Cameron non ha dovuto aspettare la post-produzione per vedere la CGI. Poteva guardare attraverso un monitor. Ha visto i Na’vi nella giungla. Vide l’illuminazione. Ha visto la composizione. Tutto in tempo reale. Ciò ti consente di dirigere l’inquadratura come se il personaggio fosse effettivamente lì. Ha regolato l’angolazione della telecamera. Ha cambiato l’illuminazione. Dà istruzioni in base a ciò che vede, non a ciò che immagina.
Peter Jackson ha utilizzato la stessa tecnica in Lo Hobbit: Un Viaggio Inaspettato (2012). Di conseguenza, la post-produzione richiedeva ancora molto tempo. La lucidatura finale ha richiesto diversi mesi. Ma per quanto riguarda la direzione? Questo è successo quel giorno. La grafica sul set migliora ogni anno. Il divario tra visione ed esecuzione si sta riducendo.
La Uncanny Valley e oltre
Mocap non è solo per i film dal vivo. Ha costruito un mondo intero. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) è stato un tentativo di realizzare un film completamente animato. Sembra molto reale. Sembrava sbagliato. I personaggi si perdono in una “bellissima valle”. Sembravano persone, ma c’era qualcosa di diverso in loro. Gli occhi non seguivano del tutto. La pelle non respirava del tutto.
Robert Zemeckis ci ha riprovato in The Polar Express (2004) e Beowulf (2007). Maggiori dettagli. È più realistico. Tuttavia, gli spettatori hanno esitato. La tecnologia esiste. L’anima non corrisponde affatto alla pelle.
Ma le denunce diminuiscono. La nuova animazione non suscita un’ansia così primordiale. Il rendering è più veloce. Descrivi più in dettaglio. I confini tra umano e digitale si stanno sfumando. Non è solo sport. Per favore esisti.
Abbiamo superato la fase della novità. Mark scomparve dalla vista. Il casco è più sottile. Le fotocamere sono appena diventate più intelligenti. Il resto è storia. E gli attori.
Il futuro non è nelle migliori condizioni. Si tratta dell’invisibilità. Quando non ricordo, gli attori sono vestiti con i loro abiti. Quando dimentichi che il personaggio non è reale. Questo è tutto.
siamo molto vicini.
L’acquisizione delle prestazioni ti consente di fare cose che il rotoscopio non può fare. Rende gli attori esseri viventi. Qualsiasi essere vivente. La storia detta la forma e la tecnologia lo consente. Nessuno passa ore sulla poltrona del trucco. Nessun costume pesante e restrittivo. I risultati sembrano molto realistici. Si muove in modo realistico.
Informatevi però sui costi. È costoso. E non è sempre lo strumento giusto per il lavoro.
La maggior parte dei film si basa su effetti che non noti. Il microfono è estratto dal telaio. Riprendere una scena innevata in primavera e aggiungere altra neve in seguito. Queste sono soluzioni invisibili. Mantengono intatta l’illusione senza trasformare tutti i personaggi in modelli CGI. Non tutte le storie necessitano di un doppio digitale.
È qui che il dibattito tra rotoscoping e motion capture diventa interessante. Entrambi i metodi catturano l’anima dell’attore in un corpo animato. Si tracciano i fotogrammi a mano. L’altro registra il movimento delle ossa e la deformazione della pelle. Ma servono padroni diversi.
Perché il rotoscoping è ancora importante
Con gli strumenti digitali puoi ottenere risultati rapidamente. più economico. È più reale che mai. Potresti pensare che il rotoscoping sia obsoleto. Una tecnica dell’era del disegno a mano.
Questo non è vero.
Rimane un’arma utile nell’arsenale di un regista. A volte vuoi un certo aspetto. Una nebbia da sogno. Una realtà che cambia. Richard Linklater lo ha utilizzato in Waking Life e “A Scanner Darkly”. Lo stile diventa sostanza.
Il rotoscoping non è solo una questione di stile. Questo è per la sopravvivenza.
È anche una rete di sicurezza. Quando una scena va storta. Quando un effetto pratico fallisce. Quando la composizione richiede un ritaglio perfetto al pixel. L’animatore tirò fuori il suo tablet. fotogramma per fotogramma. È noioso. È preciso. Funziona.
Quando scegliere quale?
Quindi quale metodo dovresti scegliere?
Se desideri persone e creature realistiche che si muovono secondo il peso e la gravità naturali, la performance capture è la risposta. Cattura le microespressioni. sottili cambiamenti nella postura. Gli attori fanno molto più che semplici doppiatori nelle classifiche. Sono nella scena.
Se vuoi l’astrazione artistica. O se hai bisogno di sistemare una ripresa pratica disordinata. Il rotoscoping è ancora il re. Offre controllo. Controllo a livello di pixel.
Anche la produzione di film live-action è cambiata. Ora puoi filmare anche scene pericolose. Troppo costoso. O forse non è possibile nel mondo reale. La composizione digitale lo rende possibile. Tuttavia, la scelta tra frame tracking e bone tracking dipende dai tuoi obiettivi.
Vuoi realismo? Oppure vuoi emozioni?
Questi strumenti sono migliori che mai. Le tue opzioni si espandono. Ma l’obiettivo rimane lo stesso. Rendilo credibile. Fallo funzionare.
