Films gingen altijd over het overschrijden van grenzen. Sinds het einde van de 19e eeuw zijn regisseurs op zoek naar de volgende grote sensatie. Georges Méliès was een van de eersten die met fotografie experimenteerde. Hij maakt korte films die de natuurkunde tarten. In zijn film Un Homme de Tête uit 1898 sneed hij zijn eigen hoofd af en stapelde het op een tafel. Twee jaar later stuurde hij een man naar de maan met een kogelvormige raket. Het is heel wild. Dit is zo dromerig.
Maar niet iedereen wil magie. Sommige mensen willen een beweging die authentiek aanvoelt.
De animatie begon ook vrij vroeg. Émile Cohl creëerde Fantasmagorie in 1908. Hij tekende honderden eenvoudige schetsen op papier en fotografeerde ze. Het was de eerste volledig geanimeerde tekenfilm. Winsor McCay introduceerde de dinosaurus Gertie in 1914. In zijn werk werden duizenden lijsten gebruikt. De bewegingen waren soepeler dan de meeste tekenfilms uit die tijd. De meeste vroege animaties waren echter onstabiel. ruw.
Dan ontstaat er een paradox. Filmmakers willen zowel het onmogelijke als het geloofwaardige. Ze proberen tekenfilms dichter bij het echte leven te brengen. Om dit te doen, bedachten ze technieken die vandaag de dag nog steeds worden gebruikt. Dit heet rotoscopie. Het werd bijna honderd jaar geleden ontwikkeld en veranderde de manier waarop we beweging op schermen zien.
Wat is rotoscopie? Waarom is het belangrijk?
Hoewel het concept van rotoscoping eenvoudig is, is het in de praktijk moeilijk te implementeren. Dit is erg tijdrovend. Vereist speciaal gereedschap. Het basisidee is eenvoudig. Je maakt live-actionmateriaal. Fotografeer bewegende acteurs of objecten. Trek vervolgens frame voor frame over dat beeldmateriaal. U kunt animaties maken op basis van de trace.
Dit geldt niet alleen voor tekenfilms. Kan worden gebruikt voor speciale effecten in live-actiefilms. Je kunt elementen scheiden. Het is mogelijk scènes te synthetiseren die in werkelijkheid niet bestaan.
Rotoscoping overbrugt de kloof tussen live action en getekende animatie. Leg de fysica van echte beweging vast en pas deze toe op je getekende personages.
Sommigen in de animatie-industrie beschouwen dit als bedrog. Ze zeggen dat als je niet alles helemaal opnieuw tekent, het geen “echte” animatie is. Computer gegenereerde beelden (CGI) hebben veel oudere technologieën vervangen. Maar rotoscoping is niet dood. Het is nog steeds een handig hulpmiddel. Dit is een voordeel voor animators en filmmakers die realistische bewegingen willen zonder giswerk.
De oorsprong van rotoscoping
Het verhaal begint met Max Fleischer. Hij was animator in de jaren 1910. Hij wilde dat de personages op natuurlijke wijze zouden bewegen. Hij wilde niet de stijve, schokkerige bewegingen van eerdere tekenfilms. Hij heeft een oplossing nodig.
Zijn oplossing was een rotoscoop. Dit was een apparaat dat filmfragmenten op een glazen paneel kon projecteren. Je kunt op de plaat tekenen terwijl je de video bekijkt. Zo kun je de beweging in een handomdraai nauwkeurig volgen.
Het eerste personage dat deze techniek gebruikte was Betty Boop. Ze verscheen in de serie Talkartoons. Haar bewegingen zijn vloeiend. Het lijkt alsof er een echt persoon aan het dansen is. Dit is een grote stap voorwaarts. Dit geeft de cartoons meer geloofwaardigheid. Het is ook leuk.
Rotoscope is niet alleen voor karakters. Ook gebruikt voor achtergrondelementen. Bijvoorbeeld in *Sneeuwwitje
Max Fleischer is meer dan alleen een kunstenaar. Hij is ook een tech-nerd, en dat was al lang voordat dat woord bestond. Als kunstredacteur van Popular Science Monthly was hij geobsedeerd door de manier waarop dingen werkten. De standaardanimatie leek hem stijf. Hij wilde vloeibaarheid. Realisme. Daarom vond hij de rotoscoop uit. Dit is een manier om tekenfilmactie te combineren met de basisprincipes van echte natuurkunde.
Hij werkt niet alleen. De Fleishers zijn familie. Max verzamelde zijn broers Dave, Joe, Lou en Charlie om het prototype te maken. Voordat Hollywood-studio’s het wisten, waren ze aan het sleutelen aan apparatuur en glas. Max vroeg in 1915 patent aan. Twee jaar later, in 1917, werd het patent verleend. Het mechanisme is eenvoudig maar innovatief.
Clown op het dak
De eerste tests zijn niet in de studio gedaan. Het staat op het dak van een appartementencomplex in New York. Het weer doet er niet toe. Het licht deed het.
Ze hadden een handbediende projector meegenomen. Ze hebben er een camera van gemaakt. Dave draagt een clownkostuum. Zijn moeder had de outfit zelf genaaid. Ze hebben ruim een minuut aan beeldmateriaal gemaakt. Dave is verhuisd. Hij danste. Hij poseerde.
Toen kwam de tracering. De broers assembleerden een rotoscoopapparaat. Het projecteerde de film frame voor frame door het glazen paneel van de kunsttafel. Max plaatste het calqueerpapier aan de andere kant. Hij volgde het beeld.
Eén frame tegelijk. Hij tekende, verplaatste de film naar het volgende frame en tekende opnieuw. Het patent beschrijft ook een koordtrekmechanisme zodat de kunstenaar niet naar de hendel hoeft te reiken. efficiëntie. Dat is het doel.
Zodra de tekening voltooid is, moet je deze fotograferen. Max gebruikt dezelfde projector en stelt deze deze keer opnieuw in als camera. Hij verwijderde en plaatste de lensdop met de hand terug. klik. om aan te raken, klik. volgende kader. Dit is fysiek werk. Nauwkeurige arbeid.
Zij hebben de film ontwikkeld. Ze speelden het terug. Het werkte. Geanimeerde clownbewegingen komen tot leven. Hij was Koko. Het personage dat een tijdperk zou definiëren.
Van Koko tot Superman
Max begon animaties te maken. Dave begon met regisseren. Rond 1919 publiceerden ze “Out of the Inkwell”. Koko de Clown trotseert de zwaartekracht en sprong uit inktpotten. De rotoscoop stabiliseerde echter zijn bewegingen.
De studio blijft groeien. In de jaren dertig hadden ze Betty Boop. De volgende is Popeye. In de jaren veertig verscheen “Superman”. Die korte broeken zijn duur. Het is ook visueel gedetailleerd. Rotoscoping stelde hen in staat realistische menselijke bewegingen te creëren en tegelijkertijd uitdrukkingen te overdrijven. Je kunt het gewicht hebben van een echt lichaam en de klik van een stripboekpaneel.
Cab Calloway staat in het middelpunt van dit alles. Drie tekenfilms van Betty Boop gebruiken rotoscoped beeldmateriaal van de jazz-zangeres: Minnie the Moocher, The Old Man of the Mountain en Sneeuwwitje. De eerste twee begonnen met live-action beelden van Calloway en zijn orkest. Minnie the Moocher bevat de vroegst bekende beelden van het optreden van Cab Calloway. Je kunt de moves van de jazzlegende vertaald zien voor Bimbo en andere personages. De verbinding tussen live action en animatie is naadloos. Het was griezelig.
Het eerste feature-length-experiment
Rotoscope is niet alleen voor korte broeken. Gebruikt door Fleischer Studios voor “Gulliver’s Travels”. Het werd uitgebracht in 1939 en was de tweede lange animatiefilm die in de Verenigde Staten werd geproduceerd. De eerste was Disney’s Sneeuwwitje, maar het werk van Fleischer heeft een andere textuur. Dynamische cinematografie geeft een gevoel van zwaartekracht aan de personages. Een aanwezigheid. Dit is niet alleen cartoonlogica. Het is menselijke logica, gefilterd door inkt.
De technologie heeft zich verspreid. Andere animators merkten het ook. Ze willen die echte kwaliteit. De Fleishers patenteerden het proces echter. Zij controleren de productiemiddelen. Er was een tijd dat als je beweging wilde rotoscopen, je naar New York moest gaan. Je hebt de vergoeding betaald. Je hebt realisme.
Het veranderde de manier waarop het publiek strips zag. Het waren niet alleen maar tekeningen meer. Het zijn optredens. Opgenomen, getraceerd en gereanimeerd. De grens tussen de echte wereld en de anime-wereld vervaagt. Koko was nog maar het begin. Technologie is de ster.
Rotoscope kopieert niet alleen bewegingen. Het vangt de ziel van de beweging.
De erfenis ervan is nog steeds zichtbaar. Moderne animators gebruiken deze tool nog steeds. In plaats van creativiteit te vervangen, verankert het deze. Als personages er echt uitzien, zelfs in een fantasiewereld, komt dat meestal doordat rotoscoping aan het werk is.
Disney wist gewoon niet hoe hij Sneeuwwitje kon laten werken. Ze schoten eerst echte mensen neer.
Marjorie Celeste Belcher (later Maggie Champion) schittert als Sneeuwwitje. Louis Hightower is een prins. Acteurs Eddie Collins en Billy House speelden Dopey en Doc. Don Brody vermomt zich en neemt het op tegen de vermomde koningin. Deze acteurs spelen in basisscènes. Hun bewegingen werden geregistreerd.
Animators volgen vervolgens de keyframes. Deze werken aan het begin en einde van acties. De tussenfoto’s? Deze zijn met de hand getekend op transparante cellen. Het is een gemengd proces. Het echte leven verandert in een tekenfilm.
Dit is geen eenmalig experiment. Disney hanteerde dezelfde aanpak met Peter Pan. Hans Conried vertolkt de stem van Mr. Darling en Kapitein Hook. Buddy Ebsen speelt een piraat. Danser Roland Dupree speelt Peter Pan. Margaret Kerry leverde de fysieke referentie voor Tinker Bell. Andere Disney-films volgden. De studio creëert fantasiewerelden op basis van live-action referenties.
Realisme discussie
Rotoscoping heeft tot discussie geleid. Sommige critici noemen het bedrog. Snelkoppeling. Ze beweren dat personages die zijn gemodelleerd naar echte mensen er anders uitzien dan traditioneel geanimeerde dieren. Deze actie voelt griezelig. Of te stijf.
Disney probeerde de techniek te verbergen. Bij de première van ‘Sneeuwwitje’ zat Belcher op het balkon. Ver weg van de menigte. Ze zeiden dat ze niet over zijn rol mocht praten. Hij wist niet eens dat ze een rotoscoop had ondergaan. Het duurde tientallen jaren voordat ze de waarheid leerde kennen. Het geheim werd uiteindelijk onthuld na een bezoek aan de Disney-tentoonstelling.
Maar de resultaten spreken voor zich. Sneeuwwitje werd een meesterwerk. Het is nog steeds een klassieker. De controverse verbleekte in vergelijking met het succes ervan.
Beyond Disney: zware rotoscoping
Ook andere studio’s schuwden deze techniek niet. Sommigen bogen zich erin. Uitgebreide rotoscoping kan ervoor zorgen dat uw film eruitziet alsof het livebeelden zijn die zijn overschilderd.
In Yellow Submarine (1968) van de Beatles stond “Lucy in the Sky with Diamonds”. Er werd gebruik gemaakt van duidelijke rotoscoping.
Ralph Bakshi heeft er zijn carrière van gemaakt. Hij gebruikte deze techniek in Wizards (1977). Dit werd gevolgd door The Lord of the Rings (1978). Het volgende nummer was “American Pop” (1981). De beroemde serie werd aangevuld met “Fire and Ice” (1983) en “Cool World” (1992). Columbia Pictures bagatelliseerde de dynamische cinematografie bij de aankondiging van ‘American Pop’. Ze waren misschien bang dat het publiek zou denken dat het een truc was. In plaats daarvan geeft het de film een unieke, dromerige kwaliteit.
Muziekvideo’s en digitale ontwikkeling
In de jaren tachtig werd rotoscoping geïntroduceerd in muziekvideo’s. A-Ha’s “Take On Me” (1985) is een hoogtepunt. Live-action beelden worden afgewisseld met schetsmatige stripboekanimatie. Het effect is verbluffend. Het paste bij de energie van het nummer.
INXS gebruikte het in hetzelfde jaar in “What You Need”. Animaties en kleureffecten zijn aan de video toegevoegd. Het zijn niet alleen speelfilms meer. Dit is een visuele storytelling in korte vorm.
Richard Linklater duwde de techniek nog verder. “Waking Life” (2001) en “A Scanner Darkly” (2006) werden beide gefilmd met live acteurs. Vervolgens omgezet in animaties. Dit proces wordt een geïnterpoleerde rotoscoping genoemd. Bob Sabiston, een afgestudeerde student aan het MIT, heeft software gemaakt die afbeeldingen tussen keyframes interpoleert. Versnel uw werk. Zorgt voor een vloeiend, drijvend resultaat. Animators kunnen zich concentreren op expressie in plaats van op handmatig frame-voor-frame werk.
Waarom het er nog steeds toe doet
Rotoscoping is meer dan alleen een voetnoot in de geschiedenis. Animators gebruiken het nog steeds om beweging helemaal opnieuw te leren. Het leert hoe lichamen in de echte ruimte moeten bewegen.
Het wordt ook gebruikt in live-actiefilms. Het is niet beperkt tot tekenfilms. Het is een hulpmiddel dat realiteit en verbeelding combineert. De grens tussen de twee is nog nooit zo vaag geweest. Of nog interessanter.
De analoge kunst van het reizen van matten
Vergeet de glanzende digitale rotoscoping van moderne CGI. Het creëren van de originele “Star Wars”-lichtzwaarden en de verschrikkingen van Alfred Hitchcocks “The Birds” is korrelig, handmatig en vermoeiend. In het analoge tijdperk ging het niet alleen om het traceren van animatiecellen. Het gaat om compositie: het samenvoegen van verschillende elementen die nog nooit eerder in dezelfde kamer hebben gestaan.
De regisseur wil waarschijnlijk dat de held op het podium staat met een echte oceaan achter hem en er doodsbang uitziet. Of misschien hadden ze een explosie nodig die te gevaarlijk was voor de acteur. Het gaat niet alleen om het richten van de camera. Jij schilderde.
De leegte schilderen
De workflow is een fysieke nachtmerrie. Je moet een filmrol nemen, elk frame op een glasplaat projecteren en met de hand tekenen.
frame voor frame.
Als u de persoon van de achtergrond wilt scheiden, kunt u de omtrek van de persoon in een transparante cel overtrekken. Verf vervolgens de rest van de cellen om een mat oppervlak (masker) te creëren. Dit masker wordt bovenop de achtergrondbeelden geplaatst. Het verduisterde gebied verbergt de achtergrond en laat een transparant venster achter voor de acteur op de voorgrond.
Je hebt echter meerdere rollen nodig. We hebben de originele beelden nodig, het zwarte masker en het ‘negatief’ van dat masker.
Hier is de truc:
- Belicht de achtergrondfilm met een zwart masker ervoor. Hierdoor wordt de achtergrond ingebrand, behalve de delen die verborgen zijn door het masker.
Stel hetzelfde frame opnieuw bloot, maar plaats dit keer het negatieve masker voor de acteur op de voorgrond. De heldere plek in het matte negatief laat de acteur precies doorschijnen waar de achtergrond bedekt is.
Dit is een cake met een laagje licht en verf. En je moet het 24 keer per seconde doen.
De reizende mat
Typische 35 mm-film draait op 24 frames per seconde. Dit komt neer op 1.440 frames per minuut. Laten we de wiskunde doen. Als de scène één minuut duurt, moeten er 1.440 afzonderlijke maskers worden getekend.
En het onderwerp beweegt.
Statische objecten zijn eenvoudig. Een persoon die loopt? Een explosie die zich uitbreidt? Dat is een reismat. De vorm en positie veranderen van frame tot frame. Als de hand van de acteur bij frame 50 5 cm naar links beweegt, moet het maskergat bij frame 50 opnieuw worden getekend. Als er een millimeter gemist wordt, wordt het samengestelde beeld schokkerig. Ziet er nep uit. Het publiek ziet het wiebelen en de betovering is verbroken.
Precisie of niets
Het gaat niet alleen om de contouren. De verlichting moet perfect bij de achtergrond passen. Als op de plaatfoto de zon ondergaat, maar de acteurs worden verlicht door tl-verlichting, ziet het samengestelde beeld eruit als een sticker op een ansichtkaart. Kleurcorrectie later kan helpen, maar slechte sporen worden er niet mee opgelost.
Fysiek moet alles aangepast worden. Films, maskers, projectorlenzen. Het enige dat nodig is, is één slip, een stofje op het glas, en alles verandert. Het resultaat is een wankele, spookachtige puinhoop.
Ruim de rommel op
Naast de blockbuster-explosies dient deze technologie ook een bescheiden doel. Het heeft fouten opgeruimd.
Heb je je ooit afgevraagd hoe je schaduw van een boommicrofoon kunt verwijderen? Of zijn het de veiligheidskabels die een stuntdraad omhoog houden? Of zijn het gewoon kleine witte podiummarkeringen op de vloer? Rotoscoping zou deze indringers kunnen traceren, maskers kunnen maken om ze te blokkeren en de gaten kunnen opvullen met schone achtergrondplaatbeelden. Het houdt de illusie intact. Je hebt de machines niet gezien. Je kunt de magie zien.
Digitale erfenis
Wij schilderen niet meer met een penseel. Computers kunnen deze reismatten binnen enkele seconden maken met behulp van kunstmatige intelligentie en randdetectie. Het handwerk is verdwenen. De fysieke rol wordt gearchiveerd. Maar de logica blijft. We isoleren nog steeds de voorgrond van de achtergrond. We zijn nog steeds aan het samenstellen.
Wij doen het gewoon sneller. En het is goedkoop.
Het eindresultaat is uiteraard schoner. Maar zal het net zo gevoelvol zijn als de handgeschilderde, matte afwerking die een week in beslag nam? Waarschijnlijk niet. Maar nogmaals, dit is geen gewone Marvel-film.
Computers krompen. Ze werden sneller. Ze werden goedkoper. Deze hardwarerevolutie heeft niet alleen de manier veranderd waarop we bewerken; fundamenteel opnieuw bedraad speciale effecten.
Met CGI kun je bijna alles vullen om de oogtest te doorstaan. Maar hoe zit het met rotoscopie? Vroeger was het een fysieke sleur. Dankzij digitale hulpmiddelen gaat het werk nu sneller dan ooit. Besteed minder tijd aan traceren en meer tijd aan creëren.
De digitale werkbank
De filosofie blijft bestaan, maar het medium is veranderd. Een glazen tafel is niet langer nodig. Nooit meer fysieke animatiecellen op geprojecteerde filmrollen stapelen.
Moderne workflows werken in virtuele lagen. Eén laag bevat een gedigitaliseerde videoclip. De andere houdt je verf vast. de andere heeft effecten. Het is niet nodig om de resultaten te fotograferen. U exporteert een digitaal bestand.
De grafische software bootst de oude trucjes na. Je kunt in het kader tekenen met een muis, trackpad of tekentablet. Wil je traditionele rotoscoopanimatie? Houd de onderliggende film zichtbaar. Wil je het eraf pellen? Alleen de animatie blijft over. Of bouw complexe maskers om gefotografeerde of door de computer gegenereerde objecten in uw scène op te nemen.
Mattes worden meestal in afzonderlijke frames getekend. Gebruik het selectiehulpmiddel. Gebruik het verfgereedschap. Dit is waar splines van pas komen. Dit zijn curven met versleepbare punten. Als u de spline in het ene frame aanpast, is het gemakkelijker om deze in het volgende frame aan te passen dan deze helemaal opnieuw te tekenen.
Automatisering en monitoring
Deze software doet meer dan alleen afbeeldingen tekenen. Het regelt de bewegingen voor u.
Volg de positie van frame tot frame. Vertel het programma waar het object zich in het eerste frame bevindt en waar het zich in het 10e frame bevindt. Laat de software ertussen interpoleren. Er wordt gekeken naar wat er moet zijn.
Moderne programma’s zijn steeds beter in staat vormen te herkennen. Ze schetsen en maskeren over meerdere frames. U hoeft niet elke rand te traceren. Dit bespaart veel tijd.
Kleuraanpassingen kunnen direct worden doorgevoerd. Verander het ene object in het andere. Verenranden met één druk op de knop. Kopieer een deel van het scherm. Deze kloontool helpt je bij het opschonen van sets. Kabels verwijderen? Kopieer de lucht of muur en schilder deze over de draad. Laat het lijken alsof het nooit heeft bestaan.
Het softwarelandschap
Rotoscoopgereedschappen verschenen niet van de ene op de andere dag. De eerste software voor dit soort werk verscheen in de jaren negentig. Kleurburst. Commotie. Matador.
De lijst van vandaag is nog langer. Sterker.
- Adobe Flash
- AdobePhotoshop
- Adobe AfterEffects
- Imagineer Systems’ Mokka
Silhouet - Vlam en rook van Autodesk
*Blackmagic’s fusie - Foundry’s Nuke, Ocula en Mari
Sommige hiervan vereisen hardware van ondernemingskwaliteit.
dure computer.
Dure licenties. Anderen, zoals de Adobe-suite, zijn toegankelijk.
Zelfs hobbyisten met een fatsoenlijke laptop kunnen aan het spel meedoen. Onafhankelijke filmmakers blijven niet langer achter.
Kleuraanpassing versus rotoscoping
Je vraagt je misschien af hoe digitale rotoscoping zich verhoudt tot een andere grote speler op het gebied van visuele effecten: Color Keying.
De kleursleutel is afhankelijk van bepaalde tinten. Je isoleert een kleur (meestal groen of blauw). Het is erg snel. Het is efficiënt voor grote achtergronden. Het mislukt echter als de objecten dezelfde kleur hebben.
Kleur doet er niet toe bij rotoscoping. Het gaat om randen.
In het digitale tijdperk vervagen de grenzen tussen deze benaderingen. De software kan nu kleur * en * rotoscoopranden in dezelfde workflow intoetsen. Belangrijke handelingen worden op de achtergrond uitgevoerd. Draai om de voorgrond te zien. Deze tools kunnen beide problemen oplossen.
Welke methode kies jij?
Hangt af van de opname. Hangt af van de complexiteit. Het hangt af van hoeveel tijd je hebt.
Maar één ding is duidelijk. Fysieke barrières verdwijnen. De glazen tafel was bedekt met stof. Een nieuw tijdperk is aangebroken. Werkt met code.
Vergeet het nauwgezette frame-voor-frame traceren van rotoscoping. Al tientallen jaren vertrouwen kunstenaars op het gebied van visuele effecten op kleurtoetsen, ook wel bekend als Chroma Keying, om digitale elementen te combineren tot live-actionbeelden. Deze technologie zit achter elk blauw scherm of groen scherm dat je ooit hebt gezien, en het was een game changer toen het voor het eerst werd gebruikt in The Thief of Bagdad in 1940.
Disney heeft echter zijn eigen geheime wapen. Ze gebruikten geen blauw of groen. Ze filmden de acteurs tegen een puur witte achtergrond en verlichtten ze alleen met natriumlampen. Deze unieke methode vermijdt schaduwen en creëert schone matten voor klassiekers als Mary Poppins Returns, The Parent Trap en The Absentminded Professor.
De opkomst van groen boven blauw
Waarom nam groen het over? Het heeft te maken met digitale sensoren. Toen de postproductie van film naar pixels ging, werd groen de standaardkleur. Digitale camera’s kunnen details gemakkelijker in het groen vastleggen dan in het blauw, en het verlichten van een groene muur is goedkoper en gemakkelijker dan het verlichten van een blauwe muur.
Het proces is eenvoudig. Je filmt acteurs tegen een eenkleurige achtergrond. De software maakt vervolgens een bewegend masker door die kleur te verwijderen (of beter gezegd: alle kleuren te verwijderen die dat niet zijn). Kies automatisch voorgrond- en achtergrondelementen. U hoeft niet langer handmatig elke rand frame voor frame te traceren.
“Het elimineert de noodzaak om elementen handmatig frame voor frame te schetsen en te maskeren, waardoor het proces veel eenvoudiger wordt.”
Maar het is geen magie. De regels zijn streng. Acteurs kunnen geen kostuums dragen die bij de achtergrond passen. Als de hoofdpersoon op een groen scherm een groen jasje draagt, verdwijnt zijn lichaam in het niets. Omdat objecten uit de echte wereld zelden monochromatisch zijn, treedt er vaak ‘bloeding’ op, waarbij vage sporen van de achtergrondkleur in het object terechtkomen. Om dit op te lossen is een sterke kleurcorrectie nodig.
Wanneer het intoetsen mislukt
De kleurtoets is effectief, maar niet onfeilbaar. Soms treden de handen van een acteur uit hun comfortzone. Soms glijdt de prop naar de blauwe toestand. Wanneer dit gebeurt, komt rotoscoping tussenbeide als schoonmaakploeg.
Als iemand het gebied verlaat waar de sleutel wordt gemanipuleerd, gaan kunstenaars weer naar binnen met rotoscopinggereedschap. Ze maken handmatig een reismat voor de onderdelen die met de software niet van elkaar konden worden gescheiden. Dit is een hybride aanpak. Gebruik sleutels voor de meeste inhoud en rotoscoop voor fouten.
Bewegingsregistratie versus rotoscoping
Motion capture, vaak mocap of recenter performance capture genoemd, is meer dan alleen een nieuwe technologie. Dit is een digitale evolutie van oude technieken zoals rotoscoping en kleursleuteling. Het doel blijft hetzelfde. Het proces waarbij nieuwe bewegende elementen (meestal acteurs) in een scène worden gecombineerd. Waar rotoscoping over film wordt getraceerd, vereist motion capture nog steeds het vanaf het begin opbouwen van een 3D-frame. Het is als het verschil tussen het tekenen van een gezicht op een schoolbord en het beeldhouwen van de skeletstructuur daaronder.
Deze technologie ontstond halverwege de jaren negentig. Oorspronkelijk was het voor wetenschappelijke doeleinden. Onderzoekers willen beweging bestuderen. Toen merkte Hollywood het op. De initiële installatie was lastig. Acteurs dragen kostuums met reflecterende markeringen. Ze treden alleen op in de studio. Camera’s omringen hen. De gegevens worden opgeslagen in de software. Het 3D-model verschijnt. Animators voegden gezichten, kleding en zielen toe in de postproductie.
Ideaal voor eerste tests. Batmans schaduw in Batman Forever (1995). De drukte in Titanic (1996). Jar Jar Binks in Star Wars aflevering 1 (1999). Toen kwam Gollum. Uitgevoerd door Andy Serkis. Dit verandert alles. Dit bewijst dat digitale karakters emotioneel gewicht kunnen hebben.
Maar daar stopt de industrie niet. Elke blockbuster vraagt om beter.
Het gezicht van prestatie
De grootste vooruitgang is het vastleggen van gezichten. Vroege versies gebruikten markeringen op het gezicht. Het ziet er erg stijf uit. Ziet er nep uit. Toen kwamen “King Kong” (2005) en “Pirates of the Caribbean: Soul Chest” (2006). Davy Jones was een pionier. Avatar (2009) heeft het spel echter aanzienlijk veranderd.
Regisseur James Cameron wilde meer dan actie. Hij wilde micro-expressies. Hij gebruikte helmen met camera’s die op de gezichten van de acteurs gericht waren. Hun huid is beschilderd met stippen. De camera registreerde elke beweging. Elke knippering. Elke beweging van de lippen. Het zijn niet alleen fysieke gegevens. Dit zijn prestatiegegevens.
De acteurs droegen nog steeds de infrarood-LED-pakken. Ze bevinden zich nog in de filmfase van “The Volume” voor Weta Digital. Maar eindelijk konden ze elkaar zien. ze kunnen reageren. De software neemt de onbewerkte gegevens en brengt deze in Na’vi-tekens in kaart. Animators hoeven niet langer te raden hoe een subtiele grimas eruit moet zien. Dat is het. Gevangen. Oprecht.
Vergelijk dit met de begindagen. In The Lord of the Rings werd het grootste deel van Gollums gezicht handmatig geanimeerd met behulp van lichaamsinformatie als leidraad. In Avatar is het gezicht de voorstelling. Het verschil is belangrijk. Dit is het verschil tussen een pop en een mens.
Realisme op locatie
De techneut verliet de studio. In Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest kan Bill Nighy met de cast verschijnen. hij draagt dat pak. Hij droeg de markeringen. Maar hij was op de set. Hij had interactie met Orlando Bloom en Keira Knightley. Industrial Light & Magic voegde later CGI-tentakels toe. De interactie was echt.
In 2011 was Rise of the Planet of the Apes nog verder gevorderd. Caesar, opnieuw gespeeld door Andy Serkis, werd buiten gefilmd. Opname op locatie. Natuurlijk licht. Infrarood LED-verlichting en helmcamera’s zorgen voor de rest. * Dawn of the Planet of the Apes (2014) verbeterde dit. De omgeving is echt. Alle artiesten zijn echt. De apen bestonden echt, maar de manier waarop ze dat doen is ongekend.
Het onzichtbare zien
Misschien wel de meest disruptieve innovatie komt van Avatar. Virtuele camera’s.
Cameron hoefde niet te wachten tot de postproductie om CGI te zien. Hij kon door een monitor kijken. Hij zag de Na’vi in de jungle. Hij zag de verlichting. Hij zag de compositie. Alles in realtime. Hierdoor kun je de opname richten alsof het personage er daadwerkelijk is. Hij heeft de camerahoek aangepast. Hij heeft de verlichting veranderd. Hij geeft instructies op basis van wat hij ziet, niet wat hij zich voorstelt.
Peter Jackson gebruikte dezelfde techniek in The Hobbit: An Unexpected Journey (2012). Hierdoor kostte de postproductie nog steeds veel tijd. Het uiteindelijke polijsten duurde enkele maanden. Maar hoe zit het met de richting? Dit gebeurde die dag. De graphics op de set worden elk jaar beter. De kloof tussen visie en uitvoering wordt kleiner.
De Uncanny Valley en verder
Mocap is niet alleen voor live-actiefilms. Het heeft een hele wereld opgebouwd. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) was een poging om een volledig animatiefilm te maken. Ziet er heel echt uit. Het voelde verkeerd. De personages verdwalen in een ‘prachtige vallei.’ Ze leken op mensen, maar er was iets anders aan hen. De ogen volgden het niet helemaal. De huid ademde niet helemaal.
Robert Zemeckis probeerde het opnieuw in The Polar Express (2004) en Beowulf (2007). Meer details. Het is realistischer. Toch aarzelden de kijkers. De technologie bestaat. De ziel past helemaal niet bij de huid.
Maar de klachten nemen af. De nieuwe animatie wekt niet zoveel oerangst op. Het renderen gaat sneller. Beschrijf meer in detail. De grenzen tussen mens en digitaal vervagen. Het is niet alleen sporten. Bestaan alsjeblieft.
We zijn de nieuwigheidsfase voorbij. Mark verdween uit het zicht. De helm is dunner. Camera’s zijn gewoon slimmer geworden. De rest is geschiedenis. En de acteurs.
De toekomst ziet er niet beter uit. Het gaat over onzichtbaarheid. Als ik het vergeet, zijn de acteurs gekleed in hun uitrusting. Als je vergeet dat het personage niet echt is. Dat is het.
we zijn heel dichtbij.
Dankzij het vastleggen van prestaties kunt u dingen doen die Rotoscope niet kan. Het maakt acteurs tot levende wezens. Elk levend wezen. Het verhaal dicteert de vorm en de technologie maakt dit mogelijk. Niemand brengt uren door in de make-upstoel. Geen zware, beperkende kostuums. De resultaten zien er zeer realistisch uit. Het beweegt realistisch.
Maar informeer naar de kosten. Het is duur. En het is niet altijd het juiste gereedschap voor de klus.
De meeste films zijn afhankelijk van effecten die je niet merkt. De microfoon wordt uit het frame getrokken. Een besneeuwde scène fotograferen in de lente en later meer sneeuw toevoegen. Dit zijn onzichtbare oplossingen. Ze houden de illusie intact zonder alle personages in CGI-modellen te veranderen. Niet alle verhalen hebben een digitale dubbelganger nodig.
Dit is waar het debat tussen rotoscoping en motion capture interessant wordt. Beide methoden vangen de ziel van de acteur in een geanimeerd lichaam. Men traceert frames met de hand. De andere registreert de beweging van het bot en de vervorming van de huid. Maar ze dienen verschillende meesters.
Waarom rotoscoping nog steeds belangrijk is
Met digitale hulpmiddelen kunt u snel resultaten boeken. goedkoper. Het is reëler dan ooit. Je zou kunnen denken dat rotoscoping achterhaald is. Een techniek uit het handgetekende tijdperk.
Dit is niet waar.
Het blijft een nuttig wapen in het arsenaal van een filmmaker. Soms wil je een bepaalde look. Een dromerige mist. Een veranderende realiteit. Richard Linklater gebruikte het in Waking Life en “A Scanner Darkly.” Stijl wordt inhoud.
Rotoscoping is niet alleen voor stijl. Dit is om te overleven.
Het is ook een vangnet. Wanneer een scène misgaat. Wanneer een praktisch effect faalt. Wanneer compositie een pixel-perfecte uitsnede vereist. De animator haalde zijn tablet tevoorschijn. frame voor frame. Het is vervelend. Het is nauwkeurig. Het werkt.
Wanneer kies je welke?
Dus welke methode moet je kiezen?
Als je realistische mensen en wezens wilt die met natuurlijk gewicht en zwaartekracht bewegen, is het vastleggen van prestaties de oplossing. Het legt de micro-expressies vast. subtiele veranderingen in houding. Acteurs doen meer dan alleen stemacteurs in de hitlijsten. Ze zijn in de scène.
Als je artistieke abstractie wilt. Of als je een rommelige praktijkfoto moet maken. Rotoscoping is nog steeds koning. Het biedt controle. Bediening op pixelniveau.
De productie van live-actiefilms is ook veranderd. Je kunt nu zelfs gevaarlijke scènes filmen. Te duur. Of misschien is het in de echte wereld niet mogelijk. Digitale compositie maakt dit mogelijk. De keuze tussen frame-tracking en bone-tracking hangt echter af van uw doelen.
Wil je realisme? Of wil je emoties?
Deze tools zijn beter dan ooit. Uw opties breiden zich uit. Maar het doel blijft hetzelfde. Maak het geloofwaardig. Laat het werken.
