Фільми завжди були про подолання кордонів. З кінця ХІХ століття режисери гналися за новим великим адреналіном. Жорж Мельєс був одним із перших, хто експериментував із фотографією. Він знімав короткометражні фільми, що порушували закони фізики. У своєму фільмі 1898 року “Людина з відрубаною головою” (Un Homme de Tête) він показав, як відрубує собі голову і складає її на столі. Через два роки він відправив людину на Місяць за допомогою ракети у формі кулі. Це дуже дико. Це так мрійливо.
Але не всі бажають магії. Дехто хоче руху, який здається автентичним.
Анімація також зародилася досить рано. Еміль Коль створив «Фантазмагорію» у 1908 році. Він намалював сотні простих ескізів на папері та сфотографував їх. Це був перший анімований мультфільм. Вінзор Маккей представив динозавра Гертруду в 1914 році. У його роботі використовувалися тисячі кадрів. Його рухи були більш плавними, ніж більшість мультфільмів того часу. Проте більшість ранніх анімацій була нестабільною і грубою.
Потім з’являється феномен. Фільмоделі хочуть і неможливого, і правдоподібного. Вони намагаються наблизити мультфільми до реального життя. Для цього вони винайшли техніки, що використовуються досі. Це називається ротоскопіюванням. Він був розроблений майже сто років тому і змінив те, як ми бачимо рух на екранах.
Що таке ротоскопування? Чому це важливо?
Хоча концепція ротоскопування проста, практично її складно реалізувати. Це дуже трудомісткий процес. Потрібні спеціальні інструменти. Основна ідея проста. Ви знімаєте матеріал із живими акторами. Знімаєте акторів, що рухаються, або об’єкти. Потім обводьте цей матеріал за кадром. З цього обведення можна створити анімацію.
Це стосується не тільки мультфільмів. Може використовуватись для спецефектів у фільмах із живими акторами. Можна виділити елементи. Можливе створення сцен, яких не існує насправді.
Ротоскопування усуває розрив між зйомкою з живими акторами та мальованою анімацією. Воно захоплює фізику реального руху та застосовує її до ваших намальованих персонажів.
Деякі в промисловості анімації вважають це обманом. Вони кажуть, що якщо ви не малюєте все з нуля, це не справжня анімація. Комп’ютерна графіка (CGI) замінила багато старих технологій. Але ротоскопування не мертве. Це досі корисний інструмент. Це перевага для аніматорів та режисерів, які хочуть реалістичного руху без вгадування.
Походження ротоскопування
Історія починається з Макса Флейшера. Він був аніматором у 1910-х роках. Він хотів, щоб персонажі рухалися природно. Він не хотів жорстких, смиканих рухів, характерних для ранніх мультфільмів. Йому потрібне було рішення.
Його рішенням став ротоскоп. Це був пристрій, який міг проектувати уривки фільму на скляну панель. Можна малювати на тарілку, спостерігаючи за відео. Таким чином, миттєво можна точно обвести рух.
Першим персонажем, який використовує цю техніку, була Бетті Буп. Вона з’явилася у серії «Talkartoons». Її рухи плавні. Здається, що танцює справжня людина. Це великий крок уперед. Це надає мультфільм більше правдоподібності. Це також весело.
Ротоскоп використовується як для персонажів. Він також застосовується для фонових елементів. Наприклад, у «Білосніжці»
Як брати Флейшер винайшли ротоскоп і назавжди змінили анімацію
Макс Флейшер – це більше, ніж просто митець. Він також є техногіком, і був задовго до того, як саме це слово з’явилося. Будучи редактором з мистецтва журналу Popular Science Monthly, він був одержимий тим, як працюють речі. Стандартна анімація здавалася йому неприродною. Він прагнув плавності. Реалізму. Так він винайшов ротоскоп. Це спосіб поєднати мультяшну дію з основами реальної фізики.
Він працює не поодинці. Флейшери – сім’я. Макс зібрав своїх братів Дейва, Джо, Лу та Чарлі, щоб створити прототип. Перш ніж голлівудські студії встигли усвідомити те, що відбувається, вони вже поралися з обладнанням і склом. Макс подав заявку на патент у 1915 році. Патент був виданий через два роки, в 1917 році. Механізм простий, але новаторський.
Клоун на даху
Перші випробування проводилися над студії. Вони проходили на даху багатоквартирного будинку у Нью-Йорку. Погода не мала значення. Важливим було світло.
Вони принесли ручний проектор. Вони перетворили його на камеру. Дейв був одягнений у костюм клоуна. Його мати пошила це вбрання своїми руками. Вони зняли понад хвилину плівки. Дейв рухався. Він танцював. Він позував.
Потім почалося трасування. Брати зібрали пристрій ротоскопа. Воно проектувало кадр за кадром через скляну панель мольберта. Макс помістив кальку на інший бік. Він обводив зображення.
кадр за кадром. Він малював, потім переміщував плівку до наступного кадру та малював знову. У патенті також описується механізм з шнуром, що тягнеться, щоб художнику не потрібно було тягтися до важеля. Ефективність. Ось ціль.
Як тільки малюнок завершено, його потрібно сфотографувати. Макс використовує той самий проектор і цього разу знову налаштовує його як камеру. Він вручну знімає та надягає кришку об’єктива. клацання. щоб торкнутися клацання. наступний кадр. Це – фізична робота. Точна праця.
Вони виявили плівку. Вони відтворили її. Все вийшло. Анімовані рухи клоуна ожили. Ним виявився Коко. Персонаж, котрий визначив цілу епоху.
Від Коко до Супермена
Макс почав знімати анімаційні ролики. Дейв розпочав режисуру. Приблизно в 1919 році вони випустили Out of the Inkwell. Коко-Клоун ігнорує гравітацію та вистрибує з чорнильниць. Проте ротоскоп стабілізував його рухи.
Студія продовжує зростати. У 1930-х роках у них виникла Бетті Буп. Слідом вийшов Попай. У 1940-х роках з’явився “Супермен”. Ці короткометражки були дорогими. Вони також вирізнялися візуальною деталізацією. Ротоскоп дозволяв їм створювати реалістичні рухи людей, перебільшуючи у своїй міміку. Можна було передати вагу реального тіла та динаміку панелі коміксу.
У центрі всього цього стоїть Кеб Келлоуей. У трьох мультфільмах про Бетті Буп використовується ротоскопований запис джазового співака: Minnie the Moocher, The Old Man of the Mountain і Snow White. Перші два фільми починалися з кадрів із живими акторами, на яких зображено Келлоуей та його оркестр. Minnie the Moocher містить найраніші відомі записи виступу Кеба Келлоуея. Можна побачити, як рухи джазової легенди були перенесені на Бімбо та інших персонажів. Зв’язок між зйомками з живими акторами та анімацією був безшовним. Це було моторошно.
Перший експеримент повнометражного формату
Ротоскоп використовується не тільки для короткометражок. Він застосовувався студією Флейшер у фільмі «Подорожі Гулівера». Випущений 1939 року, він став другим повнометражним анімаційним фільмом, знятим у США. Першим був «Білосніжка» від Disney, але робота Флейшерів має іншу фактуру. Динамічна кінематографія надає персонажам відчуття тяжкості. Наявність. Це не просто мультяшна логіка. Це людська логіка, відфільтрована через чорнило.
Технологія поширилась. Інші аніматори також звернули на неї увагу. Вони хочуть цієї справжньої якості. Проте Флейшери запатентували процес. Вони контролюють засоби виробництва. Був час, коли, якщо ви хотіли отримати ротоскоповані рухи, вам доводилося їхати до Нью-Йорка. Ви платили платню. Ви отримували реалізм.
Це змінило те, як аудиторія сприймала комікси. Вони не були просто малюнками. Вони стали виступами. Записаними, обведеними по контуру та заново анімованими. Кордон між реальним світом та світом аніме розмивається. Коко був лише початком. Зіркою стала технологія.
Ротоскоп не просто копіює рухи. Він захоплює душу руху.
Його спадщину можна побачити і сьогодні. Сучасні аніматори досі використовують цей інструмент. Замість замінювати творчість, він закріплює його. Коли персонажі виглядають реалістично, навіть у фентезійному світі, це зазвичай завдяки роботі ротоскопа.
Disney просто не змогли придумати, як змусити «Білосніжку» працювати. Спершу вони зняли реальних людей.
Марджорі Селест Белчер (пізніше відома як Меггі Шампіон) виконала роль Білосніжки. Луїс Хайтауер – принца. Актори Едді Коллінз та Біллі Хаус зіграли Глупиша та Лікаря. Дон Броді переодягся і прийняв образ замаскованої королеви. Ці актори знімалися у базових сценах. Їхні рухи були зафіксовані.
Потім аніматори опрацьовували ключові кадри. Вони створюються на початку та наприкінці дії. Проміжні кадри? Вони малювалися вручну на прозорих осередках (целулоїдах). То справді був змішаний процес. Реальне життя перетворювалося на мультфільм.
Це був разовим експериментом. Disney застосували той самий підхід у «Пітері Пені». Хенс Конрід озвучив містера Дарлінга та капітана Крюка. Бадді Ебсен зіграв пірата. Танцюрист Роланд Дюпрі виконав роль Пітера Пена. Маргарет Керрі стала фізичною моделлю для Тінкер Белл. Після цього були інші фільми студії. Студія створювала фантастичні світи, що ґрунтуються на зйомках із реальними акторами.
Дискусія про реалізм
Ротоскопування викликало суперечки. Деякі критики називають це читерством. Пришвидшеним шляхом. Вони стверджують, що персонажі, створені з урахуванням реальних людей, виглядають інакше, ніж традиційно анімовані тварини. Такий рух здається моторошним. Або надто неприродним.
Disney намагалися приховати цей прийом. На прем’єрі «Білосніжки» Белчер сиділа на балконі. Осторонь від натовпу. Їй сказали не казати про свою роль. Вона навіть не знала, що її зображення було одержано методом ротоскопування. Минуло десятиліття, перш ніж вона дізналася правду. Секрет було розкрито лише після відвідин виставки Disney.
Але результати кажуть самі за себе. «Білосніжка» стала шедевром. Це досі класика. Суперечки потьмяніли на тлі її успіху.
За межами Disney: інтенсивне ротоскопування
Інші студії також не цуралися цього прийому. Дехто навіть активно його використовував. Інтенсивне ротоскопування може надати фільму вигляду живої зйомки, поверх якої нанесено живопис.
У фільмі “Жовта підводка” (1968) гурту The Beatles прозвучала пісня “Lucy in the Sky with Diamonds”. У ньому використовувалося очевидне ротоскопіювання.
Ральф Бакші збудував кар’єру на цьому прийомі. Він використав цю техніку у фільмі «Чарівники» (1977). За ним пішов «Володар кілець» (1978). Далі вийшов “Американський піп” (1981). Знаменита серія була завершена фільмами «Вогонь і лід» (1983) та «Холодний світ» (1992). Компанія Columbia Pictures за анонсу «Американського попа» применшувала значення динамічної кінематографії. Можливо вони побоювалися, що глядачі подумають, що це обман. Натомість це додало фільму унікальної, сновидячої якості.
Музичні кліпи та цифровий розвиток
У 1980-х роках ротоскопування увійшло до музичних кліпів. Яскравим прикладом став кліп групи A-Ha “Take On Me” (1985). Живі кадри чергуються з недбалою анімацією у стилі коміксів. Ефект приголомшливий. Він відповідав енергії пісні.
У тому ж році гурт INXS використав цей прийом у кліпі «What You Need». У відео були додані анімація та колірні ефекти. Це вже не лише повнометражні фільми. Це короткоформатна візуальна розповідь.
Річард Лінклейтер просунув цей прийом ще далі. Фільми «Пробудження життя» (2001) та «Сканер затемно» (2006) було знято з реальними акторами. Потім вони були перетворені на анімацію. Цей процес називається інтерполяційним ротоскопіюванням. Боб Сабістон, студент Массачусетського технологічного інституту, створив програмне забезпечення, яке інтерполює зображення між ключовими кадрами. Це пришвидшує роботу. Створюється плавний результат, що пливе. Аніматори можуть зосередитися на вираженні емоцій, а не на роботі над кожним кадром.
Чому це все ще важливо
Ротоскопування – це не просто історичне винесення. Аніматори досі використовують його, щоб вивчати рух із нуля. Воно вчить тому, як тіла рухаються у реальному просторі.
Його також використовують у фільмах із живими акторами. Воно не обмежується мультфільмами. Це інструмент, що стирає грань між реальністю та уявою. Кордон між ними ніколи не був таким розмитим. Або такою цікавою.
Аналогове мистецтво матів, що подорожують.
Забудьте про глянсове цифрове ротоскопування сучасного CGI. Створення оригінальних світлових мечів «Зоряних війн» та жахів із «Птахів» Альфреда Хічкока — це брудна, ручна та виснажлива робота. В епоху аналогових технологій справа не зводилася лише до обведення анімаційних клітин. Йшлося про композитинг — зрощення різних елементів, які ніколи раніше не перебували в одній кімнаті.
Режисер, мабуть, хоче, щоб герой стояв на павільйоні зі справжнім океаном за ним і виглядав наляканим. Або, можливо, їм потрібен був вибух, надто небезпечний для актора. Не просто про те, щоб направити камеру. Потрібно було малювати.
Малювання порожнечі
Робочий процес – це фізичний кошмар. Вам потрібно взяти плівкову котушку, проектувати кожен кадр на скляну пластину та малювати його вручну.
кадр за кадром.
Якщо ви бажаєте відокремити людину від фону, ви можете обвести контур людини на прозорій клітці. Потім зафарбуйте решту клітин, щоб створити матову поверхню (маску). Ця маска накладається поверх фонової плівки. Закрита чорна область приховує фон і залишає прозоре вікно для актора на передньому плані.
Однак вам знадобиться кілька котушок. Нам потрібна вихідна плівка, чорна маска та «негатив» цієї маски.
Ось у чому хитрість:
- Проведіть експозицію фонової плівки із чорною маскою перед нею. Це пропалить фон, крім тих частин, які приховані маскою.
Знову проведіть експозицію того ж кадру, але цього разу помістіть негативну маску перед актором на передньому плані. Прозора пляма на негативній масці дозволить актору просвічувати там, де закрито фон.
Це торт, складений зі світла та фарби. І ви повинні робити це 24 рази на секунду.
Мандрівний мат
Звичайна плівка формату 35 мм рухається зі швидкістю 24 кадри на секунду. Це становить 1440 кадрів щохвилини. Давайте порахуємо. Якщо сцена триває одну хвилину, потрібно намалювати 1440 масок.
А об’єкт рухається.
Статичні об’єкти – легко. Чоловік іде? Вибух розширюється? Це мандруючий мат. Форма та положення змінюються від кадру до кадру. Якщо рука актора зсувається на 2 дюйми ліворуч у кадрі 50, отвір у масці у кадрі 50 має бути перемальовано. Якщо ви промахнетеся хоча б на міліметр, композитне зображення стане смиканим. Виглядає неприродно. Глядач бачить тремтіння, і чари розсіюються.
Точність чи нічого
Мова не лише про контури. Освітлення повинне ідеально збігатися з фоном. Якщо на фоновій плівці заходить сонце, а акторів висвітлюють флуоресцентні лампи, композитне зображення виглядатиме як наклейка на листівці. Корекція кольору пізніше може допомогти, але вона не виправить погану обведення.
Все має бути відрегульовано фізично. Плівки, маски, проектори об’єктиви. Достатньо одного промаху, порошинки на склі — і все змінюється. Результатом стає тремтячий, примарний безлад.
Прибирання безладдя
Крім вибухів у блокбастерах, ця технологія служила і скромнішим цілям. Вона усувала помилки.
Ви коли-небудь замислювалися, як усунути тінь від мікрофона-«журавля»? Чи страхувальні троси, які утримують канат для трюку? Чи просто маленькі білі маркери розмітки на підлозі? Ротоскопування могло обвести ці вторгнення, створити маски для їхнього блокування та заповнити прогалини чистою фоновою плівкою. Це зберігає ілюзію. Ви не бачите механізмів. Ви бачите магію.
Цифрова спадщина
Ми більше не малюємо пензлем. Комп’ютери можуть створювати ці мандрівні мати за секунди, використовуючи штучний інтелект та виявлення країв. Ручної праці немає. Фізичні котушки відправлені до архіву. Але логіка лишається. Ми, як і раніше, відокремлюємо передній план від фону. Ми, як і раніше, займаємося композитингом.
Ми просто робимо це швидше. І дешевше.
Звичайно, кінцевий результат чистіший. Але чи буде він таким же душевним, як ручне матове оздоблення, на яке пішов тиждень? Мабуть, ні. Але з іншого боку, це не звичайний фільм Marvel.
Комп’ютери зменшились у розмірах. Вони стали швидшими. Вони стали дешевшими. Ця апаратна революція змінила як спосіб монтажу, а й фундаментально перебудувала створення спецефектів.
За допомогою CGI можна змусити перевірку на реалістичність майже будь-який об’єкт. А як щодо ротоскопії? Раніше це була важка фізична робота. Тепер, завдяки цифровим інструментам, робота йде швидше, ніж будь-коли. Витрачайте менше часу на обведення і більше – на творчість.
Цифровий верстат
Філософія залишилася незмінною, але змінилося середовище. Скляний стіл більше не потрібний. Більше не потрібно накладати фізичні анімаційні осередки на плівкові барабани, що проектуються.
Сучасні робочі процеси працюють із віртуальними шарами. Один шар містить оцифрований відеокліп. Інший — ваш розпис. Третій – ефекти. Немає потреби фотографувати результат. Ви експортуєте цифровий файл.
Графічне програмне забезпечення імітує старі прийоми. Ви можете малювати у кадрі за допомогою миші, трекпаду або графічного планшета. Бажаєте традиційну ротоскопічну анімацію? Залишіть видимим вихідний плівковий кадр. Бажаєте прибрати його? Залишиться лише анімація. Або створюйте складні маски, щоб інтегрувати сфотографовані або згенеровані комп’ютером об’єкти у сцену.
Матти зазвичай змальовуються в окремих кадрах. Використовуйте інструмент виділення. Використовуйте інструмент розпису. Тут знадобляться сплайни. Це криві з точками, що перетягуються. Якщо ви коректуєте сплайн в одному кадрі, його легше скоригувати в наступному, ніж перемальовувати з нуля.
Автоматизація та контроль
Це програмне забезпечення робить більше, ніж просто малює зображення. Воно обробляє рухи за вас.
Слідкуйте за положенням від кадру до кадру. Вкажіть програму, де знаходиться об’єкт у першому кадрі та де він знаходиться в десятому. Дозвольте програмному забезпеченню виконати інтерполяцію між ними. Воно визначить, що має бути там.
Сучасні програми дедалі частіше здатні розпізнавати форми. Вони обводять і маскують об’єкти з кількох кадрів. Вам не потрібно обводити кожне ребро. Це заощаджує багато часу.
Коригування кольорів можна вносити негайно. Морфінг одного об’єкта на інший. Розмиття країв натисканням однієї кнопки. Копіювання частини екрану. Цей інструмент клонування допоможе вам очищати прикраси. Потрібно забрати кабель? Скопіюйте небо чи стіну та зафарбуйте ним провід. Зробіть так, щоб вона ніколи не існувала.
Ландшафт програмного забезпечення
Інструменти ротоскопування не з’явилися відразу. Раннє програмне забезпечення для цієї роботи почало з’являтися у 1990-х роках. * Colorburst . Commotion. Matador*.
Сьогоднішній список ще довший. Інструменти потужніші.
- Adobe Flash
- Adobe Photoshop
- Adobe After Effects
- Mocha від Imagineer Systems
- Silhouette
- Flame та Smoke від Autodesk
- Fusion від Blackmagic
- Nuke, Ocula та Mari від The Foundry
Деякі з них потребують апаратного забезпечення корпоративного рівня.
Дорогий комп’ютер.
Дорогі ліцензії. Інші, такі як Adobe, доступні.
Навіть любителі з гарним ноутбуком можуть увійти до цієї гри. Незалежні кінематографісти більше не залишаються позаду.
Ключування за кольором проти ротоскопування
Ви можете поставити питання, як цифрове ротоскопування порівнюється з ще одним великим гравцем у галузі візуальних ефектів: ключуванням за кольором.
Колірне ключування залежить від певних відтінків. Ви ізолюєте колір (зазвичай зелений чи синій). Це дуже швидко. Це ефективно для великих фонів. Однак воно дає збій, якщо об’єкти мають той самий колір.
Колір не має значення для ротоскопування. Тут важливі краї.
У цифрову епоху межі між цими підходами розмиваються. Програмне забезпечення тепер може виконувати ключування за кольором і ротоскопування країв в одному робочому процесі. Операції ключування виконуються на задньому плані. Ротоскопування – на передньому плані. Ці інструменти можуть вирішити обидві проблеми.
Який метод ви оберете?
Залежить від кадру. Залежить від складності. Залежить від того, скільки часу у вас.
Але одне зрозуміло. Фізичні бар’єри зникли. Скляний стіл покрився пилом. Настала нова ера. Роботи створені за допомогою коду.
Забудьте про кропітке покадрове обведення при роботі з ротоскопуванням. Протягом десятиліть художники за візуальними ефектами покладалися на колірне ключування (chroma keying), щоб комбінувати цифрові елементи з натурними зйомками. Ця технологія стоїть за кожним кадром із синім екраном або зеленим екраном, який ви коли-небудь бачили, і стала справжнім проривом, коли вперше була використана у фільмі «Злодій з Калькутти» (The Thief of Bagdad) у 1940 році.
Однак у Disney є своя секретна зброя. Вони використовували не синій чи зелений колір. Актори знімалися на тлі чисто білого тла і висвітлювалися лише натрієвими лампами. Цей унікальний метод дозволяє уникнути тіней і створювати чисті маски для таких класичних фільмів, як «Мері Поппінс повертається», «Пастка для батьків» та «Божевільний професор».
Сходження зеленого над синім
Чому зелений колір витіснив синій? Це з цифровими сенсорами. Коли постпродакшн перейшов із плівки на пікселі, зелений колір став стандартом. Цифрові камери можуть захоплювати деталі у зеленому спектрі легше, ніж у синьому, а освітлення зеленої стіни дешевше та простіше, ніж синій.
Процес простий. Ви знімаєте акторів на однотонному тлі. Потім програмне забезпечення створює маску, що рухається, видаляючи цей колір (або, точніше, видаляючи всі кольори, крім нього). Автоматичний поділ елементів переднього та заднього планів. Більше не потрібно вручну обводити кожен край по кадрах.
«Це усуває необхідність вручну обводити та маскувати елементи по кадрах, що робить процес набагато простіше.»
Але ж це не магія. Правила суворі. Актори не можуть носити костюми, що збігаються за кольором із тлом. Якщо головний герой у зеленій куртці стоїть перед зеленим екраном, його тіло просто зникне. Крім того, оскільки об’єкти в реальному світі рідко бувають монохромними, часто виникає проникнення (bleeding), коли слабкі сліди кольору фону проникають в об’єкт. Щоб вирішити цю проблему, потрібна сильна корекція кольору.
Коли ключування дає збій
Колірне виключення ефективно, але не бездоганно. Іноді руки актора виходять за межі комфортної зони. Іноді реквізит потрапляє у зону дії синього екрана. Коли це відбувається, на сцену виходить ротоскопування як інструмент усунення помилок.
Якщо хтось виходить за межі області, де застосовується ключування, художники повертаються до ротоскопічних інструментів. Вони вручну створюють маску, що рухається, для тих частин, які не вдалося відокремити за допомогою програмного забезпечення. Це гібридний підхід. Використовуйте ключування для основного контенту та ротоскопію для виправлення помилок.
Захоплення руху проти ротоскопування
Захоплення руху, яке часто називають мокапом (mocap) або, останнім часом, захопленням гри (performance capture), — це не просто нова технологія. Це цифрова еволюція старих методів, таких як ротоскопування та використання зеленого екрану. Мета залишається незмінною: інтеграція нових рухомих елементів (зазвичай акторів) у сцену. Якщо ротоскопування передбачало обведення плівкою, то захоплення руху вимагає створення 3D-кадра з нуля. Це все одно що різниця між малюванням обличчя на дошці та ліпкою структурою під ним.
Ця технологія з’явилася в середині 90-х років. Спочатку вона призначалася для наукових цілей. Дослідники хотіли вивчати рух. Саме тоді Голлівуд звернув на неї увагу. Початкове налаштування було складним. Актори одягали костюми з маркерами, що відбивають. Вони виконували сцену поодинці у студії. Камери оточували їх. Дані зберігалися у програмному забезпеченні. З’являлася 3D-модель. Аніматори додавали обличчя, одяг та «душу» вже на етапі постпродакшну.
Це було ідеально для перших експериментів. Тінь Бетмена у фільмі “Бетмен назавжди” (1995). Натовп у фільмі “Титанік” (1996). Джар-Джар Бінкс у «Зоряних війнах. Епізод I: Прихована загроза» (1999). Потім з’явився Голум. Його роль виконав Енді Серкіс. Це змінило все. Це довело, що цифрові персонажі можуть мати емоційну вагомість.
Але індустрія цьому не зупинилася. Кожен блокбастер вимагає найкращого.
Обличчя гри
Найбільше досягнення – це захоплення міміки. Ранні версії використовували маркери на обличчі. Це виглядало дуже неприродно. Невірно. Потім з’явилися «Кінг-Конг» (2005) та «Пірати Карибського моря: Скриня мерця» (2006). Деві Джонс став піонером. Однак “Аватар” (2009) значно змінив правила гри.
Режисер Джеймс Кемерон хотів більше, ніж просто екшен. Він прагнув до мікро-виразів обличчя. Він використовував шоломи із камерами, спрямованими на обличчя акторів. Їхня шкіра була вкрита точками-маркерами. Камера записувала кожне посмикування. Кожне моргання. Кожен рух губ. Це не просто фізичні дані. Це дані про гру.
Актори, як і раніше, носили костюми з інфрачервоними світлодіодами. Вони все ще були у знімальних павільйонах студії Weta Digital. Але нарешті вони могли бачити одне одного. Вони могли реагувати. Програмне забезпечення брало сирі дані та накладало їх на персонажів-наві. Аніматорам більше не треба було гадати, як має виглядати тонке гримасування. Ось і все. Захоплено. Щиро.
Порівняйте це з ранніх днів. У «Володарі кілець» більша частина обличчя Голлума анімувалася вручну, при цьому інформація про тіло використовувалася як орієнтир. У «Аватарі» обличчя — це гра. Різниця важлива. Це різниця між маріонеткою та людиною.
Реалізм на натурі
Технологія вийшла із студії. У «Піратах Карибського моря: Скрині мерця» Білл Найї з’явився у кадрі разом з акторами. Він був у тому самому костюмі. На ньому були маркери. Але зйомки відбувалися на майданчику. Він взаємодіяв з Орландо Блумом та Кірою Найтлі. Пізніше Industrial Light & Magic додали CGI-щупальця. Взаємодія була реальною.
До 2011 року у фільмі «Повстання планети мавп» прогрес став ще помітнішим. Цезаря, якого знову зіграв Енді Серкіс, знімали на природі. Натурні зйомки. Природне світло. Інфрачервоні світлодіоди та камери на шоломах зробили все інше. “Дawn планети мавп” (2014) покращив цей процес. Навколишнє середовище реальне. Усі виконавці є реальними. Мавпи були реальними, але спосіб їх створення не мав прецедентів.
Бачення невидимого
Можливо, руйнівне нововведення походить від «Аватара». Віртуальні камери.
Кемерону не треба було чекати на постпродакшн, щоб побачити CGI. Він міг дивитись через монітор. Він бачив натхнення в джунглях. Він бачив освітлення. Він бачив композицію. Все у реальному часі. Це дозволяє режисеру ставити кадр так, ніби персонаж справді перебуває там. Він регулював кут камери. Він змінював освітлення. Він давав вказівки, виходячи з того, що бачить, а чи не у тому, що представляє.
Пітер Джексон використав ту ж техніку в «Хоббіті: Несподівана подорож» (2012). В результаті постпродакшн все ще займав багато часу. Фінальне полірування зайняло кілька місяців. Але щодо режисури? Це відбувалося того ж дня. Графіка на майданчику стає кращою з кожним роком. Розрив між баченням та виконанням скорочується.
Долина жахливості та за її межами
Мокап використовується не лише в ігровому кіно. Він створив цілий світ. “Остання легенда” (Final Fantasy: The Spirits Within, 2001) була спробою створити повністю анімаційний фільм. Виглядало дуже реалістично. Але відчувалося неправильно. Персонажі потрапляли у «прекрасну долину». Вони виглядали як люди, але в них щось було не так. Очі не зовсім йшли за поглядом. Шкіра не зовсім «дихала».
Роберт Земекіс спробував знову в «Полярному експресі» (2004) та «Беовульфі» (2007). Більше деталей. Реалістичніше. Проте глядачі вагалися. Технологія існувала. Душа зовсім не відповідала оболонці.
Але скарги слабшають. Нова анімація не викликає такої первісної тривоги. Рендеринг став швидшим. Деталізація зросла. Межі між людиною та цифровим об’єктом розмиваються. Це стосується не лише спорту. Будь ласка, зверніть увагу.
Ми пройшли фазу новизни. Маркери зникли з поля зору. Шоломи стали тоншими. Камери стали просто розумнішими. Решта – історія. І актори.
Майбутнє не в найкращих костюмах. Майбутнє – у невидимості. Коли ви забуваєте, що актори одягнені у своє спорядження. Коли ви забуваєте, що персонаж несправжній. Ось і все.
Ми дуже близькі до цього.
Захоплення руху дозволяє робити те, що може ротоскопирование. Він перетворює акторів на живих істот. У будь-яких живих істот. Сюжет диктує форму, а розробка забезпечує її реалізацію. Ніхто не проводить годинник у кріслі візажиста. Жодної важкої, що обмежує рухи одягу. Результат має дуже реалістичний вигляд. Рухи виглядають природно.
Однак дізнайтесь про вартість. Це дорого. І це не завжди правильний інструмент для конкретного завдання.
Більшість фільмів покладаються на ефекти, які ви не помічаєте. Мікрофон прибирають із кадру. Зйомка сцени зі снігом навесні з подальшим додаванням снігу на постпродакшні. Це невидимі виправлення. Вони зберігають ілюзію, не перетворюючи всіх персонажів на CGI-моделі. Не кожній історії потрібний цифровий двійник.
Саме тут суперечка між ротоскопуванням та захопленням руху стає цікавою. Обидва методи передають душу актора в анімованому тілі. Один вручну обводить кадри. Інший записує рух кісток та деформацію шкіри. Але вони служать різним цілям.
Чому ротоскопування все ще важливо
За допомогою цифрових інструментів можна отримувати результати швидше. Дешевше. Реалістичніше, ніж будь-коли раніше. Може здатися, що ротоскопіювання застаріло. Техніка епохи боку звернено анімації.
Це негаразд.
Вона залишається корисною зброєю в арсеналі режисера. Іноді вам потрібний певний візуальний стиль. Мрійливий серпанок. Реальність, що змінюється. Річард Лінклейтер використав її у фільмах «Пробудження життя» та «Сканер пітьми». Стиль стає змістом.
Ротоскопування – це не тільки про стиль. Це про виживання.
Це також страховка. Коли сцена не вдалася. Коли практичний ефект дав збій. Коли композитинг вимагає ідеально точної вирізки. Аніматор діставав свій планшет. кадр за кадром. Це втомлює. Це точно. Це працює.
Коли вибирати той чи інший метод?
Отже, який спосіб вибрати?
Якщо ви хочете реалістичних людей і істот, що рухаються з природною вагою і підпорядковуються гравітації, відповіддю буде захоплення руху. Він фіксує мікровираз обличчя. Тонкі зміни пози. Актори роблять більше, ніж просто озвучують персонажів за графіком. Вони перебувають у сцені.
Якщо ви хочете художньої абстракції. Або якщо потрібно виправити невдалу практичну зйомку. Ротоскопія все ще король. Воно пропонує контроль. Контроль лише на рівні пікселів.
Виробництво фільмів за участю живих акторів також змінилося. Наразі можна знімати навіть небезпечні сцени. Занадто дорогі. Або ті, які неможливі у реальному світі. Цифровий композитинг робить це можливим. Однак вибір між відстеженням кадрів та відстеженням кісток залежить від ваших цілей.
Ви хочете реалізм? Чи ви хочете емоції?
Ці інструменти краще, ніж будь-коли раніше. Ваші можливості розширюються. Але мета залишається незмінною. Зробити це правдоподібно. Зробити це працюючим.
