In Filmen ging es schon immer darum, Grenzen zu überschreiten. Seit dem späten 19. Jahrhundert sind Regisseure auf der Jagd nach dem nächsten großen Nervenkitzel. Georges Méliès war einer der ersten Menschen, der mit Fotografie experimentierte. Er macht Kurzfilme, die der Physik trotzen. In seinem Film Un Homme de Tête aus dem Jahr 1898 war zu sehen, wie er sich den Kopf abschlug und ihn auf einen Tisch stapelte. Zwei Jahre später schickte er einen Mann mit einer kugelförmigen Rakete zum Mond. Es ist sehr wild. Das ist so verträumt.
Aber nicht jeder will Magie. Manche Menschen wünschen sich eine Bewegung, die sich authentisch anfühlt.
Auch die Animation begann recht früh. Émile Cohl schuf Fantasmagorie im Jahr 1908. Er zeichnete Hunderte einfacher Skizzen auf Papier und fotografierte sie. Es war der erste vollständig animierte Zeichentrickfilm. Winsor McCay stellte 1914 den Dinosaurier Gertie vor. Tausende von Rahmen wurden in seiner Arbeit verwendet. Seine Bewegungen waren flüssiger als die der meisten Zeichentrickfilme dieser Zeit. Allerdings waren die meisten frühen Animationen instabil. grob.
Dann entsteht ein Paradoxon. Filmemacher wollen sowohl das Unmögliche als auch das Glaubwürdige. Sie versuchen, Cartoons dem wirklichen Leben näher zu bringen. Dazu erfanden sie Techniken, die noch heute angewendet werden. Dies nennt man Rotoskopieren. Es wurde vor fast hundert Jahren entwickelt und veränderte die Art und Weise, wie wir Bewegungen auf Bildschirmen sehen.
Was ist Rotoskopieren? Warum ist es wichtig?
Obwohl das Konzept des Rotoskopierens einfach ist, lässt es sich in der Praxis nur schwer umsetzen. Das ist sehr zeitaufwändig. Erfordert Spezialwerkzeuge. Die Grundidee ist einfach. Sie drehen Realfilmmaterial. Fotografieren Sie bewegliche Schauspieler oder Objekte. Verfolgen Sie dann das Filmmaterial Bild für Bild. Sie können Animationen aus der Spur erstellen.
Das gilt nicht nur für Cartoons. Kann für Spezialeffekte in Realfilmen verwendet werden. Sie können Elemente trennen. Es ist möglich, Szenen zu synthetisieren, die in der Realität nicht existieren.
Rotoscoping schließt die Lücke zwischen Live-Action und gezeichneter Animation. Erfassen Sie die Physik realer Bewegung und wenden Sie sie auf Ihre gezeichneten Charaktere an.
Einige in der Animationsbranche betrachten dies als Betrug. Man sagt, wenn man nicht alles von Grund auf zeichnet, handelt es sich nicht um eine „echte“ Animation. Computergenerierte Bilder (CGI) haben viele ältere Technologien ersetzt. Aber Rotoskopieren ist nicht tot. Es ist immer noch ein nützliches Werkzeug. Dies ist ein Vorteil für Animatoren und Filmemacher, die realistische Bewegungen ohne Rätselraten wünschen.
Der Ursprung des Rotoskopierens
Die Geschichte beginnt mit Max Fleischer. In den 1910er Jahren war er als Trickfilmzeichner tätig. Er wollte, dass sich die Charaktere natürlich bewegen. Er wollte nicht die steifen, ruckartigen Bewegungen früherer Cartoons. Er braucht eine Lösung.
Seine Lösung war ein Rotoskop. Dabei handelte es sich um ein Gerät, das Filmausschnitte auf eine Glasscheibe projizieren konnte. Sie können auf der Platte zeichnen, während Sie das Video ansehen. So können Sie die Bewegung im Handumdrehen genau verfolgen.
Die erste Figur, die diese Technik anwendete, war Betty Boop. Sie trat in der Serie Talkartoons auf. Ihre Bewegungen sind fließend. Es sieht aus, als ob eine echte Person tanzt. Das ist ein großer Schritt nach vorne. Das verleiht den Cartoons mehr Glaubwürdigkeit. Es macht auch Spaß.
Rotoskop ist nicht nur für Charaktere gedacht. Wird auch für Hintergrundelemente verwendet. Zum Beispiel in *Schneewittchen
Max Fleischer ist mehr als nur ein Künstler. Er ist auch ein Technikfreak, und das schon lange bevor es dieses Wort gab. Als Kunstredakteur von Popular Science Monthly war er davon besessen, wie die Dinge funktionierten. Die Standardanimation kam ihm steif vor. Er wollte Flüssigkeit. Realismus. Also erfand er das Rotoskop. Dies ist eine Möglichkeit, Cartoon-Action mit den Grundlagen der echten Physik zu kombinieren.
Er arbeitet nicht alleine. Die Fleishers gehören zur Familie. Max versammelte seine Brüder Dave, Joe, Lou und Charlie, um den Prototyp zu erstellen. Bevor die Hollywood-Studios sich versahen, bastelten sie an Ausrüstung und Glas. Max meldete 1915 ein Patent an. Das Patent wurde zwei Jahre später, 1917, erteilt. Der Mechanismus ist einfach, aber innovativ.
Clown auf dem Dach
Die ersten Tests fanden nicht im Studio statt. Es befindet sich auf dem Dach eines Wohnhauses in New York. Das Wetter spielt keine Rolle. Das Licht tat es.
Sie brachten einen Projektor mit Handkurbel mit. Sie haben daraus eine Kamera gemacht. Dave trägt ein Clownkostüm. Seine Mutter hatte das Outfit selbst genäht. Sie haben über eine Minute Filmmaterial gedreht. Dave ist umgezogen. Er hat getanzt. Er posierte.
Dann kam die Nachverfolgung. Die Brüder bauten ein Rotoskopgerät zusammen. Es projizierte den Film Bild für Bild durch die Glasscheibe des Kunsttisches. Max legte das Transparentpapier auf die andere Seite. Er zeichnete das Bild nach.
Ein Bild nach dem anderen. Er zeichnete, dann bewegte er den Film zum nächsten Bild und zeichnete erneut. Das Patent beschreibt auch einen Schnurzugmechanismus, damit der Künstler nicht zum Hebel greifen muss. Effizienz. Das ist das Ziel.
Sobald die Zeichnung fertig ist, müssen Sie sie fotografieren. Max verwendet denselben Projektor und richtet ihn dieses Mal erneut als Kamera ein. Er entfernte und setzte den Objektivdeckel von Hand auf. klicken. Zum Berühren klicken. nächsten Frame. Das ist körperliche Arbeit. Präzise Arbeit.
Sie haben den Film entwickelt. Sie haben es abgespielt. Es hat funktioniert. Animierte Clownbewegungen werden zum Leben erweckt. Er war Koko. Der Charakter, der eine Ära definieren würde.
Von Koko bis Superman
Max begann, Animationen zu machen. Dave begann mit der Regie. Um 1919 veröffentlichten sie „Out of the Inkwell“. Koko der Clown trotzt der Schwerkraft und sprang aus Tintenfässern. Das Rotoskop stabilisierte jedoch seine Bewegungen.
Das Studio wächst weiter. In den 1930er Jahren gab es Betty Boop. Als nächstes kommt Popeye. In den 1940er Jahren erschien „Superman“. Diese Shorts sind teuer. Es ist auch optisch detailliert. Rotoskopieren ermöglichte es ihnen, realistische menschliche Bewegungen zu erzeugen und gleichzeitig die Mimik zu übertreiben. Sie können das Gewicht eines echten Körpers und den Schnappschuss einer Comic-Tafel haben.
Cab Calloway ist der Mittelpunkt des Ganzen. Drei Betty-Boop-Cartoons verwenden Rotoskopaufnahmen der Jazzsängerin: Minnie the Moocher, The Old Man of the Mountain und Snow White. Die ersten beiden begannen mit Live-Action-Aufnahmen von Calloway und seinem Orchester. Minnie the Moocher enthält das früheste bekannte Filmmaterial von Cab Calloways Auftritt. Sie können sehen, wie die Bewegungen der Jazzlegende für Bimbo und andere Charaktere übersetzt wurden. Die Verbindung zwischen Live-Action und Animation ist nahtlos. Es war unheimlich.
Das erste Feature-Length-Experiment
Rotoskop ist nicht nur etwas für Shorts. Wird von den Fleischer Studios für „Gullivers Reisen“ verwendet. Es erschien 1939 und war der zweite abendfüllende Animationsfilm, der in den Vereinigten Staaten produziert wurde. Das erste war Disneys Schneewittchen, aber Fleischers Werk hat eine andere Struktur. Die dynamische Kinematographie verleiht den Charakteren ein Gefühl von Schwerkraft. Eine Präsenz. Das ist nicht nur Cartoon-Logik. Es ist menschliche Logik, gefiltert durch Tinte.
Die Technologie hat sich verbreitet. Auch andere Animatoren haben es bemerkt. Sie wollen diese echte Qualität. Die Fleishers ließen sich das Verfahren jedoch patentieren. Sie kontrollieren die Produktionsmittel. Es gab eine Zeit, in der man nach New York fahren musste, wenn man Bewegungen rotoskopieren wollte. Sie haben die Gebühr bezahlt. Du hast Realismus.
Es veränderte die Art und Weise, wie das Publikum Comics sah. Es waren nicht mehr nur Zeichnungen. Es sind Aufführungen. Aufgezeichnet, verfolgt und wiederbelebt. Die Grenze zwischen der realen Welt und der Anime-Welt verschwimmt. Koko war nur der Anfang. Technologie ist der Star.
Rotoskop kopiert nicht nur Bewegungen. Es fängt die Seele der Bewegung ein.
Sein Erbe ist noch heute sichtbar. Moderne Animatoren verwenden dieses Tool immer noch. Anstatt Kreativität zu ersetzen, verankert es sie. Wenn Charaktere selbst in einer Fantasiewelt real aussehen, liegt das meist daran, dass Rotoscoping am Werk ist.
Disney hat einfach nicht herausgefunden, wie man Schneewittchen zum Laufen bringt. Sie haben zuerst echte Menschen erschossen.
Marjorie Celeste Belcher (später Maggie Champion) spielt Schneewittchen. Louis Hightower ist ein Prinz. Die Schauspieler Eddie Collins und Billy House spielten Dopey und Doc. Don Brody verkleidet sich und nimmt es mit der verkleideten Königin auf. Diese Schauspieler spielen in einfachen Szenen. Ihre Bewegungen wurden aufgezeichnet.
Animatoren folgen dann den Keyframes. Diese wirken am Anfang und am Ende von Aktionen. Die Zwischenaufnahmen? Diese werden von Hand auf transparente Zellen gezeichnet. Es ist ein gemischter Prozess. Das wirkliche Leben wird zum Cartoon.
Dies ist kein einmaliges Experiment. Den gleichen Ansatz verfolgte Disney bei Peter Pan. Hans Conried spricht Mr. Darling und Captain Hook. Buddy Ebsen spielt einen Piraten. Tänzer Roland Dupree spielt Peter Pan. Margaret Kerry lieferte die physische Referenz für Tinker Bell. Es folgten weitere Disney-Filme. Das Studio erschafft Fantasiewelten basierend auf Live-Action-Referenzen.
Realismusdiskussion
Rotoskopie hat eine Debatte ausgelöst. Manche Kritiker nennen es Betrug. Abkürzung. Sie behaupten, dass Charaktere, die echten Menschen nachempfunden sind, anders aussehen als traditionell animierte Tiere. Diese Aktion fühlt sich unheimlich an. Oder zu steif.
Disney versuchte, die Technik zu verbergen. Bei der Premiere von „Schneewittchen“ saß Belcher auf dem Balkon. Weit weg von der Masse. Sie sagten ihr, sie solle nicht über seine Rolle sprechen. Er wusste nicht einmal, dass sie rotoskopiert worden war. Es dauerte Jahrzehnte, bis sie die Wahrheit erfuhr. Das Geheimnis wurde schließlich nach dem Besuch der Disney-Ausstellung gelüftet.
Aber die Ergebnisse sprechen für sich. Schneewittchen wurde ein Meisterwerk. Es ist immer noch ein Klassiker. Die Kontroverse verblasste im Vergleich zu ihrem Erfolg.
Jenseits von Disney: Schweres Rotoskopieren
Auch andere Studios schreckten vor dieser Technik nicht zurück. Einige lehnten sich hinein. Durch umfangreiches Rotoskopieren kann Ihr Film wie übermaltes Live-Material aussehen.
In „Yellow Submarine“ (1968) der Beatles war „Lucy in the Sky with Diamonds“ zu hören. Es wurde offensichtlich Rotoskopieren verwendet.
Ralph Bakshi hat daraus eine Karriere gemacht. Er verwendete diese Technik in Wizards (1977). Es folgte „Der Herr der Ringe“ (1978). Als nächstes folgte „American Pop“ (1981). Die berühmte Serie wurde mit „Fire and Ice“ (1983) und „Cool World“ (1992) vervollständigt. Columbia Pictures spielte bei der Ankündigung von „American Pop“ die dynamische Kinematographie herunter. Sie hatten möglicherweise Angst, dass das Publikum denken würde, es sei ein Trick. Stattdessen verleiht es dem Film eine einzigartige, traumhafte Qualität.
Musikvideos und digitale Entwicklung
In den 1980er Jahren wurde Rotoscoping bei Musikvideos eingeführt. A-Has „Take On Me“ (1985) ist herausragend. Live-Action-Aufnahmen wechseln sich mit skizzenhaften Comic-Animationen ab. Der Effekt ist erstaunlich. Es passte zur Energie des Liedes.
INXS verwendete es im selben Jahr in „What You Need“. Dem Video wurden Animationen und Farbeffekte hinzugefügt. Es sind nicht mehr nur Spielfilme. Dabei handelt es sich um eine visuelle Kurzgeschichtenerzählung.
Richard Linklater hat die Technik noch weiter vorangetrieben. „Waking Life“ (2001) und „A Scanner Darkly“ (2006) wurden beide mit Live-Schauspielern gedreht. Dann in Animationen umgewandelt. Dieser Vorgang wird als interpoliertes Rotoskopieren bezeichnet. Bob Sabiston, ein Doktorand am MIT, hat eine Software entwickelt, die Bilder zwischen Keyframes interpoliert. Beschleunigen Sie Ihre Arbeit. Erzeugt ein gleichmäßiges, fließendes Ergebnis. Animatoren können sich auf den Ausdruck statt auf die manuelle Bild-für-Bild-Arbeit konzentrieren.
Warum es immer noch wichtig ist
Rotoscoping ist mehr als nur eine Fußnote in der Geschichte. Animatoren verwenden es immer noch, um Bewegungen von Grund auf zu lernen. Es lehrt, wie sich Körper im realen Raum bewegen.
Es wird auch in Realfilmen verwendet. Es ist nicht auf Cartoons beschränkt. Es ist ein Werkzeug, das Realität und Fantasie verbindet. Die Grenze zwischen den beiden war noch nie so fließend. Oder noch interessanter.
Die analoge Kunst des Reisens Mattes
Vergessen Sie das glänzende digitale Rotoskopieren moderner CGI. Die Herstellung der originalen „Star Wars“-Lichtschwerter und der Schrecken von Alfred Hitchcocks „Die Vögel“ ist mühsam, manuell und anstrengend. Im analogen Zeitalter ging es nicht nur darum, Animationszellen nachzuzeichnen. Es geht um Compositing – das Zusammenfügen verschiedener Elemente, die noch nie zuvor im selben Raum waren.
Der Regisseur möchte wahrscheinlich, dass der Held mit einem echten Ozean hinter sich auf der Bühne steht und verängstigt aussieht. Oder vielleicht brauchten sie eine Explosion, die für den Schauspieler zu gefährlich war. Es geht nicht nur darum, die Kamera auszurichten. Du hast gemalt.
Die Leere malen
Der Arbeitsablauf ist ein physischer Albtraum. Sie müssen eine Filmrolle nehmen, jedes Bild auf eine Glasplatte projizieren und es von Hand zeichnen.
Bild für Bild.
Wenn Sie die Person vom Hintergrund trennen möchten, können Sie die Umrisse der Person in einer transparenten Zelle nachzeichnen. Malen Sie anschließend die restlichen Zellen aus, um eine matte Oberfläche (Maske) zu erzeugen. Diese Maske wird über dem Hintergrundmaterial platziert. Der geschwärzte Bereich verbirgt den Hintergrund und hinterlässt ein transparentes Fenster für den Schauspieler im Vordergrund.
Sie benötigen jedoch mehrere Rollen. Wir benötigen das Originalmaterial, die schwarze Maske und das „Negativ“ dieser Maske.
Hier ist der Trick:
- Belichten Sie den Hintergrundfilm mit einer schwarzen Maske davor. Dadurch wird der Hintergrund bis auf die von der Maske verdeckten Teile eingebrannt.
Belichten Sie das gleiche Bild noch einmal, aber platzieren Sie dieses Mal die Negativmaske vor dem Schauspieler im Vordergrund. Der klare Fleck in der Negativmatte lässt den Schauspieler genau dort durchscheinen, wo der Hintergrund verdeckt ist.
Dies ist ein mit Licht und Farbe geschichteter Kuchen. Und das muss man 24 Mal pro Sekunde machen.
Die Reisematte
Ein typischer 35-mm-Film läuft mit 24 Bildern pro Sekunde. Das entspricht 1.440 Bildern pro Minute. Lass uns rechnen. Wenn die Szene eine Minute dauert, müssen 1.440 einzelne Masken gezeichnet werden.
Und das Thema bewegt sich.
Statische Objekte sind einfach. Eine Person, die geht? Eine Explosion, die sich ausdehnt? Das ist eine Reisematte. Form und Position ändern sich von Rahmen zu Rahmen. Wenn sich die Hand des Schauspielers bei Bild 50 5 cm nach links bewegt, muss das Maskenloch bei Bild 50 neu gezeichnet werden. Bei einer Abweichung von einem Millimeter wird das zusammengesetzte Bild unruhig. Sieht falsch aus. Das Publikum sieht das Wackeln und der Bann ist gebrochen.
Präzision oder nichts
Es geht nicht nur um die Umrisse. Die Beleuchtung muss perfekt zum Hintergrund passen. Wenn die Sonne auf dem Plattenfoto untergeht, die Schauspieler aber von Leuchtstofflampen beleuchtet werden, sieht das zusammengesetzte Bild wie ein Aufkleber auf einer Postkarte aus. Eine spätere Farbkorrektur kann hilfreich sein, aber schlechte Spuren werden dadurch nicht behoben.
Alles muss körperlich angepasst werden. Filme, Masken, Projektorlinsen. Es braucht nur einen Ausrutscher, ein Staubkorn auf dem Glas und alles ändert sich. Das Ergebnis ist ein wackeliges, gespenstisches Durcheinander.
Räumen Sie das Chaos auf
Über die Blockbuster-Explosionen hinaus dient diese Technologie auch einem bescheidenen Zweck. Es hat Fehler beseitigt.
Haben Sie sich jemals gefragt, wie man Schatten von einem Boom-Mikrofon entfernt? Oder sind es die Sicherheitskabel, die einen Stuntdraht halten? Oder sind es nur kleine weiße Markierungen auf dem Boden? Durch Rotoskopieren könnten diese Eingriffe verfolgt, Masken erstellt werden, um sie auszublenden, und die Lücken mit sauberem Hintergrundplattenmaterial gefüllt werden. Es hält die Illusion aufrecht. Du hast die Maschinerie nicht gesehen. Man kann die Magie sehen.
Digitales Erbe
Wir malen nicht mehr mit dem Pinsel. Mithilfe künstlicher Intelligenz und Kantenerkennung können Computer diese Wandermatten in Sekundenschnelle erstellen. Die Handarbeit entfällt. Die physische Rolle wird archiviert. Aber die Logik bleibt bestehen. Wir isolieren immer noch den Vordergrund vom Hintergrund. Wir komponieren immer noch.
Wir machen es einfach schneller. Und es ist günstig.
Natürlich ist das Endergebnis sauberer. Aber wird es so gefühlvoll sein wie das handgemalte matte Finish, dessen Fertigstellung eine Woche gedauert hat? Wahrscheinlich nicht. Aber andererseits ist dies kein gewöhnlicher Marvel-Film.
Computer schrumpften. Sie wurden schneller. Sie wurden billiger. Diese Hardware-Revolution hat nicht nur die Art und Weise verändert, wie wir bearbeiten; Grundlegend neu verkabelte Spezialeffekte.
Mit CGI können Sie fast alles stopfen, um den Sehtest zu bestehen. Aber was ist mit Rotoskopieren? Früher war es eine körperliche Belastung. Dank digitaler Tools geht die Arbeit jetzt schneller als je zuvor. Verbringen Sie weniger Zeit mit der Nachverfolgung und mehr Zeit mit der Erstellung.
Die digitale Werkbank
Die Philosophie bleibt bestehen, aber das Medium hat sich verändert. Ein Glastisch wird nicht mehr benötigt. Kein Stapeln physischer Animationszellen mehr auf projizierten Filmrollen.
Moderne Arbeitsabläufe arbeiten in virtuellen Schichten. Eine Ebene enthält einen digitalisierten Videoclip. Der andere hält Ihre Farbe. der andere hat Auswirkungen. Es ist nicht erforderlich, die Ergebnisse zu fotografieren. Sie exportieren eine digitale Datei.
Die Grafiksoftware ahmt die alten Tricks nach. Sie können mit einer Maus, einem Trackpad oder einem Zeichentablett in den Rahmen zeichnen. Möchten Sie eine traditionelle Rotoskop-Animation? Halten Sie den darunter liegenden Film sichtbar. Willst du es abziehen? Nur die Animation bleibt übrig. Oder erstellen Sie komplexe Masken, um fotografierte oder computergenerierte Objekte in Ihre Szene zu integrieren.
Matten werden normalerweise in separaten Rahmen gezeichnet. Verwenden Sie das Auswahltool. Benutze das Malwerkzeug. Hier kommen Splines zum Einsatz. Das sind Kurven mit verschiebbaren Punkten. Wenn Sie den Spline in einem Frame anpassen, ist es einfacher, ihn im nächsten Frame anzupassen, als ihn von Grund auf neu zu zeichnen.
Automatisierung und Überwachung
Diese Software kann mehr als nur Bilder zeichnen. Es übernimmt die Bewegungen für Sie.
Verfolgen Sie die Position von Bild zu Bild. Teilen Sie dem Programm mit, wo sich das Objekt im ersten Frame und wo es im 10. Frame befindet. Lassen Sie die Software dazwischen interpolieren. Es findet heraus, was da sein muss.
Moderne Programme sind zunehmend in der Lage, Formen zu erkennen. Sie umreißen und maskieren über mehrere Frames hinweg. Sie müssen nicht jede Kante nachzeichnen. Das spart viel Zeit.
Farbanpassungen können sofort vorgenommen werden. Verwandle ein Objekt in ein anderes. Federkanten auf Knopfdruck. Kopieren Sie einen Teil des Bildschirms. Dieses Klontool hilft Ihnen beim Bereinigen von Sets. Kabel entfernen? Kopieren Sie den Himmel oder die Wand und malen Sie sie über den Draht. Lass es so aussehen, als hätte es nie existiert.
Die Softwarelandschaft
Rotoskop-Werkzeuge erschienen nicht über Nacht. Erste Software für diese Art von Arbeit erschien erstmals in den 1990er Jahren. Colorburst. Aufregung. Matador.
Die heutige Liste ist noch länger. Stärker.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Mokka von Imagineer Systems
Silhouette - Autodesks Flamme und Rauch
*Blackmagics Fusion - Foundry’s Nuke, Ocula und Mari
Einige davon erfordern Hardware der Enterprise-Klasse.
teurer Computer.
Teure Lizenzen. Andere, wie die Suite von Adobe, sind zugänglich.
Auch Bastler mit einem ordentlichen Laptop können ins Spiel einsteigen. Unabhängige Filmemacher werden nicht länger zurückgelassen.
Color Keying versus Rotoscoping
Sie fragen sich vielleicht, wie digitales Rotoscoping im Vergleich zu einem anderen wichtigen Anbieter von visuellen Effekten abschneidet: Color Keying.
Der Farbschlüssel hängt von bestimmten Farbtönen ab. Sie isolieren eine Farbe (normalerweise Grün oder Blau). Es ist sehr schnell. Es ist effizient für große Hintergründe. Dies schlägt jedoch fehl, wenn die Objekte die gleiche Farbe haben.
Beim Rotoskopieren spielt die Farbe keine Rolle. Es kümmert sich um Kanten.
Im digitalen Zeitalter verschwimmen die Grenzen zwischen diesen Ansätzen. Die Software kann nun Farben * und * Rotoskopkanten im selben Arbeitsablauf erfassen. Wichtige Vorgänge werden im Hintergrund ausgeführt. Drehen, um den Vordergrund zu sehen. Diese Tools können beide Probleme lösen.
Welche Methode wählen Sie?
Hängt vom Schuss ab. Hängt von der Komplexität ab. Es hängt davon ab, wie viel Zeit Sie haben.
Aber eines ist klar. Physische Barrieren verschwinden. Der Glastisch war mit Staub bedeckt. Eine neue Ära ist angebrochen. Funktioniert mit Code.
Vergessen Sie das mühsame Nachzeichnen Bild für Bild beim Rotoskopieren. Seit Jahrzehnten verlassen sich Visual-Effects-Künstler auf das Color-Keying, auch Chroma-Keying genannt, um digitale Elemente in Live-Action-Filmmaterial zu kombinieren. Diese Technologie steckt hinter jeder Bluescreen – oder Greenscreen -Aufnahme, die Sie jemals gesehen haben, und sie war ein Wendepunkt, als sie 1940 erstmals in „Der Dieb von Bagdad“ zum Einsatz kam.
Allerdings hat Disney seine eigene Geheimwaffe. Sie verwendeten weder Blau noch Grün. Sie filmten die Schauspieler vor einem reinweißen Hintergrund und beleuchteten sie ausschließlich mit Natriumlampen. Diese einzigartige Methode vermeidet Schatten und erzeugt saubere Matten für Klassiker wie „Mary Poppins‘ Rückkehr“, „Die Falle der Eltern“ und „Der geistesabwesende Professor“.
Der Aufstieg von Grün über Blau
Warum hat Grün die Oberhand gewonnen? Es hat mit digitalen Sensoren zu tun. Als die Postproduktion von Film auf Pixel umstieg, wurde Grün zur Standardfarbe. Digitalkameras können Details in Grün leichter erfassen als in Blau, und die Beleuchtung einer grünen Wand ist kostengünstiger und einfacher als die Beleuchtung einer blauen Wand.
Der Vorgang ist einfach. Sie filmen Schauspieler vor einem einfarbigen Hintergrund. Die Software erstellt dann eine bewegliche Maske, indem sie diese Farbe entfernt (oder vielmehr alle Farben entfernt, die es nicht sind). Wählen Sie automatisch Vordergrund- und Hintergrundelemente aus. Kein manuelles Nachzeichnen jeder Kante Bild für Bild erforderlich.
„Es entfällt die Notwendigkeit, Elemente Bild für Bild manuell zu umreißen und zu maskieren, was den Prozess erheblich vereinfacht.“
Aber es ist keine Zauberei. Die Regeln sind streng. Schauspieler dürfen keine Kostüme tragen, die zum Hintergrund passen. Trägt die Hauptfigur auf einem Greenscreen eine grüne Jacke, löst sich ihr Körper in Luft auf. Da reale Objekte selten monochromatisch sind, kommt es außerdem häufig zu „Bleeding“, bei dem schwache Spuren der Hintergrundfarbe in das Objekt übergehen. Um dieses Problem zu lösen, ist eine starke Farbkorrektur erforderlich.
Wenn die Eingabe fehlschlägt
Der Farbschlüssel ist effektiv, aber nicht narrensicher. Manchmal verlassen die Hände eines Schauspielers ihre Komfortzone. Manchmal gleitet die Requisite in den blauen Zustand. In diesem Fall springt Rotoscoping als Aufräumteam ein.
Wenn jemand den Bereich verlässt, in dem der Schlüssel manipuliert wird, kehren Künstler mit Rotoskopie-Werkzeugen zurück. Sie erstellen manuell eine Wandermaske für die Teile, die mit der Software nicht getrennt werden konnten. Dies ist ein hybrider Ansatz. Verwenden Sie für die meisten Inhalte Tasten und für Fehler das Rotoskop.
Motion Capture versus Rotoscoping
Motion Capture, oft auch Mocap oder neuerdings auch Performance Capture genannt, ist mehr als nur eine neue Technologie. Dies ist eine digitale Weiterentwicklung alter Techniken wie Rotoscoping und Color Keying. Das Ziel bleibt dasselbe. Der Prozess der Kombination neuer beweglicher Elemente (normalerweise Schauspieler) zu einer Szene. Während die Rotoskopie über den Film übertragen wird, erfordert die Bewegungserfassung immer noch die Erstellung eines 3D-Rahmens von Grund auf. Es ist wie der Unterschied zwischen dem Zeichnen eines Gesichts auf einer Tafel und dem Formen der Skelettstruktur darunter.
Diese Technologie entstand Mitte der 1990er Jahre. Ursprünglich diente es wissenschaftlichen Zwecken. Forscher wollen Bewegung untersuchen. Da bemerkte Hollywood es. Die Ersteinrichtung war schwierig. Schauspieler tragen Kostüme mit reflektierenden Markierungen. Sie treten alleine im Studio auf. Kameras umgeben sie. Die Daten werden in der Software gespeichert. Das 3D-Modell erscheint. Animatoren fügten in der Postproduktion Gesichter, Kleidung und Seelen hinzu.
Ideal für erste Versuche. Batmans Schatten in Batman Forever (1995). Die Menschenmassen in Titanic (1996). Jar Jar Binks in Star Wars Episode 1 (1999). Dann kam Gollum. Aufgeführt von Andy Serkis. Das verändert alles. Dies beweist, dass digitale Charaktere emotionales Gewicht haben können.
Aber die Branche hört hier nicht auf. Jeder Blockbuster verlangt mehr.
Das Gesicht der Leistung
Der größte Fortschritt ist die Gesichtserfassung. Frühe Versionen verwendeten Markierungen im Gesicht. Es sieht sehr steif aus. Sieht falsch aus. Dann kamen „King Kong“ (2005) und „Pirates of the Caribbean: Soul Chest“ (2006). Davy Jones war ein Pionier. Avatar (2009) hat das Spiel jedoch erheblich verändert.
Regisseur James Cameron wollte mehr als nur Action. Er wollte Mikroausdrücke. Er benutzte Helme, deren Kameras auf die Gesichter der Schauspieler gerichtet waren. Ihre Haut ist mit Punkten bemalt. Die Kamera zeichnete jedes Zucken auf. Jedes Blinzeln. Jede Bewegung der Lippen. Es handelt sich nicht nur um physische Daten. Hierbei handelt es sich um Leistungsdaten.
Die Schauspieler trugen noch immer die Infrarot-LED-Anzüge. Sie befinden sich immer noch in der Drehphase von „The Volume“ für Weta Digital. Aber endlich konnten sie sich sehen. sie können reagieren. Die Software nimmt die Rohdaten und ordnet sie Na’vi-Zeichen zu. Animatoren müssen nicht mehr raten, wie eine subtile Grimasse aussehen soll. Das ist es. Gefangen. Echt.
Vergleichen Sie dies mit den Anfängen. In „Der Herr der Ringe“ wurde der größte Teil von Gollums Gesicht manuell animiert, wobei Körperinformationen als Orientierungshilfe dienten. In Avatar ist das Gesicht die Leistung. Der Unterschied ist wichtig. Das ist der Unterschied zwischen einer Puppe und einem Menschen.
Realismus vor Ort
Der Techniker verließ das Studio. „Fluch der Karibik: Dead Man’s Chest“ ermöglicht es Bill Nighy, mit der Besetzung aufzutreten. er trägt diesen Anzug. Er trug die Markierungen. Aber er war am Set. Er interagierte mit Orlando Bloom und Keira Knightley. Industrial Light & Magic fügte später CGI-Tentakel hinzu. Die Interaktion war real.
Bis 2011 war „Planet der Affen: Prevolution“ noch weiter fortgeschritten. Caesar, erneut gespielt von Andy Serkis, wurde im Freien gefilmt. Dreharbeiten vor Ort. Natürliches Licht. Infrarot-LED-Leuchten und Helmkameras erledigen den Rest. * Dawn of the Planet of the Apes (2014) hat dies verbessert. Die Umgebung ist real. Alle Darsteller sind echt. Die Affen waren real, aber die Art und Weise, wie sie es tun, ist beispiellos.
Das Unsichtbare sehen
Die vielleicht bahnbrechendste Innovation kommt von Avatar. Virtuelle Kameras.
Cameron musste nicht bis zur Postproduktion warten, um CGI zu sehen. Er konnte durch einen Monitor schauen. Er sah die Na’vi im Dschungel. Er sah die Beleuchtung. Er sah die Komposition. Alles in Echtzeit. Dadurch können Sie die Aufnahme so steuern, als ob die Figur tatsächlich da wäre. Er passte den Kamerawinkel an. Er hat die Beleuchtung verändert. Er gibt Anweisungen basierend auf dem, was er sieht, nicht auf dem, was er sich vorstellt.
Peter Jackson verwendete die gleiche Technik in „Der Hobbit: Eine unerwartete Reise“ (2012). Dadurch nahm die Postproduktion noch viel Zeit in Anspruch. Das abschließende Polieren dauerte mehrere Monate. Aber wie sieht es mit der Richtung aus? Das geschah an diesem Tag. Die Grafik am Set wird von Jahr zu Jahr besser. Die Kluft zwischen Vision und Umsetzung schließt sich.
Das Uncanny Valley und darüber hinaus
Mocap ist nicht nur für Live-Action-Filme geeignet. Es hat eine ganze Welt geschaffen. Final Fantasy: The Spirits Within (2001) war ein Versuch, einen vollständig animierten Film zu machen. Sieht sehr echt aus. Es fühlte sich falsch an. Die Charaktere verlieren sich in einem „wunderschönen Tal“. Sie sahen aus wie Menschen, aber sie hatten etwas anderes an sich. Die Augen folgten nicht ganz. Die Haut atmete nicht richtig.
Robert Zemeckis versuchte es erneut in „Der Polarexpress“ (2004) und „Beowulf“ (2007). Mehr Details. Es ist realistischer. Dennoch zögerten die Zuschauer. Die Technologie ist vorhanden. Die Seele passt überhaupt nicht zur Haut.
Doch die Beschwerden nehmen ab. Die neue Animation löst keine solche Urangst aus. Das Rendern ist schneller. Beschreiben Sie es genauer. Die Grenzen zwischen Mensch und Digital verschwimmen. Es ist nicht nur Sport. Bitte existiere.
Wir haben die Neuheitsphase hinter uns. Mark verschwand aus dem Blickfeld. Der Helm ist dünner. Kameras sind gerade intelligenter geworden. Der Rest ist Geschichte. Und die Schauspieler.
Die Zukunft liegt nicht in besseren Anzügen. Es geht um Unsichtbarkeit. Wenn ich es vergesse, tragen die Schauspieler ihre Ausrüstung. Wenn Sie vergessen, dass der Charakter nicht real ist. Das ist es.
wir sind ganz nah dran.
Mit der Leistungserfassung können Sie Dinge tun, die Rotoskop nicht kann. Es macht Schauspieler zu Lebewesen. Jedes Lebewesen. Die Geschichte bestimmt die Form und die Technologie ermöglicht es. Niemand verbringt Stunden im Make-up-Stuhl. Keine aufwändigen, einschränkenden Kostüme. Die Ergebnisse sehen sehr realistisch aus. Es bewegt sich realistisch.
Informieren Sie sich jedoch über die Kosten. Es ist teuer. Und es ist nicht immer das richtige Werkzeug für den Job.
Die meisten Filme basieren auf Effekten, die Sie nicht bemerken. Das Mikrofon wird aus dem Rahmen herausgezogen. Im Frühling eine verschneite Szene aufnehmen und später noch mehr Schnee hinzufügen. Dies sind unsichtbare Korrekturen. Sie halten die Illusion aufrecht, ohne alle Charaktere in CGI-Modelle zu verwandeln. Nicht alle Geschichten brauchen ein digitales Double.
Hier wird die Debatte zwischen Rotoscoping und Motion Capture interessant. Beide Methoden fangen die Seele des Schauspielers in einem belebten Körper ein. Man zeichnet Rahmen von Hand nach. Der andere zeichnet Knochenbewegungen und Hautverformungen auf. Aber sie dienen unterschiedlichen Herren.
Warum Rotoscoping immer noch wichtig ist
Mit digitalen Tools kommen Sie schnell zu Ergebnissen. günstiger. Es ist realer denn je. Man könnte meinen, Rotoskopie sei veraltet. Eine Technik aus der handgezeichneten Ära.
Das ist nicht wahr.
Es bleibt eine nützliche Waffe im Arsenal eines Filmemachers. Manchmal möchte man einen bestimmten Look. Ein verträumter Nebel. Eine sich verändernde Realität. Richard Linklater verwendete es in Waking Life und „A Scanner Darkly“. Stil wird zur Substanz.
Rotoscoping dient nicht nur dem Stil. Das dient dem Überleben.
Es ist auch ein Sicherheitsnetz. Wenn eine Szene schief geht. Wenn ein praktischer Effekt ausbleibt. Beim Compositing ist ein pixelgenauer Ausschnitt gefragt. Der Animator holte sein Tablet heraus. Bild für Bild. Es ist langweilig. Es ist präzise. Es funktioniert.
Wann soll man welches auswählen?
Welche Methode sollten Sie also wählen?
Wenn Sie realistische Menschen und Kreaturen suchen, die sich mit natürlichem Gewicht und natürlicher Schwerkraft bewegen, ist Performance Capture die Antwort. Es erfasst die Mikroausdrücke. subtile Veränderungen in der Körperhaltung. Schauspieler sind mehr als nur Synchronsprecher in den Charts. Sie sind in der Szene.
Wenn Sie künstlerische Abstraktion wünschen. Oder wenn Sie ein unordentliches praktisches Shooting reparieren müssen. Rotoskopieren ist immer noch König. Es bietet Kontrolle. Steuerung auf Pixelebene.
Auch die Produktion von Realfilmen hat sich verändert. Sie können jetzt sogar gefährliche Szenen filmen. Zu teuer. Oder vielleicht ist es in der realen Welt nicht möglich. Digitale Komposition macht dies möglich. Die Wahl zwischen Frame-Tracking und Bone-Tracking hängt jedoch von Ihren Zielen ab.
Willst du Realismus? Oder willst du Emotionen?
Diese Tools sind besser als je zuvor. Ihre Möglichkeiten erweitern sich. Aber das Ziel bleibt dasselbe. Machen Sie es glaubwürdig. Lass es funktionieren.
