Les films ont toujours eu pour but de franchir les frontières. Depuis la fin du XIXe siècle, les réalisateurs sont à la recherche du prochain grand frisson. Georges Méliès fut l’un des premiers à expérimenter la photographie. Il réalise des courts métrages qui défient la physique. Son film de 1898, Un Homme de Tête, le montrait se coupant la tête et l’empilant sur une table. Deux ans plus tard, il envoya un homme sur la Lune à l’aide d’une fusée en forme de balle. C’est très sauvage. C’est tellement rêveur.
Mais tout le monde ne veut pas de magie. Certaines personnes veulent un mouvement authentique.
L’animation a également commencé assez tôt. Émile Cohl crée Fantasmagorie en 1908. Il dessine des centaines de croquis simples sur papier et les photographie. C’était le premier dessin animé entièrement animé. Winsor McCay a présenté le dinosaure Gertie en 1914. Des milliers de cadres ont été utilisés dans son travail. Ses mouvements étaient plus fluides que la plupart des dessins animés de l’époque. Cependant, la plupart des premières animations étaient instables. grossier.
Un paradoxe apparaît alors. Les cinéastes veulent à la fois l’impossible et le crédible. Ils essaient de rapprocher les dessins animés de la vie réelle. Pour ce faire, ils ont inventé des techniques encore utilisées aujourd’hui. C’est ce qu’on appelle la rotoscopie. Il a été développé il y a près de cent ans et a changé la façon dont nous voyons le mouvement sur les écrans.
Qu’est-ce que la rotoscopie ? Pourquoi est-ce important ?
Bien que le concept de la rotoscopie soit simple, il est difficile à mettre en pratique. Cela prend beaucoup de temps. Nécessite des outils spéciaux. L’idée de base est simple. Vous filmez du matériel d’action réelle. Photographiez des acteurs ou des objets en mouvement. Ensuite, tracez cette séquence image par image. Vous pouvez créer des animations à partir de la trace.
Cela ne s’applique pas uniquement aux dessins animés. Peut être utilisé pour des effets spéciaux dans les films d’action réelle. Vous pouvez séparer les éléments. Il est possible de synthétiser des scènes qui n’existent pas dans la réalité.
La rotoscopie comble le fossé entre l’action en direct et l’animation dessinée. Capturez la physique du mouvement réel et appliquez-la à vos personnages dessinés.
Certains acteurs de l’industrie de l’animation considèrent cela comme de la triche. On dit que si vous ne dessinez pas tout à partir de zéro, ce n’est pas une « vraie » animation. L’imagerie générée par ordinateur (CGI) a remplacé de nombreuses technologies plus anciennes. Mais la rotoscopie n’est pas morte. C’est toujours un outil utile. C’est un avantage pour les animateurs et les cinéastes qui souhaitent un mouvement réaliste sans conjectures.
L’origine de la rotoscopie
L’histoire commence avec Max Fleischer. Il était animateur dans les années 1910. Il voulait que les personnages bougent naturellement. Il ne voulait pas des mouvements raides et saccadés des dessins animés précédents. Il a besoin d’une solution.
Sa solution était un Rotoscope. Il s’agissait d’un appareil capable de projeter des extraits de films sur un panneau de verre. Vous pouvez dessiner sur la plaque tout en regardant la vidéo. De cette façon, vous pouvez suivre le mouvement avec précision en un instant.
Le premier personnage à utiliser cette technique fut Betty Boop. Elle est apparue dans la série Talkartoons. Ses mouvements sont fluides. On dirait qu’une vraie personne danse. C’est un grand pas en avant. Cela donne plus de crédibilité aux dessins animés. C’est aussi amusant.
Le Rotoscope n’est pas réservé aux personnages. Également utilisé pour les éléments d’arrière-plan. Par exemple, dans *Blanche Neige
Max Fleischer est plus qu’un simple artiste. C’est aussi un geek de la technologie, et il l’était bien avant que ce mot n’existe. En tant que rédacteur artistique du Popular Science Monthly, il était obsédé par la façon dont les choses fonctionnaient. L’animation standard lui paraissait raide. Il voulait de la fluidité. Réalisme. Il a donc inventé le rotoscope. C’est une façon de combiner l’action du dessin animé avec les bases de la physique réelle.
Il ne travaille pas seul. Les Fleishers sont une famille. Max a assemblé ses frères Dave, Joe, Lou et Charlie pour créer le prototype. Avant que les studios hollywoodiens ne s’en rendent compte, ils bricolaient des équipements et du verre. Max a déposé une demande de brevet en 1915. Le brevet a été accordé deux ans plus tard, en 1917. Le mécanisme est simple mais innovant.
Clown sur le toit
Les premiers tests n’ont pas été réalisés en studio. C’est sur le toit d’un immeuble à New York. La météo n’a pas d’importance. La lumière l’a fait.
Ils ont apporté un projecteur à manivelle. Ils l’ont transformé en appareil photo. Dave porte un costume de clown. Sa mère avait elle-même cousu la tenue. Ils ont tourné plus d’une minute de séquence. Dave a déménagé. Il a dansé. Il a posé.
Puis vint le traçage. Les frères ont assemblé un rotoscope. Il projetait le film image par image à travers le panneau de verre de la table d’art. Max a placé le papier calque de l’autre côté. Il a tracé l’image.
Une image à la fois. Il a dessiné, puis a déplacé le film vers l’image suivante et a dessiné à nouveau. Le brevet décrit également un mécanisme de traction par cordon afin que l’artiste n’ait pas à atteindre le levier. efficacité. C’est le but.
Une fois le dessin terminé, vous devez le photographier. Max utilise le même projecteur et le configure cette fois à nouveau comme caméra. Il a retiré et replacé le capuchon de l’objectif à la main. cliquez. pour toucher, cliquez. image suivante. C’est un travail physique. Travail précis.
Ils ont développé le film. Ils l’ont rejoué. Cela a fonctionné. Les mouvements de clown animés prennent vie. Il s’appelait Koko. Le personnage qui définirait une époque.
De Koko à Superman
Max a commencé à faire des animations. Dave a commencé à réaliser. Vers 1919, ils publièrent “Out of the Inkwell”. Koko le Clown défie la gravité et saute hors des encriers. Cependant, le rotoscope stabilise ses mouvements.
Le studio continue de s’agrandir. Dans les années 1930, il y avait Betty Boop. Vient ensuite Popeye. Dans les années 40, “Superman” apparaît. Ces shorts sont chers. Il est également visuellement détaillé. La rotoscopie leur a permis de créer des mouvements humains réalistes tout en exagérant les expressions. Vous pouvez avoir le poids d’un corps réel et le claquement d’un panneau de bande dessinée.
Cab Calloway est au centre de tout. Trois dessins animés de Betty Boop utilisent des images rotoscopées de la chanteuse de jazz : Minnie the Moocher, Le vieil homme de la montagne et Blanche Neige. Les deux premiers se sont ouverts sur des images live-action de Calloway et de son orchestre. Minnie the Moocher contient les premières images connues de la performance de Cab Calloway. Vous pouvez voir les mouvements de la légende du jazz traduits pour Bimbo et d’autres personnages. La connexion entre l’action en direct et l’animation est transparente. C’était étrange.
La première expérience de longueur de long métrage
Le Rotoscope n’est pas réservé aux shorts. Utilisé par Fleischer Studios pour “Les Voyages de Gulliver”. Sorti en 1939, c’était le deuxième long métrage d’animation produit aux États-Unis. Le premier était Blanche-Neige de Disney, mais le travail de Fleischer a une texture différente. La cinématographie dynamique apporte une sensation de gravité aux personnages. Une présence. Ce n’est pas seulement une logique de dessin animé. C’est la logique humaine filtrée à travers l’encre.
La technologie s’est répandue. D’autres animateurs l’ont également remarqué. Ils veulent cette qualité authentique. Cependant, les Fleisher ont breveté le procédé. Ils contrôlent les moyens de production. Il fut un temps où si l’on voulait réaliser un mouvement rotoscopie, il fallait aller à New York. Vous avez payé les frais. Vous avez du réalisme.
Cela a changé la façon dont le public percevait les bandes dessinées. Ce n’étaient plus seulement des dessins. Ce sont des performances. Enregistré, tracé et réanimé. La frontière entre le monde réel et le monde de l’anime s’estompe. Koko n’était que le début. La technologie est la star.
Le Rotoscope ne se contente pas de copier les mouvements. Il capture l’âme du mouvement.
Son héritage est encore visible aujourd’hui. Les animateurs modernes utilisent encore cet outil. Au lieu de remplacer la créativité, elle l’ancre. Lorsque les personnages semblent réels, même dans un monde fantastique, c’est généralement parce que la rotoscopie est à l’œuvre.
Disney n’a tout simplement pas compris comment faire fonctionner Blanche-Neige. Ils ont d’abord tiré sur de vraies personnes.
Marjorie Celeste Belcher (plus tard Maggie Champion) joue le rôle de Blanche-Neige. Louis Hightower est un prince. Les acteurs Eddie Collins et Billy House ont joué Dopey et Doc. Don Brody se déguise et affronte la reine déguisée. Ces acteurs jouent dans des scènes de base. Leurs mouvements ont été enregistrés.
Les animateurs suivent ensuite les images clés. Ceux-ci fonctionnent au début et à la fin des actions. Les plans intermédiaires ? Ceux-ci sont dessinés à la main sur des cellules transparentes. C’est un processus mixte. La vraie vie se transforme en dessin animé.
Il ne s’agit pas d’une expérience ponctuelle. Disney a adopté la même approche avec Peter Pan. Hans Conried exprime M. Darling et le capitaine Hook. Buddy Ebsen joue un pirate. Le danseur Roland Dupree joue Peter Pan. Margaret Kerry a fourni la référence physique de la Fée Clochette. D’autres films Disney ont suivi. Le studio crée des mondes fantastiques basés sur des références à l’action réelle.
Discussion sur le réalisme
La rotoscopie a suscité un débat. Certains critiques parlent de tricherie. Raccourci. Ils affirment que les personnages inspirés de personnes réelles sont différents des animaux traditionnellement animés. Cette action semble étrange. Ou trop rigide.
Disney a essayé de cacher la technique. Lors de la première de “Blanche Neige”, Belcher était assis sur le balcon. Loin de la foule. Ils lui ont dit de ne pas parler de son rôle. Il ne savait même pas qu’elle avait subi une rotoscopie. Il lui a fallu des décennies pour découvrir la vérité. Le secret a finalement été révélé après avoir visité l’exposition Disney.
Mais les résultats parlent d’eux-mêmes. Blanche-Neige est devenue un chef-d’œuvre. C’est toujours un classique. La controverse n’est rien en comparaison de son succès.
Au-delà de Disney : la rotoscopie lourde
D’autres studios n’ont pas non plus hésité à utiliser cette technique. Certains s’y sont penchés. Une rotoscopie approfondie peut donner à votre film l’impression qu’il s’agit d’images en direct peintes.
Le sous-marin jaune des Beatles (1968) présentait “Lucy in the Sky with Diamonds”. Il a utilisé une rotoscopie évidente.
Ralph Bakshi en a fait une carrière. Il a utilisé cette technique dans Wizards (1977). Cela a été suivi par Le Seigneur des Anneaux (1978). Vient ensuite “American Pop” (1981). La célèbre série se complète avec “Fire and Ice” (1983) et “Cool World” (1992). Columbia Pictures a minimisé la dynamique cinématographique en annonçant “American Pop”. Ils craignaient peut-être que le public pense que c’était un piège. Au lieu de cela, cela confère au film une qualité onirique unique.
Vidéoclips et développement numérique
Dans les années 1980, la rotoscopie a été introduite dans les vidéoclips. “Take On Me” (1985) d’A-Ha est remarquable. Des séquences d’action réelle alternent avec des animations de bandes dessinées sommaires. L’effet est incroyable. Cela correspondait à l’énergie de la chanson.
INXS l’a utilisé dans “What You Need” la même année. Des animations et des effets de couleurs ont été ajoutés à la vidéo. Il ne s’agit plus seulement de longs métrages. Il s’agit d’une narration visuelle courte.
Richard Linklater a poussé la technique encore plus loin. “Waking Life” (2001) et “A Scanner Darkly” (2006) ont tous deux été filmés avec des acteurs réels. Puis transformé en animations. Ce processus est appelé rotoscopie interpolée. Bob Sabiston, étudiant diplômé au MIT, a créé un logiciel qui interpole les images entre les images clés. Accélérez votre travail. Crée un résultat fluide et flottant. Les animateurs peuvent se concentrer sur l’expression plutôt que sur le travail manuel image par image.
Pourquoi c’est toujours important
La rotoscopie est bien plus qu’une simple note de bas de page dans l’histoire. Les animateurs l’utilisent encore pour apprendre le mouvement à partir de zéro. Il enseigne comment les corps se déplacent dans l’espace réel.
Il est également utilisé dans les films d’action réelle. Cela ne se limite pas au dessin animé. C’est un outil qui mélange réalité et imagination. La frontière entre les deux n’a jamais été aussi floue. Ou encore plus intéressant.
L’art analogique des mattes de voyage
Oubliez la rotoscopie numérique brillante du CGI moderne. Créer les sabres laser originaux de “Star Wars” et les horreurs de “Les Oiseaux” d’Alfred Hitchcock est difficile, manuel et épuisant. À l’ère analogique, il ne s’agissait pas seulement de tracer des cellules d’animation. Il s’agit de composer, d’assembler différents éléments qui n’ont jamais été dans la même pièce auparavant.
Le réalisateur souhaite probablement que le héros se tienne sur la scène sonore avec un véritable océan derrière lui et ait l’air terrifié. Ou peut-être qu’ils avaient besoin d’une explosion trop dangereuse pour l’acteur. Il ne s’agit pas seulement de pointer la caméra. Vous avez peint.
Peindre le vide
Le flux de travail est un cauchemar physique. Il faut prendre un rouleau de film, projeter chaque image sur une plaque de verre et la dessiner à la main.
image par image.
Si vous souhaitez séparer la personne de l’arrière-plan, vous pouvez tracer le contour de la personne dans une cellule transparente. Ensuite, peignez le reste des cellules pour créer une surface mate (masque). Ce masque est placé au-dessus de la séquence d’arrière-plan. La zone noircie masque l’arrière-plan et laisse une fenêtre transparente pour l’acteur au premier plan.
Cependant, vous aurez besoin de plusieurs rouleaux. Nous avons besoin des images originales, du masque noir et du « négatif » de ce masque.
Voici l’astuce :
- Exposez le film de fond avec un masque noir devant. Cela brûlera l’arrière-plan à l’exception des parties cachées par le masque.
Exposez à nouveau le même cadre, mais cette fois placez le masque négatif devant l’acteur au premier plan. La tache claire dans le cache négatif permet à l’acteur de briller exactement là où l’arrière-plan est couvert.
Il s’agit d’un gâteau recouvert de lumière et de peinture. Et vous devez le faire 24 fois par seconde.
Le mat de voyage
Un film 35 mm typique tourne à 24 images par seconde. Cela équivaut à 1 440 images par minute. Faisons le calcul. Si la scène dure une minute, 1 440 masques distincts doivent être tirés.
Et le sujet bouge.
Les objets statiques sont faciles. Une personne qui marche ? Une explosion en expansion ? C’est un mat de voyage. La forme et la position changent d’un cadre à l’autre. Si la main de l’acteur se déplace de 2 pouces vers la gauche à l’image 50, le trou du masque à l’image 50 doit être redessiné. Si le manque d’un millimètre, l’image composite devient instable. Ça a l’air faux. Le public voit l’oscillation et le charme est rompu.
La précision ou rien
Il ne s’agit pas seulement des contours. L’éclairage doit correspondre parfaitement au fond. Si le soleil se couche sur la photo de plaque, mais que les acteurs sont éclairés par des lumières fluorescentes, l’image composite ressemble à un autocollant sur une carte postale. La correction des couleurs ultérieure peut aider, mais elle ne corrigera pas les mauvaises traces.
Tout doit être ajusté physiquement. Films, masques, lentilles de projecteur. Il suffit d’un simple glissement, d’un grain de poussière sur la vitre, et tout change. Le résultat est un désordre bancal et fantomatique.
Nettoyer le désordre
Au-delà des explosions à succès, cette technologie sert également un objectif modeste. Cela a nettoyé les erreurs.
Vous êtes-vous déjà demandé comment supprimer l’ombre d’un microphone sur tige ? Ou est-ce les câbles de sécurité qui maintiennent un fil de cascade ? Ou s’agit-il simplement de petits marqueurs de scène blancs au sol ? La rotoscopie pourrait retracer ces intrusions, créer des masques pour les bloquer et combler les lacunes avec des images de plaque d’arrière-plan propres. Cela garde l’illusion intacte. Vous n’avez pas vu les machines. Vous pouvez voir la magie.
Héritage numérique
On ne peint plus au pinceau. Les ordinateurs peuvent créer ces caches mobiles en quelques secondes grâce à l’intelligence artificielle et à la détection des contours. Le travail manuel a disparu. Le rôle physique est archivé. Mais la logique demeure. Nous isolons toujours le premier plan de l’arrière-plan. Nous sommes toujours en train de composer.
Nous le faisons simplement plus rapidement. Et c’est bon marché.
Bien entendu, le résultat final est plus propre. Mais sera-t-il aussi émouvant que la finition mate peinte à la main qui a pris une semaine ? Probablement pas. Mais là encore, ce n’est pas un film Marvel ordinaire.
Les ordinateurs ont diminué. Ils sont devenus plus rapides. Ils sont devenus moins chers. Cette révolution matérielle n’a pas seulement changé notre façon de monter ; effets spéciaux fondamentalement recâblés.
Avec CGI, vous pouvez remplir presque tout pour passer le test de la vue. Mais qu’en est-il de la rotoscopie ? Avant, c’était une corvée physique. Désormais, grâce aux outils numériques, le travail va plus vite que jamais. Passez moins de temps à tracer et plus de temps à créer.
L’établi numérique
La philosophie demeure, mais le médium a changé. Une table en verre n’est plus nécessaire. Plus besoin d’empiler des cellules d’animation physique sur des bobines de film projetées.
Les flux de travail modernes fonctionnent en couches virtuelles. Un calque contient un clip vidéo numérisé. L’autre contient votre peinture. l’autre détient des effets. Il n’est pas nécessaire de photographier les résultats. Vous exportez un fichier numérique.
Le logiciel graphique imite les vieilles astuces. Vous pouvez dessiner dans le cadre avec une souris, un trackpad ou une tablette graphique. Voulez-vous une animation rotoscope traditionnelle ? Gardez le film sous-jacent visible. Vous voulez le décoller ? Il ne reste que l’animation. Ou créez des masques complexes pour incorporer des objets photographiés ou générés par ordinateur dans votre scène.
Les caches sont généralement dessinés dans des cadres séparés. Utilisez l’outil de sélection. Utilisez l’outil de peinture. C’est là que les splines sont utiles. Ce sont des courbes avec des points déplaçables. Si vous ajustez la spline dans une image, il est plus facile de l’ajuster dans l’image suivante que de la redessiner à partir de zéro.
Automatisation et surveillance
Ce logiciel fait plus que simplement dessiner des images. Il gère les mouvements pour vous.
Suivez la position d’une image à l’autre. Indiquez au programme où se trouve l’objet dans la première image et où il se trouve dans la 10ème image. Laissez le logiciel interpoler entre eux. Il détermine ce qui doit être là.
Les programmes modernes sont de plus en plus capables de reconnaître des formes. Ils décrivent et masquent sur plusieurs images. Vous n’avez pas besoin de tracer chaque bord. Cela fait gagner beaucoup de temps.
Les ajustements de couleur peuvent être effectués immédiatement. Transformez un objet en un autre. Bords en plumes sur simple pression d’un bouton. Copiez une partie de l’écran. Cet outil de clonage vous aidera à nettoyer les ensembles. Retirer les câbles ? Copiez le ciel ou le mur et peignez-le sur le fil. Donnez l’impression que cela n’a jamais existé.
Le paysage logiciel
Les outils Rotoscope ne sont pas apparus du jour au lendemain. Les premiers logiciels destinés à ce type de travail ont commencé à apparaître dans les années 1990. Explosion de couleurs. Agitation. Matador.
La liste d’aujourd’hui est encore plus longue. Plus fort.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Moka d’Imagineer Systems
Silhouette - Flamme et fumée d’Autodesk
*Fusion de Blackmagic - Nuke, Ocula et Mari de Foundry
Certains d’entre eux nécessitent du matériel de qualité entreprise.
ordinateur cher.
Licences coûteuses. D’autres, comme la suite Adobe, sont accessibles.
Même les amateurs disposant d’un ordinateur portable décent peuvent se lancer dans le jeu. Les cinéastes indépendants ne sont plus en reste.
Incrustation de couleurs et rotoscopie
Vous vous demandez peut-être comment la rotoscopie numérique se compare à un autre acteur majeur des effets visuels : le Color Keying.
La clé de couleur dépend de certaines nuances. Vous isolez une couleur (généralement verte ou bleue). C’est très rapide. C’est efficace pour les grands arrière-plans. Cependant, cela échoue si les objets ont la même couleur.
La couleur n’a pas d’importance en rotoscopie. Il se soucie des bords.
À l’ère du numérique, les frontières entre ces approches s’estompent. Le logiciel peut désormais saisir les couleurs * et * les bords du rotoscope dans le même flux de travail. Les opérations clés sont effectuées en arrière-plan. Faites pivoter pour voir le premier plan. Ces outils peuvent résoudre les deux problèmes.
Quelle méthode choisissez-vous ?
Cela dépend du tir. Cela dépend de la complexité. Cela dépend du temps dont vous disposez.
Mais une chose est claire. Les barrières physiques disparaissent. La table en verre était couverte de poussière. Une nouvelle ère est arrivée. Fonctionne avec du code.
Oubliez le traçage minutieux image par image de la rotoscopie. Depuis des décennies, les artistes d’effets visuels s’appuient sur l’incrustation de couleurs, également connue sous le nom d’incrustation chromatique, pour combiner des éléments numériques dans des séquences d’action réelle. Cette technologie est derrière chaque prise de vue sur écran bleu ou sur écran vert que vous avez jamais vu, et elle a changé la donne lorsqu’elle a été utilisée pour la première fois dans Le Voleur de Bagdad en 1940.
Cependant, Disney possède sa propre arme secrète. Ils n’ont utilisé ni bleu ni vert. Ils ont filmé les acteurs sur un fond blanc pur et les ont éclairés uniquement avec des lampes au sodium. Cette méthode unique évite les ombres et crée des tapis épurés pour des classiques comme Mary Poppins Returns, The Parent Trap et The Absentthought Professor.
La montée du vert sur le bleu
Pourquoi le vert a-t-il pris le dessus ? Cela concerne les capteurs numériques. Lorsque la post-production est passée du film aux pixels, le vert est devenu la couleur par défaut. Les appareils photo numériques peuvent capturer les détails plus facilement en vert qu’en bleu, et éclairer un mur vert est moins cher et plus facile que d’éclairer un mur bleu.
Le processus est simple. Vous filmez des acteurs sur un fond monochrome. Le logiciel crée ensuite un masque mobile en supprimant cette couleur (ou plutôt en supprimant toutes les couleurs qui ne le sont pas). Choisissez automatiquement les éléments de premier plan et d’arrière-plan. Plus besoin de tracer manuellement chaque bord image par image.
“Cela élimine le besoin de délimiter et de masquer manuellement les éléments image par image, ce qui rend le processus beaucoup plus facile.”
Mais ce n’est pas magique. Les règles sont strictes. Les acteurs ne peuvent pas porter de costumes assortis au décor. Si le personnage principal porte une veste verte sur un écran vert, son corps disparaîtra dans les airs. De plus, comme les objets du monde réel sont rarement monochromes, un « saignement » se produit souvent, où de légères traces de la couleur d’arrière-plan s’infiltrent dans l’objet. Pour résoudre ce problème, une forte correction des couleurs est nécessaire.
Lorsque la saisie échoue
La touche couleur est efficace, mais pas infaillible. Parfois, les mains d’un acteur sortent de leur zone de confort. Parfois, l’accessoire glisse dans l’état bleu. Lorsque cela se produit, la rotoscopie intervient en tant qu’équipe de nettoyage.
Si quelqu’un quitte la zone où la clé est manipulée, les artistes y retournent avec des outils de rotoscopie. Ils créent manuellement un cache mobile pour les parties qui n’ont pas pu être séparées à l’aide du logiciel. Il s’agit d’une approche hybride. Utilisez des clés pour la plupart des contenus et un rotoscope pour les erreurs.
Capture de mouvement et rotoscopie
La capture de mouvement, souvent appelée mocap ou plus récemment performance capture, est bien plus qu’une simple nouvelle technologie. Il s’agit d’une évolution numérique des anciennes techniques comme la rotoscopie et l’incrustation de couleurs. L’objectif reste le même. Processus de combinaison de nouveaux éléments en mouvement (généralement des acteurs) dans une scène. là où la rotoscopie est tracée sur un film, la capture de mouvement nécessite toujours de créer une image 3D à partir de zéro. C’est comme la différence entre dessiner un visage sur un tableau noir et sculpter la structure squelettique en dessous.
Cette technologie est née au milieu des années 1990. A l’origine, c’était à des fins scientifiques. Les chercheurs veulent étudier le mouvement. C’est à ce moment-là qu’Hollywood l’a remarqué. La configuration initiale était délicate. Les acteurs portent des costumes avec des marques réfléchissantes. Ils se produisent seuls en studio. Des caméras les entourent. Les données sont stockées dans le logiciel. Le modèle 3D apparaît. Les animateurs ont ajouté des visages, des vêtements et des âmes en post-production.
Idéal pour les premiers essais. L’ombre de Batman dans Batman Forever (1995). Les foules dans Titanic (1996). Jar Jar Binks dans Star Wars Épisode 1 (1999). Puis vint Gollum. Interprété par Andy Serkis. Cela change tout. Cela prouve que les personnages numériques peuvent avoir un poids émotionnel.
Mais l’industrie ne s’arrête pas là. Chaque blockbuster exige mieux.
Le visage de la performance
La plus grande avancée est la capture du visage. Les premières versions utilisaient des marqueurs sur le visage. Il a l’air très rigide. Ça a l’air faux. Viennent ensuite « King Kong » (2005) et « Pirates des Caraïbes : Soul Chest » (2006). Davy Jones était un pionnier. Cependant, Avatar (2009) a considérablement changé la donne.
Le réalisateur James Cameron voulait plus que de l’action. Il voulait des micro-expressions. Il utilisait des casques avec des caméras pointées vers les visages des acteurs. Leur peau est peinte de points. La caméra a enregistré chaque contraction. Chaque clignement. Chaque mouvement des lèvres. Il ne s’agit pas seulement de données physiques. Il s’agit de données de performances.
Les acteurs portaient toujours les combinaisons LED infrarouges. Ils sont encore en phase de tournage de « The Volume » pour Weta Digital. Mais finalement, ils purent se voir. ils peuvent réagir. Le logiciel prend les données brutes et les mappe en caractères Na’vi. Les animateurs n’ont plus à deviner à quoi devrait ressembler une grimace subtile. C’est ça. Capturé. Authentique.
Comparez cela avec les premiers jours. Dans Le Seigneur des Anneaux, la majeure partie du visage de Gollum était animée manuellement en utilisant les informations corporelles comme guide. Dans Avatar, le visage est la performance. La différence est importante. C’est la différence entre une marionnette et un humain.
Réalisme sur place
La technologie a quitté le studio. Pirates des Caraïbes : Le Coffre du Mort permet à Bill Nighy d’apparaître avec le casting. il porte ce costume. Il portait les marqueurs. Mais il était sur le plateau. Il interagissait avec Orlando Bloom et Keira Knightley. Industrial Light & Magic a ensuite ajouté des tentacules CGI. L’interaction était réelle.
En 2011, Rise of the Planet of the Apes avait encore progressé. César, encore une fois interprété par Andy Serkis, a été filmé en extérieur. Prise de vue en extérieur. Lumière naturelle. Les lumières LED infrarouges et les caméras pour casque s’occupent du reste. * L’aube de la planète des singes (2014) a amélioré cela. L’environnement est réel. Tous les artistes sont réels. Les singes existaient bien, mais leur façon d’agir est sans précédent.
Voir l’invisible
L’innovation la plus disruptive vient peut-être d’Avatar. Caméras virtuelles.
Cameron n’a pas eu besoin d’attendre la post-production pour voir CGI. Il pourrait regarder à travers un moniteur. Il a vu les Na’vi dans la jungle. Il a vu l’éclairage. Il a vu la composition. Le tout en temps réel. Cela permet de diriger le plan comme si le personnage était réellement là. Il a ajusté l’angle de la caméra. Il a changé l’éclairage. Il donne des instructions basées sur ce qu’il voit et non sur ce qu’il imagine.
Peter Jackson a utilisé la même technique dans Le Hobbit : un voyage inattendu (2012). En conséquence, la post-production prenait encore beaucoup de temps. Le polissage final a duré plusieurs mois. Mais qu’en est-il de la direction ? Cela s’est produit ce jour-là. Les graphismes sur le plateau s’améliorent chaque année. L’écart entre la vision et l’exécution se réduit.
L’Uncanny Valley et au-delà
Mocap n’est pas réservé aux films d’action réelle. Cela a construit tout un monde. Final Fantasy : The Spirits Within (2001) était une tentative de réaliser un film entièrement animé. Ça a l’air très réel. C’était mal. Les personnages se perdent dans une « belle vallée ». Ils ressemblaient à des gens, mais ils avaient quelque chose de différent. Les yeux ne suivaient pas vraiment. La peau ne respirait pas vraiment.
Robert Zemeckis a réessayé dans The Polar Express (2004) et Beowulf (2007). Plus de détails. C’est plus réaliste. Pourtant, les téléspectateurs hésitent. La technologie existe. L’âme ne correspond pas du tout à la peau.
Mais les plaintes diminuent. La nouvelle animation ne suscite pas une telle anxiété primaire. Le rendu est plus rapide. Décrivez plus en détail. Les frontières entre humain et numérique s’estompent. Il n’y a pas que le sport. S’il vous plaît, existez.
Nous avons dépassé la phase de nouveauté. Mark a disparu de notre vue. Le casque est plus fin. Les caméras sont devenues plus intelligentes. Le reste appartient à l’histoire. Et les acteurs.
L’avenir ne s’annonce pas mieux. Il s’agit d’invisibilité. Quand j’oublie, les acteurs sont habillés avec leur tenue. Quand on oublie que le personnage n’est pas réel. C’est ça.
nous sommes très proches.
La capture des performances vous permet de faire des choses que le rotoscope ne peut pas faire. Cela fait des acteurs des êtres vivants. N’importe quel être vivant. L’histoire dicte la forme et la technologie le permet. Personne ne passe des heures dans le fauteuil de maquillage. Pas de costumes lourds et restrictifs. Les résultats semblent très réalistes. Il bouge de manière réaliste.
Renseignez-vous cependant sur les coûts. C’est cher. Et ce n’est pas toujours le bon outil pour le travail.
La plupart des films reposent sur des effets que vous ne remarquez pas. Le microphone est retiré du cadre. Tourner une scène enneigée au printemps et ajouter de la neige plus tard. Ce sont des correctifs invisibles. Ils gardent l’illusion intacte sans transformer tous les personnages en modèles CGI. Toutes les histoires n’ont pas besoin d’un double numérique.
C’est là que le débat entre rotoscopie et capture de mouvement devient intéressant. Les deux méthodes capturent l’âme de l’acteur dans un corps animé. On trace les cadres à la main. L’autre enregistre le mouvement des os et la déformation de la peau. Mais ils servent des maîtres différents.
Pourquoi la rotoscopie est toujours importante
Avec les outils numériques, vous pouvez obtenir des résultats rapidement. moins cher. C’est plus réel que jamais. Vous pourriez penser que la rotoscopie est dépassée. Une technique de l’époque du dessin à la main.
Ce n’est pas vrai.
Cela reste une arme utile dans l’arsenal d’un cinéaste. Parfois, vous voulez un certain look. Une brume de rêve. Une réalité changeante. Richard Linklater l’a utilisé dans Waking Life et “A Scanner Darkly”. Le style devient substance.
La rotoscopie n’est pas qu’une question de style. C’est pour survivre.
C’est aussi un filet de sécurité. Quand une scène tourne mal. Quand un effet pratique échoue. Lorsque la composition nécessite une découpe parfaite au pixel près. L’animateur a sorti sa tablette. image par image. C’est fastidieux. C’est précis. Ça marche.
Quand choisir lequel ?
Alors quelle méthode choisir ?
Si vous voulez des personnes et des créatures réalistes qui se déplacent avec un poids et une gravité naturels, la capture de performances est la réponse. Il capture les micro-expressions. changements subtils de posture. Les acteurs font plus que de simples doubleurs dans les charts. Ils sont dans la scène.
Si vous voulez de l’abstraction artistique. Ou si vous avez besoin de réparer un tournage pratique en désordre. La rotoscopie est toujours reine. Il offre un contrôle. Contrôle au niveau des pixels.
La production de films d’action réelle a également changé. Vous pouvez désormais filmer même des scènes dangereuses. Trop cher. Ou peut-être que ce n’est pas possible dans le monde réel. La composition numérique rend cela possible. Cependant, le choix entre le suivi des images et le suivi des os dépend de vos objectifs.
Voulez-vous du réalisme? Ou voulez-vous des émotions ?
Ces outils sont meilleurs que jamais. Vos options s’élargissent. Mais l’objectif reste le même. Rendez-le crédible. Faites que ça marche.
